SOBRE LO QUE LEEMOS: Distancia de rescate - Samanta Schweblin

 LITERATURA EN EL BONDI

¿Es una historia real? ¿es una novela de ficción? ¿es una narración fantástica? Estas son las preguntas que el lector se plantea cuando comienza a leer Distancia de rescate, un cuento corto de Samanta Schweblin. Preguntas que va tratando de responder en un relato atrapante, virtuoso e hipnótico, en donde los diálogos se entrecruzan en un hilo primordial:  el hilo de la distancia de rescate que une a una madre con un hijo.

Pero además, todo se empieza a revelar cuando aparecen las palabras claves de la narración:  glifosato y transmigración. ¿Es real todo lo que está pasando? ¿Puede suceder esto en el campo, tan cerca nuestro y tan cerca de los protagonistas? Y, el relato se convierte en una novela corta de terror.

Schweblin cuenta esta historia usando muy habilmente el dialogo como recurso narrativo. Construye un intercambio entre los protagonistas enlazando un pasado reciente con un presente, ilusorio, trágico y final.  El relato encuentra el desenlace con la intervención de los dos únicos hombres de la narración que desconocen la importancia fundamental del hilo de la distancia de rescate y, por eso, no se da una salvacion ni un rescate.

Samanta Schweblin

Egresada de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. En el 2001 ganó el primer premio del Fondo Nacional de las Artes por su libro de cuentos El núcleo del disturbio (2002), y su relato «Hacia la alegre civilización de la capital» obtuvo el del Concurso Nacional Haroldo Conti. Su segundo libro de cuentos, Pájaros en la boca (2009), obtuvo el Casa de las Américas 2008. Dos años más tarde fue elegida por la revista británica Granta como una de los veintidós mejores escritores en español menores de 35 años.​

«Un hombre sin suerte», cuento en el que narra un encuentro entre una niña y un desconocido, obtuvo el Premio Juan Rulfo 2012. ​ En 2014 fue distinguida con el Premio Konex, Diploma al Mérito, por su trayectoria como cuentista durante el período 2009-2013 y al año siguiente ganó el de Narrativa Breve Ribera del Duero con Siete casas vacías.​

En 2015 ganó asimismo el Premio Tigre Juan por su primera novela, Distancia de rescate, que Claudia Llosa piensa llevar a la pantalla grande: la escritora y la cineasta trabajaron en la adaptación al año siguiente. ​La versión inglesa de la novela (publicada con el título Fever Dream por Oneworld en el Reino Unido y por Riverhead Books en EE.UU., y traducida por Megan McDowell) fue seleccionada para la shortlist del Man Booker International Prize 2017.

En 2018 Distancia de rescate obtiene el Premio Tournament of books, como "mejor libro del año publicado en los Estados Unidos"; y el premio de Nouvelle de Shirley Jackson.

Grant Wood - Gótico Americano

En plena crisis económica, el Realista Wood hace una apología de los valores tradicionales americanos y el mundo rural, el llamado regionalismo norteamericano, cuya quintaesencia es esta obra que fue tan alabada como criticada y caricaturizada desde su creación
Mientras medio país vagaba por los caminos a causa de la Gran Depresión, Grant Wood siguió retratando a su querido medio oeste por medio de esta pareja: un granjero y su hija que se convirtieron automáticamente en icono. Dos supervivientes que afrontan las vacas flacas con austeridad y trabajo duro.
Si nos fijamos, Wood imita el estilo de los pintores renacentistas flamencos, con las figuras frontales y una pintura al óleo muy minuciosa y detallada, como la de su ídolo Van Eyck. Se ve que en su estancia en Munich se empapó del arte europeo.
En realidad eran su propia hija y su dentista, que posaron bajo la promesa de que no iban a ser reconocidos. Los entusiasmados y felices modelos posan bajo una ventana típica del gótico rural americano. Quizás de ahí venga el genial título del cuadro, que Wood vendió por sólo 300 dólares al Art Institute de Chicago. Hoy en día por uno de sus paisajes se paga unos siete millones de dólares.
Fuente

MAMBA - El tesoro del Museo Picasso de Paris en Buenos Aires. Por Mariela Paesani

        Ver el paso del tiempo sobre los dibujos. Los bordes irregulares de los originales y hasta con pequeñísimas roturas. Ver el papel ya en tonos sepia y los recortes de diario de los collages amarillentos. Descubrir el dibujo en lápiz de una sola línea, o los trazos del grueso grafito y hasta algunos borrones. Ver originales de Picasso, no es lo único importante. El valor de esta muestra reside en que se trata de una selección de dibujos de la única colección pública en el mundo que abarca la totalidad de la producción de Picasso, con un patrimonio de más de 5000 obras, entre ellas pinturas, esculturas, dibujos, grabados y documentos. Y por otra parte, revela una manera diferente de pensar las etapas por las que transitó a lo largo de su productiva vida.

    La exposición Pablo Picasso: Más Allá de la semejanza, del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) presenta 74 dibujos o bocetos, elaborados por el artista desde los 16 años hasta su muerte, del patrimonio del Museo Nacional Picasso de París. La muestra curada por la directora del MAMBA, Victoria Noorthoorn, y por Emilia Philippot del museo francés como curadora asociada, está planteada de una manera cronológica y permite comprobar la importancia que el pintor malagueño le concedía al dibujo como lugar de experimentación y exploración.

Werner Bischof: precisión suiza y mirada sensible - por Mariela Paesani

 

        Miradas. Miradas ocultas, cómplices, perdidas… y muchas tomas con las personas de espaldas o distraídos en sus actividades. En la muestra de Werner Bischof, un fotógrafo considerado artista de culto y de fama mundial, llama la atención las miradas de los retratados. Se puede pensar que el suizo usa lentes potentes para pasar desapercibido y registrar de lejos, y que, en un sentido metafórico, roba las imágenes.

       Las fotografías que presenta el Museo Isaac Fernández Blanco en la exposición “Fotografías de América – Werner Bischof” muestran el viaje último e interior que emprendió el suizo por México, Panamá, Perú y Chile. Cansado del fotoperiodismo y después de registrar el mundo de la posguerra, a los 37 años emprende este proyecto en donde también encontró trágicamente la muerte en un accidente, en la cordillera de los Andes.

       Bischof retrata niños: niños hablando y de espaldas, niños observando unas fotos de corridas de toros, niños jugando en la vereda con un camión de madera, niños que viajan colgados en la parte trasera de un tranvía, niños, niños. Quizás lo haga pensando en su segundo hijo por el cual su esposa Rosellina debió dejar de acompañarlo en el viaje para dar a luz. O quizás no, tal vez sea por pura sensibilidad y estética. Como escribe su amigo, el fotógrafo Eugene Harris, “No olvidaré jamás un consejo que me dio: Fotografía con tu corazón”.

Museo Sivori: Igualdad y diversidad en el arte argentino - por Mariela Paesani

       ¿Qué tienen en común el paisaje  de la “Pampa” que Eduardo Sívori pintó en 1902 con el cuadro hecho con recortes de diarios “Nosotros no sabíamos”  (1976-87) de León Ferrari? En qué pueden coincidir el colorido retrato “Por mis pueblos” (1927) de Alfredo Gramajo Gutiérrez con el telar “El vuelo” (2005) realizado por Silvia Millet con hierro, algodón y boletos de subte, en una representación evidente de los vuelos de la muerte de la última dictadura? ¿Cuál es el hilo conductor que recorre tan diferentes artistas como Pío Collivadino, Antonio Berni, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Alfredo Gramajo, Luis Felipe Noé, Pablo Suarez y  Norberto Gómez nombrando solamente unos pocos, con tan variadas técnicas: pinturas, dibujos, esculturas, xilografías, litografías, collages, esgrafiados y telares? El Museo Sivori pretende responder estas preguntas que se plantea el visitante de la exposición “Representaciones de identidades en tensión”, curada por Graciela Limardo y Silvia Marrube. Una muestra extensa y rica, pero que  resulta confusa de seguir - tal vez por la cantidad de obras que propone y los pocos carteles explicativos-  y en donde se relaciona de una manera muy cercana la crueldad con la belleza.

Buenos Aires - Palais de Glace - Julio Lavallen: Un murmullo de colores - por Mariela Paesani

Entre la explosión del color del fauvismo y la pincelada evidente de los autorretratos de Van Gogh, entre las manchas y salpicaduras del arte abstracto y la expresión más acabada del personaje, se  pueden  encontrar los seis retratos  que Julio Lavallen expone en el Palais de Glace.

En la muestra Retrato Tratado/Dar la Cara: Pinturas sonoras, Lavallen presenta los rostros de Carlos Alonso, Carlos Gorriarena y Luis Felipe Noé, pintados en España en 1998 y Hermenegildo Sabat, Roberto Fontanarrosa e Isabel Sarli creados en Buenos Aires diez años después. Cada obra está acompañada por la voz del personaje con la idea de generar un clima de mayor cercanía al espectador. Aunque las grabaciones de las entrevistas a los protagonistas se escuchan muy tenues para entender lo que hablan y  generan  un confuso  murmullo. 

Impresionismo - La donación de Gustave Caillebotte

       

       En  1874 Gustave Caillebotte recibe una herencia que le permite no tener que vivir de la venta de susu obras. Comienza a compara obras de algunos de sus compañeros impreionistas: Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne y Degas. No compra obras de otros artistas como Seurat, Gauguin o Morisot. 

       Escribe en su testamento en 1876 donando su coleccion al gobierno francés. Estipula en el testamento que las obras de su coleccion deben exponerse en el Palacio de Luxemburgo y luego en el Museo del Loyvre. 

       Caillebote muere en el invierno de 1894 a los 45 añso de edad. La Academia de Bellas Artes protesta oficialment en contra la entrada de esas obras en el Museo de Luxemburgo. Jean-Leon Gérome, máximo exponente del  academicismo, escribe en el Journal des Artistes: 

       "Estamos en un siglo de decadencia e imbecilidad. Se necesita una gran desvergüenza moral para que el Estado haya aceptado esta montaña de basura". El gobierno francés hace una seleccion de algunas de las obras de la coleccion: del total, 67, rechaza 29. Sólo 38 serán las afortunadas  que se expondrían en los rincones más alejados del Museo de Luxemburgo recién en 1987.

El talismán - Paul Serusier

El talismán - Paul Serusier

"Un cuadro, antes que un caballo de guerra, un desnudo femenino o cualquier otra anécdota, antes que un tema es, esencialmente, una superficie plana cubierta de colores distribuidos en un orden determinado". Maurice Denis.

Con esta definición  desemboca el arte abstracto. Relativiza el tema convirtiéndolo en algo secundario y prescindible porque dice que lo que importa es trabajar con los recursos específicamente pictóricos, con los colores y el plano en este caso. Es el germen de la pintura del siglo XX.

Inauguración del Centro Cultural Kirchner - Ciudad de Buenos Aires

        En el marco de las celebraciones por un nuevo aniversario de la Revolucion de Mayo, fue puesto en funcionamiento el Centro Cultural Néstor Kirchner, que funcionará en el histórico edificio del Palacio de Correos declarado Monumento Histórico Nacional desde 1997. La presidenta Cristina Kirchner inauguró la obra, que puso en valor arquitectónico el edificio clásico y contemporáneo, con el emprendimiento de infraestructura culturál más importante de Latinoamérica, que cuenta con una superficie total de 100 mil metros cuadrados.
        El Centro Cultural incluye los sectores la Plaza Seca, la Ballena azul, la Grán Lámpara y la Cúpula, que permiten valorizar la concepción histórica, social y cultural del edificio. El mismo está dividido en dos partes: la histórica y la industrial. En la primera se realizó una importante restauración, conservando los tres enormes vitrales y el mobiliario de época. Allí se encuentra el salón de honor y lo que fue el despacho de María Eva Duarte de Perón. Cuenta además, con nueve auditorios multimedia y en el sector industrial, se encuentran la sala sinfónica y el Chandelier, estructura colgante que se usará para muestras de arte.

Más información 

Yo recomiendo: Asterix en Buenos Aires - Centro Cultural Recoleta

        Se está realizando en el Centro Cultural Recoleta una gran exposición sobre la serie de historietas Asterix el Galo.  Se trata de una excelente oportunidad de dar a conocer a las nuevas generaciones esta tira cómica creada por René Goscinny (guión) y Albert Uderzo (dibujos) aparecida por primera vez en 1959.  La publicación alcanzó un gran éxito editorial con la venta de más de 250 millones de ejemplares y la traducción a 111 idiomas.

         La historia transcurre en el año 50 antes de Jesucristo. Toda la Galia está ocupada por los romanos excepto una aldea poblada por irreductibles galos que resiste a las tropas de Julio César. La resistencia de estos aldeanos se debe a la fuerza sobrehumana que adquieren tras beber una poción mágica.

         Con el fin de inspirarse en referencias culturales francesas, los autores recurren a la mitología clásica, las fases populares tomadas del latín, los Comentarios sobre la guerra de las Galias de Julio César y la cartografía de la época, para construir esta historia en donde el mito galo es protagonista. Asterix recrea lo mejor del heroísmo antiguo y lo aclimata al contexto francés a través del culto a la “resistencia”.

Asterix en Buenos Aires

Centro Cultural Recoleta

El Rococó en el Museo Nacional de Bellas Artes - Buenos Aires- Argentina

¿En qué se diferencia un retrato de Velázquez del siglo XVII y otro retrato de estilo Rococó del siglo XVIII? ¿Podemos reconocerlo fácilmente? Sí. Observando con detenimiento podemos ver las diferencias en cuanto a los atributos de los personajes, los colores que usa el artista, los fondos neutros o con paisajes, la actitud y psicología del retratado y hasta en el tamaño del cuadro.

En la sala del Siglo XVIII del Museo Nacional de Bellas Artes se exhiben valiosas obras pertenecientes a esta época, entre ellas, pinturas de Nicolás de Largillière, Jean-Marc Nattier, James Latham, y el irlandés apodado Howard del norte. Analizando estas obras podemos encontrar las diferencias de las  que hablamos.

Museo Arqueologico de Alta Montaña -Salta - Argentina

 El Museo de Arqueología de Alta Montaña tiene como función principal resguardar el hallazgo arqueológico denominado Los Niños del Llullaillaco, lo que logra a través de un modernísimo sistema de criopreservación; y al mismo tiempo, estudiarlo y difundirlo. A través del patrimonio que preserva, trabaja en el resguardo de la cultura ancestral, reforzando la identidad de los pueblos originarios.