Cómo entender el #Arte #Moderno. Marcel Duchamp y #Fuente

 

Video: Arte africano - La Ruta del esclavo y Pablo Picasso

Les presento un nuevo video sobre Historia del Arte con los siguientes tópicos: Arte africano primitivo - Temas más representados: la fertilidad, la muerte y la espiritualidad - la influencia del Vudú - La ruta del esclavo - La puerta del No retorno - Influencia del arte africano en el arte moderno. Pablo Picasso.

Nuevo Video: Introducción a la Historia del Arte

Les presento una breve sintesis de lo que me gusta e interesa del arte. Algo de Historia del arte. Arte Moderno. Arte Contemporáneo. Arte como denuncia, manifiesto y critica de la realidad. Performance , accion artistíca e instalacion.

Mark Rothko (Letonia 1903 - New York 1970)

      El arte es una aventura que nos lleva aun mundo desconocido... Nuestra tarea como artistas es hacer que la gente vea el mundo tal como lo vemos nosotros. Mark Rothko (1903 -1970)

Barcelona - La Fundación Joan Miró renueva su exposicion permanente

         Como culminación de su 40 aniversario, la Fundación Joan Miró actualiza su exposición permanente para ofrecer una aproximación poliédrica al artista. El visitante descubrirá la complejidad creativa de su obra, que, partiendo de un fuerte vínculo con sus orígenes, deviene universal.
         La colección se enriquece con la incorporación de nuevos depósitos de obra procedentes principalmente de la familia Miró, la integración de la colección Kazumasa Katsuta, hasta ahora alojada en una sala específica, y la recuperación de algunas piezas clave de los fondos de la Fundació, como los trípticos Pintura sobre fondo blanco para la celda de un solitario (1968) y La esperanza del condenado a muerte (1974), o la Serie Barcelona, entre otras novedades. La muestra incluye un total de 150 obras y se presenta en ocho ámbitos que recogen los aspectos que marcaron la investigación creativa del artista. Cierra la muestra una nueva sala multimedia que profundiza en el universo mironiano mediante un mural en forma de constelación conceptual.
          La exposición ocupa una superficie de 1.558 m2 y se ubica en las salas que Joan Miró y el arquitecto Josep Lluís Sert proyectaron para acoger la colección, ampliadas en 1988 por Jaume Freixa. El planteamiento potencia el diálogo único entre arte, arquitectura y paisaje que caracteriza la Fundación.

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Londres: remodelan la Tate Modern Gallery

           La Tate Modern de Londres, el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo, abrirá las puertas de sus nuevas instalaciones el próximo 17 de junio, con un 60 % más de espacio y una presentación innovadora de sus colecciones. El director del grupo Tate, Nicholas Serota, señaló que "la nueva" Tate Modern es un instrumento que permite "ofrecer una rica variedad de experiencias" a sus visitantes, y a los artistas "la oportunidad" de mostrar sus creaciones de "diferente manera".

           Con la renovación, el museo, que recibe cada año a 5 millones de visitantes, se convertirá en el edificio cultural más importante del Reino Unido de los últimos 20 años
          El museo, cuya remodelación ha costado 260 millones de libras (327 millones de euros) exhibirá las creaciones de más de 250 artistas de cerca de 50 países. En la exposición se mostrará la evolución del modernismo, desde los salones en los que nació, hasta los proyectos y espectáculos en vivo que interactúan con la sociedad actual.

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Andy Warhol - Guggenheim - Bilbao

           En el Museo Guggenheim Bilbao se pueden ver los 102 lienzos que componen la obra, en los que se revela la característica paleta warholiana, alegre en extremo y de tonos brillantes. El fondo de cada lienzo está pintado con una mopa de esponja, cuyos rastros y manchas aportan “gestualidad” al plano pictórico. Las Sombras fueron creadas utilizando siete u ocho pantallas, como evidencian las leves diferencias de escala de las zonas oscuras y la presencia de puntos de luz aleatorios. A lo largo de las paredes de la sala se alternan el positivo y el negativo de las “sombras”. 
           A pesar de su apariencia repetitiva, el “método mecánico” de Warhol es, en realidad, totalmente manual. Un hecho importante e interesante de las Sombras es la irreproductibilidad de su supuesta reproducción, un tema que pone en tela de juicio la estética del “plagio” de Warhol y define su proyecto como fundamentalmente pictórico. Lejos de ser una réplica, cada Sombra se corresponde con una forma que revela su espacio con precisión y rotundidad, dirigiendo la mirada del observador hacia la luz, que es el tema central de la serie. Al concentrarse en la sombra para concebir la luz (estallidos de color), Warhol regresa al problema fundamental del arte: la percepción.
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Italia - El grupo Mondongo expone en el museo MAXXI de Roma

      

       El dúo de artistas argentinos Mondongo expone por primera vez en  Italia, una muestra basada en dos tópicos clásicos de la historia del arte: paisajes y calaveras, pero hechos en plastilina.
       El colectivo que protagonizan Juliana Laffitte (1974, Buenos Aires) y Manuel Mendanha (1976, Buenos Aires), conocidos entre otras creaciones por los retratos de la familia real española (2003), aterriza en Italia con su exposición "Paisajes".
       Quince paneles de paisajes confeccionados con plastilina sobre madera cubren los muros de una de las salas del museo MAXXI de Roma dedicada a esta muestra que refleja los ciclos naturales de la vida, la muerte y el rejuvenecimiento a través de la oscuridad de una cárcava, reflejos sobre el agua o el estuario pantanoso de un río.
       La muestra, que acoge el museo MAXXI de Roma hasta el próximo 15 de marzo, desembarca en Roma después del éxito cosechado en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en su Argentina natal, y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

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El talismán - Paul Serusier

El talismán - Paul Serusier

"Un cuadro, antes que un caballo de guerra, un desnudo femenino o cualquier otra anécdota, antes que un tema es, esencialmente, una superficie plana cubierta de colores distribuidos en un orden determinado". Maurice Denis.

Con esta definición  desemboca el arte abstracto. Relativiza el tema convirtiéndolo en algo secundario y prescindible porque dice que lo que importa es trabajar con los recursos específicamente pictóricos, con los colores y el plano en este caso. Es el germen de la pintura del siglo XX.

Madrid - Centro Centro Cibeles: Kandinsky la matemática de la emoción

        La lógica de Kandinsky, alguien que en Múnich, Moscú o París conmocionó el mundo del arte aplicando criterios objetivos para suscitar las más profundas emociones, queda enmarcada para la posteridad en la exposición que sobre la trayectoria del artista y profesor franco-ruso-alemán albergan las salas del Centro Centro Cibeles de Madrid.
       El centenar de obras –óleos, tintas, gouaches, grabados…- procedentes del Fondo Kandinsky del Museo Nacional de Arte Moderno-Centro Pompidou de París se despliega en cinco grandes salas sobre la base de una sobria escenografía de fondos blancos, azules y negros. Los paisajes posimpresionistas primero, las frías geometrías después, y los inquietantes elementos zoomórficos por fin, asaltan y desasosiegan al visitante que se preste al juego, en lo que supone la mayor exposición celebrada en España sobre uno de los grandes tótems de la abstracción y, por elevación, de la Historia del arte. Kandinsky. Una retrospectiva, que antes pasó por Milán, Milwaukee y Nashville, es un verdadero acontecimiento en la temporada de exposiciones.  España tardó algo más de lo conveniente -1978, en la Fundación Juan March- en dar a conocer al maestro de la abstracción.

    El viaje propuesto por la curadora Angela Lampe, responsable de las colecciones modernas del Centro Pompidou, es escrupulosamente cronológico y abarca lo que podríamos llamar el todo Kandinsky: Múnich (1896-1914), Moscú (1914-1921), los años de la Bauhaus (1921-1933) y París (1933-1944, año de su muerte). Es la vida de un hombre de lejanías, siempre dispuesto, llegado el momento, a marcharse como llegó, aferrado a la única patria para él posible, el arte, alérgico cual pelo de gato al dogma artístico y político y a cualquier atisbo nacionalista.

El Museo Afro Brasileño de Sao Paulo

         

           El Museo Afro Brasileño, es uno de los edificios más emblemáticos del Parque Ibirapuera en Sao Paulo. Proyectado por el arquitecto Oscar Niemeyer ,  y por el paisajista Burle-Marx en 1954, el parque alberga, entre otros, el edificio del Museo de Arte Moderno de Sao Paulo (MAM) y el edificio de la Bienal de Sao Paulo. Es por tanto un lugar lleno de historia y arte y donde los paulistas vienen a pasear, hacer deporte, escuchar conciertos y visitar exposiciones.
           El Museo Afro-Brasileño se creó en 2004 por su actual director, el también artista y gestor Emanoel Araujo, una de las principales personalidades de la cultura brasileña. El propio museo, que pasa por ciertas dificultades financieras, tiene un importante acervo de arte africano así como de artistas brasileños descendientes de africanos. Es el mayor ejemplo de mestizaje de culturas y proporciona una lectura clara de la historia brasileña. Su complicado espacio arquitectónico es un desafío para todo comisario, debido sobre a la falta de luz natural y a los espacios pequeños que imposibilitan una visibilidad en conjunto del espacio.
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13° Edicion de la Bienal de Lyon - Francia

 

       La 13° Bienal de Lyon, títulada La vie moderne, reunirá artistas de 28 países distintos quienes explorarán el carácter contradictorio de la cultura contemporánea en tres exhibiciones: La vie moderne, Ce fabuleux monde moderne y Rendez-vous 15. Desde su creación en 1991, Thierry Raspail, director artístico de la Bienal, ha propuesto a cada curador invitado una reflexion en torno a un concepto con el cual se generan tres exhibiciones. En esta ocasión, el concepto elegido fue “moderno” y sobre éste, el curador de la edición 2015, Ralph Rugoff —quien es el director de la Hayward Gallery en Londres— decidió articular las exposiciones bajo el título actual.
       Según expresa Rugoff, el nombre de esta edición es una irónica evocación de ese momento de la Historia caracterizado por una fe ciega en las virtudes del progreso y el reinado de la razón. Sin embargo, en una época donde el sinsentido de los eventos cotidianos constantemente nos recuerdan que dicha razón tiene un papel muy acotado, la frase “la vie moderneˮ parece tener la forma de una reliquia de otra era.
      Las obras seleccionadas exploran las dimensiones en que el legado de la era moderna continúa moldeando nuestra percepción del mundo y son una invitación abierta para generar nuevas formas de entender, reflexionar y reimaginar nuestra relación con el presente. A diferencia del modernismo clásico con su pretensión de suprimir o disimular sus deudas con el pasado y así ocultar las contradicciones dentro de su propio carácter, hoy parece claro que no hay escape de la Historia, sino que nuestra única opción es comprometerse con ella y reivindicarla.

Guernica y la acusación de Picasso - España

       En abril se cumplieron 78 años del bombardeo llevado a cabo en 1937 por la legión Condor alemana y la Aviación Legionaria italiana sobre el pueblo de Guernica en el marco de la llamada “Operación Rügen”, un ataque aéreo que buscaba apoyar al bando fascista que combatía contra el gobierno democrático y constitucional de la Segunda República Española. El 70% de los edificios de la ciudad fue totalmente destruido por el incendio, que no se pudo apagar hasta el día siguiente, y el 20% gravemente dañados (el arquitecto general de Regiones Devastadas contabilizó 271 edificios demolidos, lo que suponía el 74,4 por ciento de los existentes en la villa de Guernica y el barrio de Rentería). La repercusión internacional que alcanzó este bombardeo ha hecho que sea una masacre mundialmente conocida y considerada como un icono antifascista, la masacre de Guernica.
         A principios del 1937 el Gobierno de la República Española encargó a Pablo Picasso, por entonces director del Museo Nacional del Prado, un lienzo para decorar el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de Artes y Técnicas, que tendría lugar ese mismo año en París. Pocos días después del encargo ocurrieron los hechos. El día 1 de mayo de 1937, en la manifestación del Día de los Trabajadores, un millón de personas salieron a las calles de París para mostrar su repulsa por el bombardeo de Guernica.              

         Ese día Picasso contempló por primera vez una imagen del desastre. Era una fotografía en blanco y negro de un periódico francés en la que se observaba la ciudad vasca destruida. Fue su inspiración. A partir de entonces realizó decenas de bocetos del cuadro en un taller situado en la rue des Grans Agustins de París, hasta que terminó la obra. La obra de Picasso nació de su dolor, de la ira y de la pasión, fue una acusación terrible contra el intento de establecer en Europa el dominio de la negación del hombre. En el Bombardeo de Guernica aparece un nuevo espíritu que no actúa desde el exterior del espíritu creativo sino desde el interior, es decir desde la vivencia específica del artista; actúa desde el interior de las maneras intelectuales cubistas, de la simbología del surrealismo, de las deformaciones expresionistas, refundiendo esta materia en una síntesis poética-formal superior. En Guernica cada signo, cada figuración tiende a la expresión del hecho; la deformación acentúa una verdad de las cosas. El toro, el caballo, la lámpara, el cuchillo, la flor, los personajes emblemáticos del drama, en la dilatada tensión de la imagen, asumen un sentido de implacable, universal condena de cualquier poder que destruye la integridad de la persona humana.

Xul Solar conquista el Tigre - Buenos Aires

          El MAT, el museo ubicado frente al Río Luján exhibe más de 35 acuarelas, fotografías y objetos realizados por el artista en el Delta, donde se instaló en la década de 1950.
Desde fines de la década de 1950, el Tigre fue el lugar elegido por Xul para vivir. En Villa La Ñata, próxima al muelle Los Ciruelos, en 1954 ubicó su casa, que llamó Li-Tao. Es decir, le dio su pertenencia a su esposa, Lita (Micaela Cadenas), a quien asoció con su propia búsqueda de un único camino, el camino del conocimiento. Conviene señalar ciertas cosas antes de avanzar sobre este punto, eje de la exposición Xul Solar: un imaginero en el Delta, inaugurada recientemente en el Museo de Arte Tigre (MAT).

ARQUITECTURA
El Tigre ha quedado estrechamente ligado a su obra. Durante 1954 realizó allí pinturas en las que propuso una nueva arquitectura para el Delta. Una arquitectura para él posible y deseable, que eleva sobre palafitos las construcciones en medio del agua que rodea a las islas. El entorno lo constituye una vegetación más presentida que vista. Pero no se trata sólo de pensar en términos arquitectónicos, aun cuando se puedan reconocer ciertas convenciones en la representación, como la presencia de la figura humana para dar la escala; el desarrollo en altura de los edificios en distintos niveles, el trabajo bidimensional en las fachadas -las cuales ocasionalmente buscan desplegarse en profundidad-, espacios con diferentes funciones, definidos a partir de planos de colores, y la utilización de madera y vidrio, que no sólo propone interiores luminosos sino que además trabaja sobre una calidad lumínica inestable por el reflejo de la luz en el agua.

Kandinsky, retrospectiva en Centro Centro Cibeles - Madrid

        

           La mayor exposición celebrada en España sobre la obra de Wassily Kandinsky (Moscú, 1866 - Nanterre, Francia, 1944) llegará proximamente al CentroCentro Cibeles (Madrid). Organizada junto con el Centre Pompidou de París y Arthemisia Group, 'Kandinsky. Una retrospectiva' recorrerá su trayectoria artística y espiritual a través de cerca de cien de sus obras.
           A punto de cumplirse 150 años del nacimiento de este pionero del arte abstracto y uno de los pintores vanguardistas más destacados de todos los tiempos, la muestra, comisariada por Angela Lampe, se adentrará en la carrera artística de Kandinsky a través de lienzos, acuarelas y grabados procedentes de la colección del Pompidou.
          La exposición recorrerá los periodos clave de su vida, desde los primeros años en Alemania, pasando por sus años en Rusia y finalizando con su estancia en Francia, a través de obras fundamentales como Alte Stadt II (1902), Lied (1906), Improvisation III (1909), Im Grau ( 1919), Gelb-Rot-Blau (1925) o Bleu de ciel (1940).
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MALBA - Polesello joven - Buenos Aires

            Una exposición antológica de Rogelio Polesello (Buenos Aires, 1939-2014), dedicada a sus obras históricas, pinturas y acrílicos producidos desde fines de los años 50 hasta mediados de los 70. La muestra reúne una selección de 120 piezas, pertenecientes a numerosas colecciones públicas y privadas del país y del exterior, como el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), el Museo del Banco de la República de Bogotá, el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y el Museo de Bahía Blanca (MBA-MAC), entre otras.

        La exposición busca saldar una deuda pendiente en el estudio del desarrollo artístico de Polesello, focalizándose en los años fundacionales de su trayectoria y en categorías aún poco estudiadas, como su adscripción a la tríada arte-diseño-industria y la experimentación con las múltiples relaciones entre artes plásticas, arquitectura, diseño, cine y moda. A un año de su fallecimiento, MALBA rinde homenaje y reconoce así a una figura central de la escena artística y cultural argentina del siglo XX.

        “El joven Polesello se insertó dentro del desarrollo de la abstracción geométrica y óptica argentina de un modo autónomo y original, con ampliaciones libres de esas categorías. Su obra se destacaba por su búsqueda de movimiento en lo estático, por los desafíos a la percepción a través de las oscilaciones entre figura y fondo, por las combinaciones de orden y aleatoriedad y por la audacia en la utilización del color, una marca de originalidad constante a lo largo de toda su producción”, destaca Mercedes Casanegra, curadora de la exposición.

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Yoko Ono: "One woman show” en el MOMA New York

            El Museo de Arte Moderno presenta su primera exposición dedicada exclusivamente a la obra de Yoko Ono, tomando como punto de partida su exposicion debut en el MoMA  a finales de 1971. Ahora, más de 40 años después, Yoko Ono: "One woman show”,  1960-1971 reúne  aproximadamente 125 de objetos, obras sobre papel, instalaciones, performances, grabaciones de audio y películas y  materiales de archivo.
             Yoko Ono, desde los primeros años de su extensa carrera, se movíó entre Nueva York, Tokio y Londres, ciudades que  tuvieron un importante papel innovador en el desarrollo internacional del arte conceptual, el cine experimental  y el arte del performance.
            En esta exposicion que ofrece el MoMA presenta un catálogo completamente ilustrado, con tres ensayos que evalúan el contexto cultural de los primeros años de Ono, y cinco secciones que reflejan el trabajo durante este período y la evolución y desarrollo de su práctica artística. Cada capítulo incluye una introducción de un especialista invitado, las descripciones de las obras de arte, documentos primarios extraídos de periódicos y revistas, y una selección de la obra de sus textos y dibujos.
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Basquiat: Ahora es el momento - Museo Guggenheim - Bilbao

     

       Jean - Michel Basquiat fue uno de los artistas más revolucionarios de la década de los ochenta. Nació y creció en Brooklyn, Nueva York, y desde niño destacó por sus habilidades intelectuales y artísticas, que su madre fomentó.

       La fama de Basquiat fue creciendo a medida que realizaba exposiciones en Norteamerica y Europa; en poco tiempo se convirtió en un artista prolífico y un personaje mediático del ámbito cultural. Cuando recibía a alguien en su casa o en su estudio, utilizaba las ideas que surgían a su

alrededor como inspiración: pintaba al tiempo que charlaba, escuchaba música o veía televisión con sus invitados.

       Basquiat abrió nuevos caminos en el arte contemporáneo. Su innovadora perspectiva artística sigue inspirando a artistas de nuestros días y plantea cuestiones que aún hoy son relevantes. En una misma pintura, Basquiat podía hacer referencia a numerosas ideas, a través de símbolos,imágenes o textos, que a veces guardaban relación entre sí y otras, no. Trasladaba el contexto en el que vivía el lienzo sin narrativas definidas, anticipando la era de internet e invitando al espectador a reflexionar de manera  critica sobre el mundo circundante.

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La poesía y el color de Joan Miró llegan a Colombia

      

             En el Centro Cultural Gabriel García Márquez, estará abierta al público la exposición Miró: pintor, poeta del 9 de julio al 23 de agosto de 2015. La muestra forma parte de las colecciones de arte de la Fundación Universitaria Iberoamericana (FUNIBER) y está compuesta por dos series de obras gráficas de Joan Miró: El Cántico del Sol y Las Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró. En total serán 52 piezas.
             El Cántico del sol está conformada por treinta y dos aguafuertes y aguatintas en color, editadas en 1975, para ilustrar una selección de textos de san Francisco de Asís, escogidos por el poeta catalán Marià Manent.
             La segunda serie, Las Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró, está compuesta por un conjunto de veinte litografías, editadas en un libro-carpeta con poemas de Rafael Alberti, en 1975.
            En la serie El Cántico del sol, Miró, uno de los máximos representantes del surrealismo, plasma su devoción por la naturaleza, los paisajes y los animales.
            En Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró, los versos de los poemas de Rafael Alberti se inspiran en la vida de Miró y de su compañera Pilar.

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ArteBA 2015 en la ciudad de Buenos Aires - Argentina

        Con miles de personas recorriendo los pasillos de la feria, y entre copas de champagne, se llevó a cabo el corte de cinta celeste y blanca sobre un escenario en el que estuvieron presente importantes autoridades ligadas al mundo del arte. En esta edición de la Feria, el público se encontrará con obras de Libero Badíi, Miguel Harte, Elba Bairon, Francisco Cafferata, Augusto Schiavoni, Ariadna Pastorini y Lucio Correa Morales.
         Además estuvo presente la ministra de Cultura de la Nación, Teresa Parodi y  la cantante Nacha Guevara y artistas como Marta Minujín, Delia Cancela, Jorge Macchi, Romulo Macció; la presidenta de la Fundación Banco Provincia, Karina Rabolini, y otras personalidades ligadas al mundo de la cultura.
         Imperdible el stand de Eloisa Cartonera, en el sector Dixit, un estallido de color para esta feria, en un espacio atendido por su mismísimo creador, Santiago Vega, más conocido como Washington Cucurto, con ventas de libros realizados con cartones reciclados; los grabados de Antonio Berni en galería Sur o las pinturas de Luis Felipe Noé en la galería Rubbers.

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