Alex Katz

        "Yo inventé el arte pop y otros me quitaron la comida"

Mas información

Ulla con sombrero - Alex Katz

"Yo pinto el presente. Comentar lo político, lo psicológico y lo sociológico de mis cuadros arruinaría la magia"

Buenos Aires - Centro Cultural Borges - Spilimbergo dibujante, obra sobre papel, 1918-1964

La exposición "Spilimbergo dibujante, obra sobre papel, 1918-1964", un itinerario que recorre casi 50 años de producción de este maestro del arte argentino del siglo XX, a través de más de 60 obras, así como también fotografías, cartas y documentación personal, se inaugura el próximo jueves a las 19 en el Centro Cultural Borges.
Desde hace más de 12 años que no se realiza una muestra de este genial artista en la ciudad de Buenos Aires, en esta oportunidad abocada a sus obras en papel, dibujos en distintas técnicas, como lápiz, tinta, carbonilla, pastel, así como también grabados y monocopias, donde destacan obras nunca antes exhibidas.
"Los dibujos aquí reunidos no eran bocetos de algo mayor sino que eran obras propiamente en sí. Se los denominaba 'dibujos pintados' por su calidad. Fue un gran dibujante desde sus inicios. Se recibió de profesor de dibujo en la mitad de tiempo que los demás. Por su virtuosismo, sus profesores, como Pío Collivadino o Ernesto de la Cárcova, lo adelantaban de año", cuenta el nieto del artista, Leonardo Enea Spilimbergo, quien tuvo a su cargo la selección del material y curaduría de la muestra.
Esta exposición se propone, a través de siete núcleos temáticos, recorrer algunos de los más destacados momentos de la carrera de este artista que nació en Buenos Aires en 1896 y murió en Unquillo en 1964, asistió al taller de André Lothe en París, y pintó en 1933 el mural "Ejercicio plástico", junto al mexicano David Alfaro Siqueiros, los argentinos Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino y el uruguayo Enrique Lázaro, actualmente en exhibición en el Museo de la Casa Rosada (ex Museo del Bicentenario).

Buenos Aires - Museo Nacional de Arte Decorativo - Japón íntimo

           La exhibición Japón íntimo está integrada por piezas de la colección del Museo Nacional de Arte Oriental. Se seleccionaron objetos cotidianos que buscan revelar la sensibilidad y la espiritualidad del alma japonesa.
          La exhibición se complementarrá con actividades y talleres gratuitos, donde el público podrá ponerse en contacto con diversas expresiones del arte y de las tradiciones culturales de Japón. Además, las salas contarán con diversos soportes electrónicos que permitirán apreciar la muestra desde un punto de vista dinámico y novedoso.
         De la colección del Museo Nacional de Arte Oriental se han seleccionado porcelanas Satsuma y Kutani, cerámicas utilizadas para la ceremonia del té, miniaturas de marfil tallado, objetos de laca finamente trabajados, antiguos incensarios y objetos de uso religioso como altares y templetes.
         La delicadeza funcional de algunas de estas piezas, su nivel de detalle y su significación no son solamente un atributo limitado a lo japonés, sino que transmiten modos de ser y sentidos que constituyen y expresan vigor, energía y espíritu de trascendencia.
        Los objetos muestran en sus detalles, aparentemente decorativos, una expresión de quién era la persona que los portaba y cuál era su manera de ser. El espectador es invitado a conocer el alma japonesa a través de estas piezas.

Mas información

Buenos Aires - FOLA - Vivian Maier

 

           Vivian Maier nació en Nueva York en 1926. Fue una fotógrafa urbana aficionada cuya cuantiosa obra permaneció oculta y desconocida a lo largo de su vida y solo salió a la luz pública luego de ser adquirida casi azarosamente en un remate en la ciudad de Chicago en el año 2007.
Pasó algunos años de su juventud en Francia y a su regreso a los Estados Unidos se empleó como niñera tarea a la que se dedicó casi toda su vida. Sin embargo, en su tiempo libre, Vivian Maier se aventuró en el arte de la fotografía durante cinco décadas, dejando un legado de más de 100.000 tomas.
              Mientras sus sorprendentes imágenes se hacen conocidas en el mundo (la mayor parte de su trabajo permanece aún inédito) queda mucho por saber acerca de la enigmática mujer detrás del lente.
En algún momento del año 1949, mientras aún vivía en Francia, Maier comenzó a sacar sus primeras fotos con una modesta cámara Kodak  Brownie,  equipo  amateur con una sola velocidad, sin control de foco y sin posibilidad de cambio de diafragma. En 1951, a su regreso a los EEUU, compra una Rolleiflex, pero es a partir de 1956 cuando comienza una etapa de trabajo más consistente y prolífica.
En ese año se muda a la North Shore, un suburbio de Chicago, donde una familia la emplea como niñera para sus tres hijos. Disfruta allí del “lujo” de un laboratorio y de un baño privado, comodidades que le permitieron revelar y ampliar sus fotos.
             Cuando los niños de la familia crecieron, Vivian buscó otros empleos y con ello debió dejar de revelar sus películas. Los trabajos temporales y las mudanzas de familia en familia, obligaron a que sus negativos quedarán sin revelar ni imprimir y su “colección de rollos” comenzará a crecer.
En el año 2007, el contenido del depósito de objetos de Vivian Maier -incluyendo su enorme conjunto de rollos- se ofreció en subasta pública y fue adquirido por numerosos compradores. Entre ellos se encontraba el joven John Maloof, quien desde entonces se dedicó a organizar su archivo fotográfico y difundir su legado artístico.

          Como no pudo contactarse con Maier mientras ésta aún vivía (falleció en 2009) Maloof publicó y compartió ese mismo año imágenes por internet obteniendo un interés “viral”. Entusiasmado por la repercusión que habían logrado las imágenes de Vivian Maier, se comprometió en la tarea de conocer más acerca de la vida de la autora y a difundir su obra, concluyendo con la producción del documental “Finding Vivian Maier”, corto que fue nominado al Oscar en 2014.
         Desde el “descubrimiento” de su obra, las imágenes de Vivian Maier fueron objeto de numerosas e importantes publicaciones y se han realizado muestras de su trabajo en destacadas instituciones alrededor del mundo.
       El FOLA se enorgullece hoy en presentar esta exhibición en nuestro país, proyecto para el cual hemos contado con la colaboración y supervisión de John Maloof y Howard Greenberg Gallery en los EEUU y el impulso y colaboración de curaduría en nuestro medio de Leila Makarius y Jorge Cometti.
Fuente

Pompeya y los griegos

 

         Fue inaugurada en el Gimnasio Grande de Pompeya, la exposición "Pompeya  y los  griegos", organizado por Electa y curada  por el Superintendente Massimo Osanna, por el  Prof. C. Rescigno de la Università degli Studi della Campania “Luigi Vanvitelli” y el  arquitecto Bernard Tschumi, encargado de la exposición.
         Pompeya en su  ADN, tiene una fuerte identidad griega,  fruto de una ciudad de origen italiano y el intenso intercambio comercial con el Mediterráneo griego. Este encuentro permitió, desde el principio, que  artesanos, y arquitectos, produzcan  una mezcla de estilos que Pompeya ha vuelto a reelaborar  en forma nueva y eterna. Por su ubicación geográfica,  pronto se convirtió en una ciudad próspera, beneficiada por una salida al mar y una rica zona agrícola en el interior de la Campania.
       En los primeros siglos de vida, Pompeya, sufrió la influencia de las dos grandes potencias que dominaban la Campania, los etruscos y griegos, lo que provocó, en estudios recientes, un fuerte debate entre los partidarios de una "Pompeya etrusca" y  los partidarios de una Pompeya fuertemente helenizada desde los orígenes de la ciudad. Posteriormente, en el 474 a C, los etruscos - fuertemente presente en las áreas de Capua, y Fratte Pontecagnano – sufrieron  una dura derrota por una coalición de Cuma - Syracuse, y así en Pompeya la cultura griega prevaleció.
        Los objetos preciosos importados y las inscripciones en griego en las paredes, muestran  las diferentes almas de la vida de una ciudad, pero preparada  para  mezclarse de nuevo por el sometimiento  a otros pueblos. Hacia el final del siglo V, una nueva población, los samnitas, invadió las fértiles llanuras de la Campania, y se estableció en Pompeya con  nuevas normas sociales y urbanísticas.
         La muestra contiene más de 600 objetos  que incluye  cerámicas, ornamentos, armas, elementos arquitectónicos y esculturas provenientes de Pompeya, Stabia, Herculano, Sorrento, Cuma, Capua, Poseidón, Metaponto, Torre Satriano e incluso con  inscripciones en las diferentes lenguas  (griego, etrusco, paleo- italiano); además incluye platería y esculturas griegas que se reproducen en la época romana.
 Fuente

Ravenna - Iglesia de San Apolinario Nuovo

¡Felices Pascuas! 
Escena de las mujeres que llegan al sepulcro y el Ángel les anuncia la Resurrección.

Madrid - Museo Thyssen-Bornemisza - Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias

 

          Una rigurosa selección de 90 obras procedentes de la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Budapest y de la Galería Nacional de Hungría podrá contemplarse en el Museo desde el 18 de febrero de 2017.
          El Museo de Bellas Artes de Budapest, fundado en el siglo XIX, cuenta con extensas colecciones de pintura antigua y moderna, obra sobre papel y escultura. Por su parte la Galería Nacional de Hungría es un museo nacional oficialmente establecido en 1957, aunque en realidad data de 1802, y está dedicado a obras de arte húngaras.
          El conjunto que se exhibe en Madrid refleja el perfil de los fondos de ambas instituciones a través de pinturas, esculturas y dibujos de grandes artistas como Durero, Rafael, Annibale Carracci, Leonardo da Vinci, Peter Paul Rubens y españoles como Velázquez y Murillo. También incluye una magnífica selección de obras de artistas húngaros de la colección de la Galería Nacional de Hungría como Károly Ferenczy y Sándor Bortnyik.
 Fuente 
Visita virtual

New York "Función de Circo de Seurat" en el Metropolitan Museum

        Tomando como base una de las obras maestras más fascinantes del Museo, "Funcion de circo" de Seurat el Met ofrece un contexto único para apreciar el patrimonio y el encanto de esta obra, pintada en 1887-1888 por Georges Seurat (1859-1891). Hasta el 29 de mayo de 2017.
        Apoyada por un notable grupo de obras relacionadas de Seurat que acompañan a sus inimitables dibujos en lápiz conté, la exposición explorará la fascinación que el tema del circo y el espectáculo representó para otros artistas en el siglo XIX, desde el gran caricaturista Honoré Daumier a mediados de sigl, hasta el joven Pablo Picasso en la "Fin de siècle".
       Esta rica narrativa visual se desarrollará en una exposición provocativa de más de 100 pinturas, dibujos, estampas, carteles de época y revistas ilustradas, complementadas con instrumentos musicales y una serie de material documental destinado a mostrar una imagen vívida de las ferias y circos de la época. Entre los puntos más destacados se encuentran la épica ‘Grimaces and Misery– The Saltimbanques’ de Fernand Pelez, creada el mismo año que la obra magistral de Seurat y que, con sus artistas de tamaño real alineados en una formación de 20 pies de largo, igualan su ambición.
       “Funcion de circo” fue organizada por Susan Alyson Stein, Curadora de pintura europea del siglo XIX en el Met, y por el curador invitado Richard Thomson, profesor de Bellas Artes en la Universidad de Edimburgo.
Fuente

Buenos Aires - MAMBA - Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña

 

       "Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña", la primera exposición individual en un museo argentino del artista tucumano afincado en Berlín, una constelación de kilómetros de telas de araña fabricada en los últimos meses por 7.000 arañas de la especie Parawixia bistriata, se inaugura este viernes a las 19 en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
       La ciencia y el arte se balancean con total naturalidad en la obra de este arquitecto nacido en 1973, al punto de que sus singulares creaciones llaman la atención por igual tanto desde la Bienal de Venecia como del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), y desde el Museo Metropolitano de Nueva York hasta la Nasa, siempre a raíz de sus investigaciones en torno a las telas de arañas, un proyecto que ya lleva casi diez años y que lo convirtió en la única persona en el mundo que posee una colección de telas de arañas.
       Cuando el Museo invitó a Saraceno a realizar su primera exposición en una institución de la Argentina, él a su vez -al mejor estilo Peter Parker- invitó a miles de arañas a que lo acompañen, y así la muestra se despliega en dos salas y cuenta con el apoyo del Museo Argentino de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia y el Max Planck Institute.
      En la primera sala, miles de arañas -que ya no están- han tejido kilómetros de telas de finísimos hilos de seda que prácticamente brillan en la sala casi en penumbras, una pieza rara de describir y clasificar. Hay que moverse con cuidado y observar detenidamente para no perderse los detalles de esta construcción original.  En tanto, en el subsuelo, los visitantes pueden asistir a una suerte de concierto cósmico, protagonizado por una araña, su fascinante tela y las partículas de polvo presentes en el espacio cuyos movimientos producen un sonido que amplificado retumba en el ambiente.

Cuba - Bienal de humorismo gráfico

 

                         Bienal de humorismo gráfico reúne a artistas de 20 países en Cuba        Se está realizando esta Bienal, que incluye el concurso de 133 obras de 79 autores procedentes de 20 países, con mayor participación de autores de Cuba, Irán y Brasil en categorías como humor general y sátira política.
        El género en el que más se compite es el humor general (44 obras), pero también están la sátira política (40) y la fotografía humorística (20), e incluso se incrementa la participación en historieta, y se concursa también en caricatura personal.
        Un jurado encabezado por Carlos David Fuentes Hierrezuelo, ganador en dos ocasiones del certamen e integrado también por el norteamericano John Lent; el colombiano Orlando Morales; Cristina Sampaio, de Portugal; Marilena Nardi, de Italia; la especialista del museo del Humor María Elena Arango; y el Héroe de la República de Cuba Gerardo Hernández Nordelo, es el responsable de seleccionar las obras ganadoras. El resultado se dará a conocer en la última de las jornadas después de que el humor haya tomado las calles de San Antonio de los Baños, conocida como la Capital del Humor.
           Los trabajos escogidos integran el Salón Internacional de la Bienal de Humorismo Gráfico, y allí, el público tiene ocasión de votar por el más popular. También se realizan homenajes al historietista Rafael Fornés y al caricaturista Lázaro Fernández.
          Hay también expos personales de Yaimel López, en el Estudio Ares, y de Ramiro Zardoya, en el Centro de Artes Visuales de San Antonio. Yaimel y Ramiro son jóvenes exponentes de la caricatura, según confirmó el consagrado Arístides Hernández, miembro del comité organizador y del jurado de admisión.
        Ares también se refirió a que en las últimas ediciones de la Bienal se viene dando un fenómeno para el cual el Museo del Humor, de San Antonio de los Baños, debe prepararse y es la recepción de obras en formato digital, para lo cual hay que dotar a esa institución de tecnología adecuada para atesorar esas obras que llegan en alta resolución.
       Aunque La Habana es subsede de la Bienal, con algunas actividades, el resto de los eventos transcurrirán en la villa del río Ariguanabo, donde se considera al certamen como una fiesta de pueblo que se extiende hasta el 9 de abril con la realización de conciertos de orquestas bailables, exposiciones y fiestas para niños.
Fuente

Madrid - Museo del Prado: Tesoros de la Hispanic Society of America

     

        El Museo del Prado, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, ofrece al público la excepcional oportunidad de disfrutar de más de doscientas obras pertenecientes a Hispanic Society, institución con sede en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos de América.
        La Hispanic Society posee la más importante colección de arte hispano fuera de nuestro país, con más de 18.000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros raros, entre los que se incluyen 250 incunables. Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura.
          Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se muestran en un recorrido cronológico y temático donde la pintura española, con obras tan relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, entabla un fascinante diálogo con las colecciones del Prado.

Buenos Aires - Xul Solar. Panactivista - Museo Nacional de Bellas Artes

  

         El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición Xul Solar. Panactivista, a 130 años del nacimiento del artista. Curada por Cecilia Rabossi, la muestra recorre la obra de Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari (1887-1963), uno de los protagonistas de la vanguardia argentina del siglo XX. La muestra presenta su figura en múltiples dimensiones —artista, músico, astrólogo y “escribidor”—, y analiza el carácter místico y utó¬pico que atraviesa toda su producción.

        Xul Solar. Panactivista reúne más de 180 obras, entre acuarelas, témperas, objetos, máscaras, manuscri¬tos, ilustraciones y documentos personales, pertenecientes al Museo Nacional de Bellas Artes, la Fun¬dación Pan Klub-Museo Xul Solar y colecciones particulares. “Arte y literatura: Xul y sus amigos”, “Músico visual”, “El mundo de las lenguas”, “Espacios habitables”, “Lo místico, lo esotérico y lo oculto” y “Grafías plastiútiles. Una escritura plástica” son los seis núcleos temáticos en los que se despliega la propuesta.

          La exposición también explora su vínculo fraternal con el pintor Emilio Pettoruti y con Jorge Luis Borges, y a través de estas relaciones, se detiene en su estadía en Europa, el regreso a la Argentina, en 1924, y su inserción en el medio artístico y literario local.

        “Para el Museo Nacional de Bellas Artes es un honor abrir la temporada 2017 con una exposición del gran artista argentino Xul Solar, dueño de un lenguaje visual y verbal propio, concebido al calor de una inquie¬tud constante. Xul Solar es un eslabón ineludible para comprender el derrotero de las vanguardias locales durante las primeras décadas del siglo XX. Su espíritu de recreación de las palabras y las cosas hizo que difuminara los límites entre las disciplinas. Sus piezas, de factura indudablemente personal, y sus proyec¬tos, que le hablan al universo, son ejemplos del humor, la candidez y la frescura con la que actuó en la escena artística nacional”, sostiene Andrés Duprat, director del Bellas Artes.

Fuente

Buenos Aires - Usina del Arte - Henri Cartier-Bresson, Fotógrafo.

          La Usina del Arte presenta esta exposición que reúne más de 100 fotografías del célebre artista francés considerado precursor del fotorreportaje y el documentalismo. Se compone de una selección de 133 fotografías, desde su más temprano período surrealista pasando por su trabajo documental en París, así como series e imágenes de sus viajes durante los agitados años 60’ y 70’. La obra de Cartier-Bresson se caracteriza por la idea de atrapar el instante decisivo: poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción. Es una figura mítica en la fotografía del siglo XX, apodado “el ojo del siglo” y su obra fue expuesta en el Palais du Louvre, el MoMA (2010) y el Centre Pompidou (2014) entre otros.

Henri Cartier-Bresson
       Nacido en Chanteloup, Seine-et-Marne, Henri Cartier-Bresson desarrolló una temprana y fuerte fascinación por la pintura, y particularmente por el surrealismo. En 1932, después de pasar un año en Costa de Marfil, descubrió la Leica -su cámara elegida desde entonces- y comenzó una pasión de por vida por la fotografía. En 1933 tuvo su primera exposición en la Julien Levy Gallery en Nueva York. Más tarde hizo películas con Jean Renoir. Tomado prisionero de guerra en 1940, escapó en su tercer intento en 1943 y posteriormente se unió a una organización subterránea para ayudar a prisioneros y fugitivos.     
        En 1945 fotografió la liberación de París con un grupo de periodistas profesionales y luego filmó el documental Le Retour (El Regreso).En 1947 junto a Robert Capa, George Rodger y David “Chim” Seymour fundó la agencia Magnum Photos. Después de tres años viajando por el Este, en 1952 volvió a Europa, donde publicó su primer libro, Images à la Sauvette (publicado en inglés como The Decisive Moment).
          Explicó su enfoque de la fotografía en estos términos: "Para mí la cámara es un bloc de notas, un instrumento de la intuición y la espontaneidad, el dueño del instante que, en términos visuales, pregunta y responde simultáneamente. Es por la economía de medios que se llega a la sencillez de expresión".A partir de 1968 comenzó a restringir sus actividades fotográficas, prefiriendo concentrarse en el dibujo y la pintura. En 2003, con su esposa e hija, creó la Fundación Henri Cartier-Bresson en París para la preservación de su obra. Cartier-Bresson recibió un número extraordinario de premios, reconocimientos y doctorados honorarios. Murió en su hogar en Provence, Francia el 3 de agosto de 2004, algunas semanas después de su cumpleaños 96.

Del 21.02 al 02.04 | Horarios: martes a jueves de 14 a 19 h; viernes de 12 a 21 h; sábados, domingos y feriados de 10 a 21 h 

Fuente

Museo Giverny - Estruendo! Instrumentos musicales en el arte

 

Los comienzos del impresionismo coinciden con la aparición de nuevos instrumentos musicales y con una presencia cada vez mayor de la música en la vida cotidiana: se inauguran cafés concierto, salones de baile y salas de ópera. Manet, Degas, Renoir, Morisot, Whistler, Toulouse-Lautrec y Bonnard son a la vez testigos y actores de esos cambios que suponen el nacimiento del ocio moderno.

En paralelo a esa «nueva pintura» surge  también, a finales del siglo XIX, una «nueva música». Se rompe con los códigos tradicionales, y vientos de modernidad y libertad soplan en el mundo musical. Los pintores defienden en sus cuadros esa evolución.

         Las casi sesenta obras de esta muestra que se realizará hasta el 2 de julio en el Museo de los Impresionistas de Giverny,  cuentan la historia de una música cada vez más presente en la pintura. A las representaciones públicas –fanfarrias, circos, cabarets, orquestas, óperas, fiestas– se suman otras escenas más íntimas, como las de la música en el salón o las clases de música. Esta exposición pone de manifiesto las estrechas relaciones que en esta época se establecen entre los pintores y los músicos. Cuenta con la curaduria de Frédéric Frank y  Belinda Thomson y con el apoyo excepcional del Museo d'Orsey y de l'Orangerie

Fuente