Tras los pasos de Van Gogh, en el 125 aniversario de su muerte

        Ciento veinticinco años después de que Vincent van Gogh muriera en Auvers-sur-Oise, a las afueras de París, a causa de las heridas de un disparo, el pintor sigue despertando una enorme fascinación en el público y continúa siendo una fuente de inspiración para generaciones de artistas. Es un filón inagotable. Les proponemos, siguiendo sus pasos, un recorrido que nos lleva de su Holanda natal a Francia, donde terminó prematuramente sus días el 29 de julio de 1890, a los 37 años. Un viaje que nos permitirá ver con nuevos ojos a este artista único, que malvivió pobre y enfermo, rodeado de sus fantasmas personales y sus obsesiones y que, paradojas del destino, es hoy uno de los nombres más cotizados del mercado del arte.

Artículo completo

Teatro San Martín: reabrió una sala histórica y recupera toda su capacidad - Buenos Aires

 

           El Teatro General San Martín recuperó a pleno su capacidad. Se reinaguró la Sala Casacuberta tras una refacción integral, tal como se había hecho con las salas Martín Coronado y Leopoldo Lugones. La Casacuberta es la última del complejo que se restauró y reanudó sus funciones  recientemente. El espacio es un anfiteatro de 35 metros por 6 para 550 espectadores con una notable cercanía al escenario. Así, los porteños pueden volver a disfrutar un espacio artístico emblemático de la ciudad.
           Las obras en la Casacuberta son parte de un plan integral de recuperación del San Martín que comenzó en 2011. El proyecto de restauración a fondo ya está avanzado en un 52%. Todas las instalaciones a la vista del público ya fueron recuperadas, salvo el hall central, el de cada sala y los sanitarios. Lo que falta de la obra es “para adentro”: desde las instalaciones de servicios hasta los camarines y otros espacios. El proyecto incluyó el arreglo de la fachada y la construcción de una sala de ensayos para el Ballet Contemporáneo. En todos los casos, se respetó el diseño original del edificio creado por los arquitectos Mario Roberto Alvarez y Macedonio Ruiz, que fuera inaugurado en 1960.
Más información

Van Gogh, 125 años después

           Vincent van Gogh murió el 29 de julio de 1890. Dos días después de pegarse (o recibir, según una teoría reciente) un tiro en uno de los campos de trigo que tantas veces retrató. Pudo pintar gracias a que su hermano Theo le mantenía económicamente; solo vendió un cuadro en vida. Ahora sus obras alcanzan cifras millonarias y este año, que se cumplen 125 de su muerte, se suceden exposiciones y actividades conmemorativas que recuerdan qué ha significado para la historia del arte ese a quien se le dio a conocer como el loco de pelo rojo y que no pudo ser testigo de la admiración que provocaría su obra 
Artículo completo

Autorretratos frente al espejo: así son los selfies de algunos maestros de la fotografía

 Fotografía: Man Ray, Self-Portrait (1932). Smithsonian American Art Museum

      Las selfies se pusieron de moda por el uso de los smartphones, pero, en realidad, los autorretratos fotográficos no son nada nuevo. Muchos profesionales de la fotografía llevan décadas practicándolos, aunque con una diferencia importante con los selfies de hoy en día: no recurren a un «palo selfie» para conseguir la composición que buscan, sino a uno o varios espejos. 

      En este post presentamos algunos autorretratos realizados por grandes maestros de la fotografía, como Robert Doisneau, Stanley Kubrick, Nan Golding, Man Ray o Vivian Maier, entre muchos otros. Lo interesante es que todos ellos tienen algo en común: el uso del espejo como herramienta de composición. Algunos son relativamente modernos, pero otros se remontan a las décadas de los años 30 y 40 del siglo pasado.  Artículo completo

Fotografía: Vivian Maier, Untitled (1955)

Fotografía: Robert Doisneau, Self Portrait (1947)

Fotografía: Nan Goldin, Self-portrait in the mirror (1998)

Fotografía: Stanley Kubrick, Rosemary Williams showgirl with self portrait (1949). Museum of the City of New York

 

Poder y Pathos en el Museo Getty - Los Ángeles

           "Poder y Pathos" Escultura de Bronce del Periodo Helenístico' es la primera gran exposición internacional que reúne más de 50 bronces de la región del Mediterráneo, de los siglos IV a.c. al I d.c. en el Museo Getty.
           Durante la época helenística los artistas de alrededor del Mediterráneo crearon esculturas innovadoras y realistas, de gran poder físico e intensidad emocional. Fue el empleo del bronce -con su superficie reflectante, resistencia a la tracción, y su poder para expresar los detalles- lo que logró crear este deslumbrante despliegue de la representación de la forma humana.
           Las esculturas de bronce de gran escala están entre los supervivientes más apreciados de la antigüedad; su valioso metal fue típicamente derretido y reutilizado. Filas de pedestales vacíos todavía apreciables en muchos sitios arqueológicos son un testimonio de la ubicuidad pasada de estatuas de bronce en la época helenística. Irónicamente, muchos bronces conocidos hoy en día han logrado sobrevivir porque una vez fueron perdidos en el mar, siglos sólo para ser recuperados siglos más tarde.
           "Poder y Pathos: Escultura de bronce de la época helenística" es especialmente notable por reunir obras de arte que normalmente se exponen de forma aislada. Cuando se ve en próximas entre sí, la variedad de estilos y técnicas empleadas por los escultores antiguos se acentúa con mayor eficacia, al igual que las diferentes funciones e historias de las esculturas de bronce. El bronce, fundido en moldes, era un material muy adecuado para la reproducción, y la exposición ofrece una oportunidad sin precedentes para comparar objetos del mismo tipo, salidos incluso del mismo taller, juntos por primera vez. Por ejemplo, dos hermas de Dionysos -una del Museo Nacional del Bardo, Túnez, y otra del Getty, creadas en el mismo taller, no se han mostrado juntas desde la antigüedad.
Más información

La casa está donde está el arte - Galería Hirschl & Adler - New York

 

Cuando los pintores eligen sus hogares como tema
        Lo doméstico como jardín sagrado, refugio, celda, cuartel y residencia es la idea de la exposición colectiva de pintura "Home is Where the Art Is" (El hogar es donde habita el arte). Reúne obras pintadas desde el siglo XVIII al XXI por artistas que consideraron su casa como materia digna de ser llevada a lienzo o papel y se celebra en la galería Hirschl & Adler de Nueva York.
          La exposición exhibe  desde las casas campestres idealizadas de los EE UU de finales del XIX hasta fiestas en apartamentos urbanos. Agrupa cincuenta visiones artísticas variadas del hogar como refugio íntimo, lugar de reunión social y, sobre todo, como estado de ánimo. Se presentan  óleos, dibujos, grabados y acuarelas que ofrecen una "visión de la intimidad de la vida familiar" capturada en retratos, bodegones y escenas que exploran los diversos roles de la casa. Están representados el romántico Alfred Thompson Bricher, el 'outsider' Edward Deeds y el sensualista Fairfield Porter, entre otros.

Más información

Yoko Ono: "One woman show” en el MOMA New York

            El Museo de Arte Moderno presenta su primera exposición dedicada exclusivamente a la obra de Yoko Ono, tomando como punto de partida su exposicion debut en el MoMA  a finales de 1971. Ahora, más de 40 años después, Yoko Ono: "One woman show”,  1960-1971 reúne  aproximadamente 125 de objetos, obras sobre papel, instalaciones, performances, grabaciones de audio y películas y  materiales de archivo.
             Yoko Ono, desde los primeros años de su extensa carrera, se movíó entre Nueva York, Tokio y Londres, ciudades que  tuvieron un importante papel innovador en el desarrollo internacional del arte conceptual, el cine experimental  y el arte del performance.
            En esta exposicion que ofrece el MoMA presenta un catálogo completamente ilustrado, con tres ensayos que evalúan el contexto cultural de los primeros años de Ono, y cinco secciones que reflejan el trabajo durante este período y la evolución y desarrollo de su práctica artística. Cada capítulo incluye una introducción de un especialista invitado, las descripciones de las obras de arte, documentos primarios extraídos de periódicos y revistas, y una selección de la obra de sus textos y dibujos.
Más información