Uruguay - Un nuevo Museo en Montevideo, el Museo Gurvich

      En la Ciudad Vieja de Montevideo abrió el Museo Gurvich. La fundación dedicada a la obra de José Gurvich, uno de los discípulos preferidos de Joaquín Torres García, amplió sus espacios de exposicion e inauguró una nueva sede ubicada en una casona del siglo XIX, sobre la peatonal de Sarandí, a escasos metros de la Plaza Constitución, de la Catedral Metropolitana y del Museo Torres-García.
  
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La Menesunda de Marta Minujin en el Mamba - Buenos Aires

 

         En el M;useo de Arte Moderno de Buenos Aires (Mamba), se puede revivir "La Menesunda", obra icónica de la artista Marta Minujín que se montó por primera vez en mayo de 1965 en el Instituto Di Tella. Se trata de un laberinto de once ambientes que provocaban aromas, sensaciones y experiencias sensoriales de todo tipo en el espectador. 
        En un espacio de 400 metros cuadrados en el primer piso del edificio y durante cinco meses, se lleva a cabo  la reconstrucción fiel de aquella emblemática obra que, en palabras de su autora, “Fue un hecho histórico. Miles de personas fueron en aquel momento, revolucionó todo Buenos Aires. Era un recorrido a través de situaciones que buscaban sorprender y sensibilizar al espectador para ser participante”
          “La Menesunda” tuvo lugar en el Instituto Di Tella entre mayo y junio de 1965, y se estima que recibía alrededor de 300/400 personas por día, algo histórico para esa época. Esta propuesta innovadora, era una ambientación que los espectadores recorrían a través de dieciséis zonas y situaciones diferentes, sin saber de antemano con qué se iban a encontrar: “Era, decididamente, una provocación; su objetivo, sacar a la gente del estupor de la vida cotidiana y obligarla a enfrentarse a esa cotidianeidad representada por objetos en extremo familiares, para abrir nuevas lecturas”.
           Hoy cincuenta años más tarde, gracias la recopilación de fotos, notas, videos, testimonios, etc., y con la colaboración de los departamentos de Curaduría, Diseño y Producción de Exposiciones, y Conservación del Museo, junto a Marta Minujín, se puede revivir aquella experiencia en el MAMBA.Teniendo lugar en un contexto diferente al de su creación, los visitantes podrán realizar nuevas lecturas sobre ésta obra histórica. 
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London - Victoria and Albert Museum - Muestra de la fotógrafa Julia Margaret Cameron

 

        Con motivo del bicentenario del nacimiento de Julia Margaret Cameron (1815-79), una de las fotógrafas más importantes y experimentales del siglo XIX, el Museo Victoria & Albert, museo líder del mundo del arte y el diseño, presentará más de 100 fotografías de su acervo.
            Julia Cameron (11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879 ) fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.

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Resucitan seis espléndidas casas en Pompeya

        En Pompeya se abrieron al público seis espléndidas casas o domus restauradas. Cada una de estas casas tiene una historia apasionante, porque  muestra datos de la vida y costumbres de la ciudad romana de Pompeya, sepultada por la erupción del Vesubio en el 79 d. C. Por ejemplo, se ha reabierto la lavandería Stefano («Fullonica di Stephanus»), que es un ejemplo extraordinario de tienda de hace 2.000 años. Las ropas que se lavaban se introducían en grandes recipientes de piedra que contenían una mezcla de agua y sosa, ya que el jabón no se conocía.
       Muy cerca se encuentra la casa del «Criptoportico», denominada así por el suntuoso «pórtico escondido» situado bajo el jardín. En sus paredes hay numerosos fragmentos de frescos. Las decoraciones del «tepidarium», destinado a los baños con agua templada, muestran, entre otras, una figura danzante en rojo púrpura, con un bastón en la mano. La misma casa está dotada de termas, con el «praefurnium», un gran horno en el que se producía aire muy caliente destinada a calentar las termas, y el «calidarium», sector de baño de agua caliente, la habitación más luminosa.
       Inmediatamente después está la casa de «Paquius Proculus», que sorprende por el atrio completamente revestido de mosaico en blanco y negro, con aves y pavos reales en el interior de recuadros y el vestíbulo. Cuenta también con un breve corredor de acceso a la calle, con la representación del perro de guardia y la cadena; en el peristilo o patio existe un precioso mosaico con escenas mitológicas y pigmeos.
       A continuación se encuentra la casa de «Fabius Amandius», una residencia de dos plantas, con el «impluvium», una especie de estanque para recoger el agua de lluvia, ricamente decorado.

Madrid - El Museo del Prado, más accesible para todos

 

           Desde el año 2013 el Museo del Prado y Samsung unieron sus esfuerzos para mejorar la experiencia del público en el contexto de las actividades expositivas, educativas y divulgativas organizadas por el Museo en el marco de un innovador convenio de colaboración. Prueba de ello han sido las exitosas exposiciones “Roma en el bolsillo”, “Goya en Madrid” o “Arte transparente. La talla de cristal en el Renacimiento milanés” abierta hasta el próximo 10 de Enero.
          Sin lugar a dudas, el Museo del Prado es uno de los museos más importantes del mundo por su valiosa colección de obras maestras, pero también lo es por ser uno de los más accesibles. Samsung, como colaborador tecnológico del Museo del Prado, ha desarrollado innovadoras herramientas para “El Prado para Todos” un programa educativo para facilitar el acceso al conocimiento y a la cultura de personas con necesidades específicas de aprendizaje y comunicación y del que, durante el curso académico 2014-2015, se beneficiaron más de mil personas con diversidad funcional.
          Los dos nuevos proyectos desarrollados para 2015-2016: “Dime lo que ves y te diré lo que es” y “Los animales del Museo del Prado” incluyen formación de los educadores, así como un microsite para que los participantes puedan compartir el resultado de su trabajo en los talleres. Para llevar a cabo esta actividad y como herramienta educativa, se ha desarrollado una aplicación para las tabletas. Una aplicación que trata de “dar vida” a la naturaleza de los cuadros del museo y podrá ser utilizada como recurso para otras actividades futuras.
        El fin de estos proyectos es aprovechar las ventajas que ofrece la tecnología para favorecer la personalización y adaptación de las actividades a los diferentes públicos a los que destina el programa “El Prado para Todos”.

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Mexico -"Mayas, el lenguaje de la belleza" vuelve a Mérida -Yucatán.

 

         Luego de maravillar a más de 135 mil personas en Pekín, China, y en el Distrito Federal, la exposición "Mayas, el lenguaje de la belleza" regresó a Yucatán para el público local y extranjero que desee admirar las 278 piezas que conforman la colección.
         La muestra se realiza en el Museo Regional de Antropología “Palacio Cantón” hasta febrero de 2016 y es el resultado de las investigaciones efectuadas los últimos 75 años del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). Reúne objetos de Campeche, Tabasco, Chiapas, Quintana Roo y Yucatán.
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Barcelona - El Museo Picasso organizará una gran exposición sobre cubismo en 2016

     

     Pablo Picasso y George Braque son los padres del cubismo, la primera de las vanguardias nacida en Francia de la primera década del siglo XX que acabó para siempre con la pintura del pasado, al prescindir de las perspectiva y pintar a base “pequeños cubos”. El propio Picasso comparó su trabajo en común, mano a mano con Braque, con el de los montañeros en una cordada a dos en el que descubrimiento de uno servía de elementos de superación al otro al pintar sus nuevas obras. A la pareja pronto se unieron otros como Jena Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris y Robert Delaunay.         
     Picasso, su compañero de escalada Braque y muchos de sus colegas cubistas visitarán Barcelona el próximo año.  Será en la exposición Cubismo y guerra. El cristal en la llama,título de la muestra que celebrará el Museo Picasso de Barcelona, en la que se reunirán 80 obras realizadas, como respuesta al gran conflicto europeo, por creadores de la vanguardia establecidos en París durante la Primera guerra Mundial, entre 1914 y 1918.

Río de Janeiro inaugura el Museo del Mañana

          Abrirá sus puertas el Museo del Mañana, un imponente edificio diseñado por el arquitecto español Santiago Calatrava que busca poner en valor el área portuaria de Río de Janeiro. Este centro cultural de motivación científica, con alrededor de 30.000 metros cuadrados de salas, jardines, espejos de agua y áreas de ocio, mostrará al público el poder del hombre para cambiar el mundo, ya sea mediante la alteración del clima, la degradación de los ecosistemas o la interferencia en la naturaleza, así como el legado que está dejando de cara al futuro.
           “La idea es que el museo no sea una casa que recolecta obras de arte sino un centro que investiga y profundiza en las ciencias que miran hacia el mañana y muestran los distintos escenarios a los visitantes, para provocarles una reflexión sobre las acciones de ellos hoy”, explicó la gerente del proyecto, Deca Farroco.
          El museo será una de las principales atracciones en la remodelada Plaza Mauá, ubicada en el centro de Río de Janeiro, junto al puerto de la ciudad y el Museo de Arte de Río (MAR). Su edificación proyectada hacia el mar forma parte del proyecto Puerto Maravilla con el que el Ayuntamiento carioca se propuso revitalizar la terminal portuaria, de cara a los Juegos Olímpicos que organizará en agosto de 2016.

Buenos Aires - El fileteado porteño fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

 

           El arte del fileteado porteño fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por el Comité Intergubernamental para la Salvaguarda de la Unesco que se encuentra reunido en Namibia. Así lo confirmaron  fuentes del Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires. La práctica, considerada la pintura argentina que nació a principio de 1900, recibió así el mismo reconocimiento que obtuvo el tango en 2009.

Buenos Aires - Museo Sivori : Estados de conciencia de Gaby Herbstein

 

       La exposición fotográfica compuesta por 35 fotografíaas, 70 objetos y diversos materiales de producción que develan la totalidad del proceso creativo detrás de cada imagen se podrá visitar hasta el 7 de febrero en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori.

"Esta muestra tiene que ver con un recorrido interior y es el corolario de los trabajos que vengo realizando desde 1998 con distintas fundaciones sobre temas de ecología y unicidad", expresó  Herbstein sobre el trabajo exhibido con el marco del Rosedal de Palermo, donde se sitúa el museo, y galardonado con el "Prix de la Photographie de Paris Oro", en la categoría "Fine Art".

     "Siento que lo que expongo es la consecuencia del exterior al interior. También está influenciada por el aprendizaje de distintas corrientes espirituales y el trabajo de conceptos de conciencia que se van sucediendo en el camino de la vida", sostuvo la fotógrafa

Los cazadores en la nieve - Pieter Brueguel - El viejo

        Fundador de una importante familia de pintores, Pieter Bruegel “el Viejo” es uno de los primeros maestros de la pintura flamenca, un talento a menudo comparado con el de El Bosco, aunque la paranoia moralizante de éste último se ve sustituida por una irónica crítica social y un no disimulado amor por la vida campesina. Al igual que Patinir, no es un paisajista puro, en el sentido que sus paisajes siempre son un fondo para desarrollar una obra de temática popular o religiosa. Sus paisajes más importantes son los que aparecen en una serie de seis pinturas que representan diferentes épocas del año, de la cual “Los cazadores en la nieve” es la obra más conocida.
        Esta pintura es uno de los primeros paisajes invernales de la historia de la pintura occidental. La obra capta el momento en el que tres cazadores, acompañados por sus perros, regresan a su pueblo tras una expedición de caza. Bruegel ha situado al observador en una posición muy cercana a la de los agotados cazadores, cuya visión del paisaje sería muy similar a la nuestra.
        La composición es un complejo juego de líneas diagonales y horizontales. En primer plano predominan las líneas diagonales, destacando la diagonal principal, marcada por la base de los árboles y las figuras de los expedicionarios, que continúa hasta el fondo de la composición. El contrapunto lo pone otra diagonal casi perpendicular a ésta, que parte de la esquina inferior derecha hasta las casas del extremo izquierdo de la pintura. Sin embargo, en el fondo de la pintura destacan las líneas horizontales de los canales helados, otorgándole al paisaje una gélida placidez.
         El blanco de la nieve domina la escena, sobre el cual las oscuras figuras destacan sobremanera, sensación incrementada por la ausencia total de sombras. “Los cazadores en la nieve” es una obra maestra absoluta que influiría en pintores posteriores como Hendrick Avercamp.
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Japón - Hokusai - Viento del Sur, Cielo despejado (Fuji Rojo)

         La colosal figura de Katsushika Hokusai no es solo la más importante de la escuela Ukiyo-e del periodo Edo, sino también la cumbre de la pintura japonesa de cualquier época. Artista enormemente prolífico, se calcula que creó unos 30.000 grabados. Además, pintó hasta el último día de su vida, y abordó multitud de géneros, desde el retrato hasta el paisaje, pasando por las obras de carácter erótico. De joven trabajó como librero y como aprendiz de grabador en un taller, lo que le permitió aprender con maestría la técnica del grabado ukiyo-e.
Su obra magna es la serie de 36 vistas del monte Fuji. Estos grabados de la montaña sagrada de Japón gozaron de una enorme popularidad en su época, por lo que posteriormente Hokusai añadió 10 vistas más a la serie. Además, años más tarde el propio artista inició una serie aún más numerosa, las “100 vistas del monte Fuji”.
        La serie incluye tanto vistas cercanas en la que el Monte Fuji es el único protagonista de la composición (“Fuji rojo” o “Tempestad bajo la cima”) como vistas algo más lejanas que permiten representar la vida y paisajes de sus alrededores (“La costa de Kamakura” o “Molino en Onden) e incluso vistas tan lejanas que resulta difícil advertir la presencia de la montaña sagrada (“Bajo Meguro” o “Lago Suwa en la Provincia de Shinano”). La obra más famosa de la serie, “La Ola”, fue escogida en 2006 como una de las 50 obras maestras de la pintura por theartwolf.com.
         Todos y cada uno de los grabados son auténticas obras magistrales con identidad propia. En conjunto, las 36 vistas del monte Fuji representan una de las cumbres de la pintura de paisajes de cualquier era. Estos grabados fueron enormemente admirados por los pintores impresionistas y post-impresionistas, desde Claude Monet hasta Vincent van Gogh.
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Feliz cumpleaños a Henri de Toulouse-Lautrec, nació hoy en 1864

 

          Un día como hoy, nacía en Albi, Francia, el reconocido pintor posimpresionista, litógrafo  e ilustrador Henri de Toulouse-Lautrec. Fue famoso por pintar la vida urbana Parisina de finales del siglo XIX. Influido por las estampas japonesas construyó un nuevo estilo con las características líneas de contorno y manchas de colores planimétricas. Lautrec retrató con frecuencia escenas de burdeles y cabarets, como el Moulin Rouge, donde tenía un asiento reservado después de producir una serie de carteles publicitando la apertura del club en 1888. Recibió influencia de sus contemporáneos franceses  Edgar Degas y Édouard Manet, y compartió con ellos un gran interés por la observación de la cultura social. Además es considerado uno de los precursores del diseño gráfico. Falleció en Saint-André-du-Bois,el 9 de septiembre de 1901.

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Un día como hoy, 18 de noviembre, fallecía en Paris Man Ray

 

              Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18 de noviembre de 1976) fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París. Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos.

Madrid - Museo Thyssen Bornemisza - Picasso y el cubismo en la Colección de Arte ABANCA

 

         El Museo presenta  una selección de doce obras de la colección ABANCA. Con el título Picasso y el cubismo, la muestra reúne un conjunto de cinco piezas del maestro malagueño, además de otras tres de los pintores que, junto a él, formaron el núcleo central del cubismo: Braque, Juan Gris y Léger. La selección se completa con dos pinturas de Metzinger y María Blanchard, también pertenecientes al movimiento francés, un lienzo de Manuel Ángeles Ortiz y una escultura de Julio González.
          La exposición abarca un arco cronológico que se extiende desde 1895 hasta 1963. Comienza con una escena popular y una caricatura pintadas por un jovencísimo Picasso en 1895, así como un dibujo realizado en París en 1901 –ciudad a la que el pintor se había traslado ese mismo año para exponer en la Galería Vollard-, continúa con una selección de obras cubistas de las décadas de 1910 a 1930, entre las que destacan Composición cubista con botellas (c.1918) de María Blanchard,Paquete de tabaco y vaso (1922) de Picasso, La uva negra (1923) de Juan Gris o Vaso y uvas(1930) de Braque, para terminar con un lienzo de la serie “El pintor y su modelo” (1963-1965), en la que Picasso reflexiona sobre el proceso creativo en sí mismo.
       Creada a partir del interés por conservar y divulgar obras de artistas gallegos, la Colección de Arte ABANCA fue ampliándose con la compra de piezas de ámbito español e internacional. Así, hoy cuenta con 1.348 obras de 239 artistas, entre los que se encuentran figuras del renombre de Picasso, Braque, Léger, Miró, Dalí, Tàpies, Chillida o Barceló, entre otros.
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Francia - Claude Monet, homenaje al instante y la luz

 

              Pintor del agua y de lo efímero, maestro del color, Claude Monet liberó la pintura de convencionalismos y rigideces academicistas con su deseo de plasmar el instante, la atmósfera y la interacción de la luz y las formas. Recordamos al impresionista por excelencia
Monet cumpliría el 14 de noviembre 176 años. Aprovechamos el aniversario para recordar al impresionista por excelencia y precursor de la pintura abstracta. El francés nunca se apartó del impresionismo, movimiento al que, sin pretenderlo, cedió el nombre de una de las obras: Impresión. Sol naciente que mostró en la exposición del 15 de abril de 1874 (la primera impresionista) en el estudio del fotógrafo Nadar. El crítico      Louis Leroy hizo suyo el término impresionismo en una demoledora crítica y de esta forma dio nombre a un movimiento que revolucionaría la pintura.La intención de Claude Monet (París, 1840-Giverny. 1926) era plasmar la experiencia, por eso se apoyó en una pincelada muy libre y abrió su paleta a un nuevo colorido convirtiéndose en uno de los grandes maestros del color de la vida moderna. Francisco J. R. Chaparro, en un artículo publicado en Descubrir el Arte 178, defiende con claridad su trascendencia: “El decurso del arte no habría sido el mismo sin él. Reivindica por primera vez –y por encima del resto de impresionistas– la fluidez del tiempo, así como la idea de repetición y, sobre todo, la percepción ‘retiniana’ de la luz y sus reflejos”.  

Rijkmuseum - Amsterdam - Un flashmob recrea "La Ronda nocturna" de Rembrandt

       Un vistoso flashmob que recrea la obra maestra de Rembrandt, "La Ronda nocturna" fue organizado en un shopping de la capital holandesa con el fin de promocionar la reapertura del Museo Nacional de Ámsterdam, después de una década de reformas.

      Ante la sorpresa de las personas que compraban y paseaban por el recinto, a modo de representación teatral, los actores recrearon una escena del siglo XVII en la que la policía persigue a un ladrón por las calles, para finalmente acabar el espectáculo con la composición más "realista" que la obra ha tenido hasta ahora.
         "La Ronda Nocturna" fue pintada por el artista holandés entre 1640 y 1642 y es una de la joyas de la exposición permanente del Museo Nacional de Ámsterdam, también conocido como Rijksmuseum.

         La pintura, terminada en 1642, representa el capitán Frans Banning Cocq y su lugarteniente, Willem Van Ruytenburch, junto a la Compañía que protege el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses.
           En una recreación estilo épico del siglo XVII, treinta caballeros vestidos como miembros de la Compañía de disparo de Cocq inundaron el piso del centro comercial sorperendiendo a los presentes. ¡Vale la pena volver a verlo!

Viena - Pabellon de la Secesión - La sensualidad real de las obras de Gustav Klimt

    

      El edificio de la Secesión, lugar fundamental para el movimiento de Klimt, realizó este años una colecta de fondos para apoyar al SIDA y el VIH, y entre las actividades se encontró una sesión fotográfica de Inge Prader, en la que como homenaje a las obras del pintor, les dio vida e imaginó la mezcla perfecta de modelos y colores para lograr un absoluto realismo.
       El pintor es uno de los personajes más importantes de la Secesión de Viena. Con Oskar Kokoschka y Koloman Moser, realizó obras con elementos de Art Nouveau y Art Decó para crear una de las vanguardias más vistosas y luminosas de todos los tiempos. La Secesión buscaba la ruptura de los estilos anteriores con base en la inspiración en elementos naturales como piedras preciosas, flora, fauna y sobre todo, formas redondeadas. Según estos artistas no debían existir líneas rectas en sus cuadros porque en la naturaleza no los encontramos; nada es totalmente simétrico y perfecto.

     Prader les da un nuevo respiro a sus imágenes y transgrede disciplinas mezclando la fotografía, la pintura y el diseño, con un esfuerzo por preservar la pintura, la oscuridad y la decadencia de la obra de Klimt.
     La fotógrafa logró lo que por muchos años buscó la pintura: la imagen en tercera dimensión; admirar la totalidad del lienzo y no sólo la  superficie plana del cuadro. Inge Prader tuvo la maestría de recrear la obra de Klimt de manera espectacular gracias al maquillaje y la ropa perfecta para la ocasión.
    Inge Prader es una fotógrafa vienesa de moda que ha participado en múltiples trabajos fotográficos al lado de Madonna, y ha trabajado para Visa, Henkel, Financial Times y otras decenas de empresas austriacas. Tiene una gran trayectoria y reconocimiento mundial.

     Las mujeres fatales y la sensualidad desbordante traspasan el lienzo de Gustav Klimt y se convierte en parte de la vida real, de lo tangible y el ya nada imaginario dorado eterno que englobaron sus obras hace más de un siglo. Klimt tuvo su inspiración en el desnudo femenino, que cubierto de oro y piedras preciosas, lo convirtieron en uno de los artistas de la secesión más populares.
     Durante su fase dorada, de 1899 a 1910, Klimt tuvo el éxito que la riqueza y abundancia de sus pinturas parecía pronosticar. Su estilo se convirtió en un ícono de Viena, sus pinturas un recuerdo de que no todo en exceso se ve mal. Su famosa pintura El beso y el Portarretrato de Adele fueron hechas en este periodo.
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Buenos Aires- La Abadía, Centro de Artes y Estudios Latinoamericanos

 

        Desde octubre quedó  inaugurado el nuevo centro cultural “La Abadía, Centro de Artes y Estudios Latinoamericanos”, gracias a la recuperación que se llevó adelante sobre el histórico monasterio Abadía de San Benito, ubicado en el barrio porteño de Palermo.
        El terreno ocupa 5.000 m2 sobre la barranca de Gorostiaga y Luis María Campos. Su edificación fue realizada en  1929, destinada al retiro de monjes benedictinos, que luego se mudaron a Lujan dejando vacío el lugar. La construcción fue durante un tiempo sede de Casa FOA, para que luego del proceso de recuperación, quede lista para su nueva apertura.
       “Hubo que refuncionalizar el edificio, pero con intervenciones mínimas para que no olvidemos que era un monasterio”, contó a  Guillermo Alonso, director de Relaciones Públicas de La Abadía.
Las obras constaron de la recuperación los pisos de pinotea y los techos abovedados. Además se rehicieron tanto la instalación eléctrica, como también la iluminación.
       Uno de los desafíos de los restauradores, fue la de mantener el clima monástico del edificio, pese a su transformación. En el refectorio del ex monasterio, por ejemplo, se instaló el auditorio que, junto a la biblioteca monseñor Eugenio Guasta, serán sede del Centro de Estudios Latinoamericanos.
     “Tierra de encuentros, cielos y colores. Arte de Sudamérica hoy y ayer” es la primera muestra exhibida, en donde se pueden encontrar piezas de platería mapuche, del Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti y máscaras del Perú.
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Avellaneda -Buenos Aires - El Centro Municipal de Arte de Avellaneda se pone en marcha

        La antigua Casa de la Cultura de Avellaneda donde antes funcionaban talleres de arte, fue remodelada bajo el nombre de Centro Municipal de Arte, como una gran galería cultural de dos pisos que alberga salas de ensayo, de grabacion y seis espacios identificados por colores y destinados a exposiciones de arte.
        Gigantescas esculturas móviles, otras realizadas con materiales no convencionales, murales y fotografías de la ciudad a principios de siglo son algunas de las propuestas que sorprenden a los más de 200 visitantes que a diario visitan el edificio de Alsina y San Martín, en pleno centro de esa localidad bonaerense.
        Fotogramas en blanco y negro de calles renovadas, algunos edificios olvidados y otros demolidos donde hoy se encuentran modernas construcciones son algunas de las imágenes montadas en la sala Violeta.
        Este paseo interior por Avellaneda se completa en la Sala Roja en marco de la exhibición "Colores Maestros-Pintores Argentinos del Siglo XX", que despliega obras de artistas como Benito Quinquela Martí¬n, Raúl Soldi, Juan Vaidaillac, José Arcidiácono, José Luis Menghi, Fernando Pascual Ayllón y Germán Leonetti.

New York - MoMA - Retrospectiva del artista uruguayo Joaquín Torres-García

 

              El MoMA presenta la gran retrospectiva de Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874 -1949) que cuenta con obras que van desde finales del siglo XIX hasta la década de 1940, incluidos los dibujos, pinturas, objetos, esculturas y cuadernos originales del artista y otras publicaciones. La exposición combina una presentación cronológica con un enfoque temático, estructurado en una serie de importantes capítulos de la carrera del artista, con énfasis en dos momentos clave: el período 1923-1933, cuando Torres-García participó en varios movimientos europes de vanguardia,  mientras establecia su propio estilo constructivista; y 1935 a 1943, cuando, después de haber vuelto a Uruguay, produjo uno de los repertorios más llamativos de la abstracción sintética.

              Torres-García es uno de los artistas más complejos e importantes de la primera mitad del siglo XX, y su obra abrió caminos de transformación para el arte moderno en ambos lados del Atlántico. Su implicación personal en un número significativo de movimientos -desde el Novecentismo Catalán al Cubismo, Ultraísmo, Vibracionismo, y Neo Plasticismo,  hicieron de él,  una  incomparable figura sin precedentes, madura para nueva evaluación crítica en los EE.UU.

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El talismán - Paul Serusier

El talismán - Paul Serusier

"Un cuadro, antes que un caballo de guerra, un desnudo femenino o cualquier otra anécdota, antes que un tema es, esencialmente, una superficie plana cubierta de colores distribuidos en un orden determinado". Maurice Denis.

Con esta definición  desemboca el arte abstracto. Relativiza el tema convirtiéndolo en algo secundario y prescindible porque dice que lo que importa es trabajar con los recursos específicamente pictóricos, con los colores y el plano en este caso. Es el germen de la pintura del siglo XX.

Buenos Aires - Nace FOLA, la fototeca latinoamericana dedicada a la fotografía

 Una coleccion de 250 fotografías de arte latinoamericano de los ultimos quince años conforman el acervo de la naciente Fototeca Latinoamericana, se inauguró recientemente un espacio inédito para esta disciplina con tres exposiciones temporales.

"Fola es el primer museo en América latina dedicado exclusivamente a la fotografía latinoamericana contemporánea. Queremos que sea la casa de los fotógrafos, que sea referente latinoamericano en la disciplina", cuenta a la agencia Télam Gastón Deleau, director del flamante espacio y apasionado de la fotografía, sobre su primer proyecto en solitario luego de haber catapultado desde Arte al Día grandes eventos como Gallery Nights, Buenos Aires Photo, Impact Art y la Semana del Arte.

Madrid - Centro Centro Cibeles: Kandinsky la matemática de la emoción

        La lógica de Kandinsky, alguien que en Múnich, Moscú o París conmocionó el mundo del arte aplicando criterios objetivos para suscitar las más profundas emociones, queda enmarcada para la posteridad en la exposición que sobre la trayectoria del artista y profesor franco-ruso-alemán albergan las salas del Centro Centro Cibeles de Madrid.
       El centenar de obras –óleos, tintas, gouaches, grabados…- procedentes del Fondo Kandinsky del Museo Nacional de Arte Moderno-Centro Pompidou de París se despliega en cinco grandes salas sobre la base de una sobria escenografía de fondos blancos, azules y negros. Los paisajes posimpresionistas primero, las frías geometrías después, y los inquietantes elementos zoomórficos por fin, asaltan y desasosiegan al visitante que se preste al juego, en lo que supone la mayor exposición celebrada en España sobre uno de los grandes tótems de la abstracción y, por elevación, de la Historia del arte. Kandinsky. Una retrospectiva, que antes pasó por Milán, Milwaukee y Nashville, es un verdadero acontecimiento en la temporada de exposiciones.  España tardó algo más de lo conveniente -1978, en la Fundación Juan March- en dar a conocer al maestro de la abstracción.

    El viaje propuesto por la curadora Angela Lampe, responsable de las colecciones modernas del Centro Pompidou, es escrupulosamente cronológico y abarca lo que podríamos llamar el todo Kandinsky: Múnich (1896-1914), Moscú (1914-1921), los años de la Bauhaus (1921-1933) y París (1933-1944, año de su muerte). Es la vida de un hombre de lejanías, siempre dispuesto, llegado el momento, a marcharse como llegó, aferrado a la única patria para él posible, el arte, alérgico cual pelo de gato al dogma artístico y político y a cualquier atisbo nacionalista.

Las estatuas más impactantes de San Petersburgo

Las estatuas de San Petersburgo han sido testigos mudos de la fascinante historia de la Venecia del Norte.

San Petersburgo es el escenario de numerosos eventos históricos de gran relevancia. Se hizo historia en las mismas calles donde hoy paramos a tomar un café o salimos a dar un paseo nocturno. Nadie se acuerda ya de los tiempos de Pedro el Grande, la revolución rusa o la familia imperial, y pocos pueden recordar el sitio de Leningrado durante la Segunda Guerra Mundial.

 

 Pero la ciudad alberga sus propios testigos, las estatuas de piedra que coronan edificios, catedrales, puentes y calles. Su visión de los acontecimientos es única.

Madrid - Fundación Juan March: Retrospectiva del artista suizo Max Bill fundador de la "Nueva Bauhaus"

 

       La Fundación Juan March presenta la primera "retrospectiva concentrada" del artista suizo Max Bill en España. La exposición recoge 170 piezas que recorren transversalmente diversas disciplinas: pintura, escultura, arquitectura, diseño de libros, diseño industrial y de mobiliario, y grafismo publicitario. "Es un artista extremadamente plural. Sería incompleto centrarse sólo en su obra de 'formato clásico'. En esta exposición también se pueden encontrar manifestaciones del genio creador del artista en otras disciplinas", ha explicado durante la presentación Javier Goma, director de la Fundación.

        Las piezas de la exposición han sido cedidas por Jakob Bill, hijo del artista y administrador de su legado, y por colecciones e instituciones públicas y privadas, europeas y americanas, como el Museo de Harvard. Hasta el momento, la obra de este artista suizo ha podido verse en España como parte de exposiciones colectivas y en la muestra individual que le fue dedicada en el Museo Español de Arte    Contemporáneo de Madrid y la Fundació Joan Miró de Barcelona en 1980.

Colombia - Cali - Segunda Bienal Internacional de Danzas

         Durante nueve días, Cali será escenario de las mejores compañías de danza a nivel nacional e internacional, que será la posibilidad de demostrar el talento y las nuevas tendencias de la danza contemporánea frente otros países. Esta disciplina logrará convocar a diversas asociaciones de danza del país las cuales mostrarán sobre distintos escenarios, la contemporaneidad, tradiciones culturales y encuentros que pretenden crear una marca para la valoración de la danza en la ciudad.

Sudáfrica - La transformación del arte Ndebele: de arte tradicional a arte contemporáneo

        Una sola imagen es suficiente saber para saber a qué nos referimos cuando hablamos del arte Ndebele y para dar muestra de la popularidad de unos patrones que cada vez son más conocidos en Occidente. Y con esta imagen, no nos referimos únicamente a los murales pintados de los propios pueblos Ndebeles que podemos visitar cuando viajamos al norte de Sudáfrica. Nos referimos a las pasarelas de moda, a los escaparates primavera-verano 2014,decoración de interiores, a los coches y a exposiciones y galerías de arte en varios puntos de planeta. El llamado “estilo étnico” bebe principalmente del arte Ndebele, aunque no lo sepamos. Lo hemos visto, lo conocemos y hasta lo vestimos, pero ¿cuál es su historia?

Museo Larreta - Santa Teresa de Jesús: Viñetas del alma - Buenos Aires

 

       Hace 500 años nacía en Ávila Santa Teresa de Jesús, una de las mujeres más extraordinarias de la historia. Figura esencial del Siglo de Oro español, su obra literaria marcó un punto sobresaliente en la mística cristiana. Revolucionaria, indómita y andariega, fue una luchadora que rompió con la cultura de la época, aún cuando la Inquisición la persiguiera por no someterse a sus rígidos preceptos.
      Enmarcada dentro de los actos conmemorativos del V Centenario de su nacimiento, la exposición que presentamos está formada por los dibujos realizados por nueve artistas para el libro Las Moradas, adaptado al formato de la historieta.
     Un relato gráfico que con libertad creativa y una relectura desde el presente, interpreta el texto primitivo, logrando que la transposición del mismo refuerce su frescura original. La muestra se completa con un conjunto de objetos, fotografías y documentos que reflejan la admiración de Enrique Larreta por la figura de la Santa.

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Nueva York - El Museo Guggenheim

 

           El museo Guggenheim de Nueva York, diseñado por Frank Lloyd Wright, es uno de los hitos arquitectónicos más importantes del siglo XX. Situado en el Upper East Side, justo al lado de Central Park, el museo Guggenheim, con su característica silueta en espiral, se ha convertido en uno de los emblemas de la ciudad de Nueva York.
          El museo abrió sus puertas por primera vez el 21 de octubre de 1959, seis meses después de la muerte de Frank Lloyd Wright y diez años después de la muerte del fundador Solomon Guggenheim.
          El museo debe su nombre a su fundador, Solomon R. Guggenheim, un magnate americano que, alentado y guiado por la artista y asesora de arte Hilla Rebay, inició una colección de arte a finales de los años veinte. Rebay era seguidora del pintor de origen ruso Vasily Kandinsky, por lo que animó a Guggenheim a coleccionar la obra de Kandinsky (más de cien cuadros en la colección del museo), así como la de otros artistas, como Rudolf Bauer y László Moholy-Nagy.
         Al principio, la propia suite de Guggenheim en el Hotel Plaza de Nueva York servía como espacio de exposición para su colección de arte. Más adelante, en 1937, cuando su colección había crecido demasiado para albergarla en su apartamento, Guggenheim creó la Fundación Solomon R. Guggenheim.

Amsterdam - El Rijksmuseum, mejor museo de Europa

             

         El Rijksmuseum de Ámsterdam  fue recientemente elegido como el mejor museo de Europa por su restauración, obra de los arquitectos españoles Antonio Ortiz y Antonio Cruz.

         El premio, concedido por el Foro Europeo de Museos, organización auspiciada por el Consejo de Europa, destacó la calidad de los programas educativos y la información en varias lenguas destinada a los visitantes extranjeros, además de su sitio web, que ofrece una visita virtual por el centro.
         Además del certificado del premio, el Foro Europeo de Museos entregó al Rijksmuseum una escultura de Henry Moore, titulada “El Huevo”, que podrá exhibirla durante un año, cuando pasará a manos del siguiente galardonado. El jurado expresó que “la restauración del edificio, en particular las pinturas y decoraciones originales de sus paredes, la elegancia con que se colgaron sus famosas pinturas (entre ellas La Ronda de Noche) y la forma en que se integraron en el conjunto el pabellón dedicado al arte de Asia y la galería medieval, resalta la categoría de la colección misma”.
        El Rijksmuseum posee la mejor colección de obras de Rembrandt y Vermeer, dos de los pilares del Siglo de Oro de la pintura holandesa, y permaneció cerrado durante nueve años para poner al día sus instalaciones.
         El museo fue abierto en 2013, y la cifra récord de afluencia de público la alcanzó con su última exposición, dedicada a la obra tardía de Rembrandt (1606-1669).

 
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El boom de la moda "Made in Africa"

 

          Los tejidos y estilos procedentes de África están cada vez más en boga en las colecciones de los diseñadores más reconocidos en el panorama internacional.Basta con hacer una búsqueda rápida en Internet con las palabras “moda tribal” o “moda étnica” para obtener como resultados unos coloridos estampados procedentes de África lucidos por despampanantes modelos que representan prestigiosas firmas de moda europeas o estadounidenses. Recientemente Louis Vuitton y Thakoon utilizaron en sus colecciones 2011-2012 tejidos procedentes de Kenia, concretamente tejido Maasai, extendiéndose como la pólvora. John Galliano, Dior, Jean Paul Gaultier o Juanjo Oliva, son algunos de los diseñadores que desde hace años se inspiran en el estilo y tejidos del continente para diseñar sus colecciones, ganándose así el aplauso de los críticos de moda que consideran esta iniciativa como un símbolo de multiculturalidad.

Barcelona - Van Gogh, Gauguin y Matisse estrenan la Fundación Mapfre

          La nueva sede de la Fundacion Mapfre abre sus puertas con «El triunfo del color», una exposición formada por obras maestras del Museo d'Orsay de París, de Van Gogh, Gauguin y Matisse.

         «Recordad que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda o una anécdota cualquiera, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores reunidos con cierto orden». La cita es del pintor francés Maurice Denis, uno de los miembros de los llamados Nabis, y preside una de las salas de la ambiciosa y deslumbrante muestra con la que la Fundación Mapfre desembarca en Barcelona.

        «El color es uno de los elementos que transforma la pintura del siglo XX», insiste Pablo Jiménez Burillo, comisario de una muestra que recupera ahora el espacio que dejó vacío la Fundación Godia con una tacada de obras maestras de Van Gogh, Gauguin, Cézanne y Matisse, entre otros.

         Son en total más de setenta obras llegadas del Museo d’Orsay y de l’Orangerie de París que explican, paso a paso, «cómo el color se convierte en un camino para llegar desde el impresionismo a la pintura de vanguardia». De este modo, «El triunfo del color. De Van Gogh a Matisse» da pleno sentido a las palabras de Denis y traza un recorrido histórico que arranca a finales del sigloXIX con la concepción científica del color de Georges Seurat y Michel-Eugène Chevreuly desemboca en el siglo XX de la mano de Picasso, Matisse yRenoir.

Weil am Rheim - Alemania - Presentan a la Bauhaus como el primer laboratorio de 'arte total' - #TodoEsDiseño - #itsalldesign

      

         Se está realizando en el  Museo Vitra Desing de Weil am Rheim (Alemania), uno de los más activos centros artísticos europeos dedicados solamente al diseño,  'La Bauhaus #todoesdiseño',  la mayor exposición sobre los hallazgos e influencia de la efímera escuela alemana cerrada por Hitler en 1933 por bolchevique. Además de mostrar centenares de objetos y obras de la Escuela, editan un libro con colaboraciones de, entre otros, Norman Foster, Enzo Mari y Sauerbruch Hutton.
        Para acentuar  la idea de que los postulados de la Bauhaus, la escuela de diseño más influyente del siglo XX, siguen estando vigentes, la exposición convierte en hashtag el lema central del efímero centro educativo (1919-1933): #itsalldesign. El enunciado todo es diseño era la argamasa que daba forma al heterodoxo planteamiento de la escuela alemana, que no deseaba formar a diseñadores o arquitectos, sino a artesanos humanistas capaces de afrontar no ya el planteamiento de un proyecto, sino su efecto sobre la vida. 

Madrid - Edvard Munch en el Museo Thyssen Bornemisza

         

        El Museo Thyssen Bornemisza de Madrid dedica una de las exposiciones más destacadas de la temporada "Arquetipos" a las obras de Munch. Munch (1863-1944) ha sido reconocido mundialmente,  especialmente en la última década, más allá del célebre "El grito", su pintura más conocida

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Medio siglo de imágenes de la agencia EFE- Centro Cultural de España en Buenos Aires

      Se cumplen cincuenta años del momento en que la agencia española de noticias EFE, la primera en castellano de todo el mundo, decide abrir su primera delegación en otro país del mundo y elige Argentina y Buenos Aires.  Por eso abre una exposicion en el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) con cincuenta fotografías tomadas desde 1965 hasta la actualidad, en donde está presente la política, la cultura, el deporte y los personajes que transmitió la agencia oficial española.

PAZ - “Estoy harto de esos hombres viejos que sueñan con guerras a las que los hombres jóvenes van finalmente a morir" - George McGovern

     “Estoy harto de esos hombres viejos que sueñan con guerras a las que los hombres jóvenes van finalmente a morir” – George McGovern.  La frase del gran pacifista americano seguirá vigente en cada guerra y en cada lucha, en la que jóvenes inocentes mueran por defender su patria a costa de muchos que nunca se plantearían inclusive poner el uniforme pero que apuestan todo por la guerra.

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Humor Gráfico Argentino en la Universidad de Alcalá de Henares - España

 

       Se inaugura  la muestra de Humor Gráfico Argentino en la Sala La Capilla del Antiguo Hospital de Santa María la Rica, Alcala de Henares. La misma esta compuesta por 100 obras de diferentes artistas que actuaron entre 1810 y la actualidad de la colección del Museo del Dibujo y la Ilustración.
       Cuenta con el auspicio del Museo del Humor, el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y de la Fabrica del Humor dependiente de la Universidad de Alcalá de Henares. Permanecerá hasta el 1 de noviembre y fueron sus curadores Nadia Hutnik y Pablo Feldmann. Catálogo

Bombay - Maqbool Fida Husain - "El Picasso de la India"

      

          Se  cumplió recientemente el centenario del nacimiento de Maqbool Fida Husain famoso pintor y cineasta, quien por su estilo modernista, levemente cubista, y por el gran volumen de obras que produjo, fue llamado "El Picasso de la India" . Fue uno de los artistas más renombrados de ese país, sin embaro por sus obras se vio obligado a huir de allí.

        M.F. Husain, como es conocido el artista, sobrevivió pintando carteles de películas y haciendo juguetes. Pero su pintura hizo más que darle de comer: se convirtió en su gran pasión y el motor que le ayudó a fundar "El Grupo de Artistas Progresivos de Bombay (PAG)". El movimiento se produjo como una consecuencia de los cambios que vivió la India en la década del 40. El objetivo de esta fue abordar la cultura india de forma moderna para poder exportarla al mundo.

          Google  celebró con un "doodle" los 100 años del nacimiento de Husain. Lo recuerda con un retrato del artista. El fondo, es una aproximación de sus pinceladas, los colores son manifiestos de las tonalidades que utilizó en sus obras durante su época madura. Los círculos son la versión de las letras de la palabra Google.      

           El reconocimiento de la obra de Husain lo llevó a regresar a su primer amor: el cine. El Gobierno de la India lo ayudó para que él escriba y dirija su película "A través de los ojos de un pintor". El éxito de la producción le permitió seguir a la par su carrera como pintor y cineasta.

Museo Sívori - El Grupo de París - Buenos Aires

         En el Museo Sívori se realiza la primera exposición sobre los artistas que integraron el colectivo conocido como “Grupo de París” desde el 19 de septiembre al 1º de noviembre de 2015. 

         Esta muestra apunta a dar a conocer de modo integral la obra de aquellos importantes referentes del arte argentino y su actividad en París durante los años ´20. No solo atiende a la trayectoria artística, sino también, de manera particular, a los modos en que esos artistas se vincularon entre ellos y con el ambiente cultural europeo para poner en relieve los aportes que sumaron en su retorno a Buenos Aires. En ese sentido, se pretende abordar el fenómeno del “viaje estético” como uno de los aspectos más observados en las nuevas perspectivas de los actuales estudios culturales, ofreciendo un conocimiento actualizado del Grupo de París. Se parte de una investigación llevada a cabo hace unos años para el Centro Virtual de Arte Argentino, conjugada ahora con avances más recientes derivados del acceso a fondos documentales y obras existentes en la localidad de Worpswede, Alemania.

En el Museo Sívori se realiza la primera exposición sobre los artistas que integraron el colectivo conocido como “Grupo de París” desde el 19 de septiembre al 1º de noviembre de 2015.

         "Horacio Butler, Héctor Basaldúa, Aquiles Badi, Raquel Forner, Alfredo Bigatti, Pedro Domínguez Neira, Antonio Berni, Lino E. Spilimbergo, Víctor Pissarro, Juan Del Prete y Alberto Morera fueron los jóvenes protagonistas de una aventura donde el espíritu de lo nuevo convivió con la tradición para articular la conciliación entre el pasado y el presente”, destaca Malena Babino.       

         “En términos generales, y pensando en conjunto las obras, los recorridos y las acciones, consideramos que en el caso del ‘Grupo de París’ se trató de un conjunto de artistas vinculados principalmente por lazos de amistad y visiones compartidas sobre la idea del arte moderno. Pertenecientes a una generación común, los une el anhelo de una renovación en el lenguaje y en los modos de circulación y promoción de la actividad artística.”

Buenos Aires - III Seminario Ciudades, Cultura y Futuro - Teatro San Martín

         Por tercer año consecutivo el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires organiza "Ciudades, Cultura y Futuro" con el apoyo de United Cities and Local Governments (UCLG), Mercociudades y Agenda 21 Culture entre los días 7 a 9 de octubre de 2015.
         El evento buscará ser: Un espacio de exposición de experiencias y desafíos en innovación, gestión y desarrollo cultural contadas por los máximos responsables y expertos de cultura de distintas ciudades del mundo y Un espacio de exposición de experiencias y desafíos en innovación, gestión y desarrollo cultural contadas por los máximos responsables y expertos de cultura de distintas ciudades del mundo.
         Los retos culturales presentes en el mundo son tan importantes como las otras tres dimensiones originales del desarrollo sostenible (la economía, la equidad social y el equilibrio medioambiental) y deberían ser tratados de la misma manera. La Cultura es el cuarto pilar del desarrollo sostenible.
         Se trata de una actividad gratuita con inscripción previa. Cupos limitados, 8 y 9 de Octubre de 2015 de 09 a 13 hs. en el Teatro San Martín: Avenida Corrientes 1530.
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