MAMBA - El tesoro del Museo Picasso de Paris en Buenos Aires. Por Mariela Paesani

        Ver el paso del tiempo sobre los dibujos. Los bordes irregulares de los originales y hasta con pequeñísimas roturas. Ver el papel ya en tonos sepia y los recortes de diario de los collages amarillentos. Descubrir el dibujo en lápiz de una sola línea, o los trazos del grueso grafito y hasta algunos borrones. Ver originales de Picasso, no es lo único importante. El valor de esta muestra reside en que se trata de una selección de dibujos de la única colección pública en el mundo que abarca la totalidad de la producción de Picasso, con un patrimonio de más de 5000 obras, entre ellas pinturas, esculturas, dibujos, grabados y documentos. Y por otra parte, revela una manera diferente de pensar las etapas por las que transitó a lo largo de su productiva vida.

    La exposición Pablo Picasso: Más Allá de la semejanza, del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) presenta 74 dibujos o bocetos, elaborados por el artista desde los 16 años hasta su muerte, del patrimonio del Museo Nacional Picasso de París. La muestra curada por la directora del MAMBA, Victoria Noorthoorn, y por Emilia Philippot del museo francés como curadora asociada, está planteada de una manera cronológica y permite comprobar la importancia que el pintor malagueño le concedía al dibujo como lugar de experimentación y exploración.

Werner Bischof: precisión suiza y mirada sensible - por Mariela Paesani

 

        Miradas. Miradas ocultas, cómplices, perdidas… y muchas tomas con las personas de espaldas o distraídos en sus actividades. En la muestra de Werner Bischof, un fotógrafo considerado artista de culto y de fama mundial, llama la atención las miradas de los retratados. Se puede pensar que el suizo usa lentes potentes para pasar desapercibido y registrar de lejos, y que, en un sentido metafórico, roba las imágenes.

       Las fotografías que presenta el Museo Isaac Fernández Blanco en la exposición “Fotografías de América – Werner Bischof” muestran el viaje último e interior que emprendió el suizo por México, Panamá, Perú y Chile. Cansado del fotoperiodismo y después de registrar el mundo de la posguerra, a los 37 años emprende este proyecto en donde también encontró trágicamente la muerte en un accidente, en la cordillera de los Andes.

       Bischof retrata niños: niños hablando y de espaldas, niños observando unas fotos de corridas de toros, niños jugando en la vereda con un camión de madera, niños que viajan colgados en la parte trasera de un tranvía, niños, niños. Quizás lo haga pensando en su segundo hijo por el cual su esposa Rosellina debió dejar de acompañarlo en el viaje para dar a luz. O quizás no, tal vez sea por pura sensibilidad y estética. Como escribe su amigo, el fotógrafo Eugene Harris, “No olvidaré jamás un consejo que me dio: Fotografía con tu corazón”.

Museo Sivori: Igualdad y diversidad en el arte argentino - por Mariela Paesani

       ¿Qué tienen en común el paisaje  de la “Pampa” que Eduardo Sívori pintó en 1902 con el cuadro hecho con recortes de diarios “Nosotros no sabíamos”  (1976-87) de León Ferrari? En qué pueden coincidir el colorido retrato “Por mis pueblos” (1927) de Alfredo Gramajo Gutiérrez con el telar “El vuelo” (2005) realizado por Silvia Millet con hierro, algodón y boletos de subte, en una representación evidente de los vuelos de la muerte de la última dictadura? ¿Cuál es el hilo conductor que recorre tan diferentes artistas como Pío Collivadino, Antonio Berni, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Alfredo Gramajo, Luis Felipe Noé, Pablo Suarez y  Norberto Gómez nombrando solamente unos pocos, con tan variadas técnicas: pinturas, dibujos, esculturas, xilografías, litografías, collages, esgrafiados y telares? El Museo Sivori pretende responder estas preguntas que se plantea el visitante de la exposición “Representaciones de identidades en tensión”, curada por Graciela Limardo y Silvia Marrube. Una muestra extensa y rica, pero que  resulta confusa de seguir - tal vez por la cantidad de obras que propone y los pocos carteles explicativos-  y en donde se relaciona de una manera muy cercana la crueldad con la belleza.

Buenos Aires - Palais de Glace - Julio Lavallen: Un murmullo de colores - por Mariela Paesani

Entre la explosión del color del fauvismo y la pincelada evidente de los autorretratos de Van Gogh, entre las manchas y salpicaduras del arte abstracto y la expresión más acabada del personaje, se  pueden  encontrar los seis retratos  que Julio Lavallen expone en el Palais de Glace.

En la muestra Retrato Tratado/Dar la Cara: Pinturas sonoras, Lavallen presenta los rostros de Carlos Alonso, Carlos Gorriarena y Luis Felipe Noé, pintados en España en 1998 y Hermenegildo Sabat, Roberto Fontanarrosa e Isabel Sarli creados en Buenos Aires diez años después. Cada obra está acompañada por la voz del personaje con la idea de generar un clima de mayor cercanía al espectador. Aunque las grabaciones de las entrevistas a los protagonistas se escuchan muy tenues para entender lo que hablan y  generan  un confuso  murmullo. 

Museo Thyssen-Bornemisza - Madrid: 76 obras de Renoir

 

        El Museo Thyssen de Madrid reúne 76 obras de uno de los impresionistas más populares en una gran monográfica que reivindica su complejidad.
        Pierre Auguste Renoir (Limoges, 1841- Cagnes-sur-Mer, 1919) es el pintor más popular entre los impresionistas, el movimiento más conocido de la historia del arte. Sin embargo, más allá de media docena de obras míticas, es también el más desconocido, además del más criticado e incomprendido por sectores intelectuales que quizá confunden el gozo que desprenden sus cuadros con la facilidad y la simpleza. Pero la obra del artista francés va mucho más allá de sus desnudos o sus escenas campestres y festivas, tal como se puede ver en la gran retrospectiva de 76 obras titulada Intimidad que hasta el 22 de enero se puede ver en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid). La exposición, patrocinada por Japan Tobacco International (JTI) y con préstamos de varios países, estará en el Bellas Artes de Bilbao el 7 de febrero.
         Guillermo Solana, director artístico del museo y comisario de la exposiciónrecuerda que el Thyssen ha dedicado ya exposiciones monográficas a casi todas las figuras esenciales del impresionismo. “En apariencia, Renoir es el más fácil de todos ellos, pero en realidad es el más difícil y complejo. Creo que por eso lo hemos ido dejando para el final. Se escapa a todo patrón y es anticonceptual. Los intelectuales le han despreciado, pero ese desprecio era mutuo. Renoir, un hombre muy directo, opinaba públicamente que los intelectuales eran unos tarados incapacitados para el disfrute de los sentidos”.

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Mark Rothko (Letonia 1903 - New York 1970)

      El arte es una aventura que nos lleva aun mundo desconocido... Nuestra tarea como artistas es hacer que la gente vea el mundo tal como lo vemos nosotros. Mark Rothko (1903 -1970)

Buenos Aires - Festival y Mundial de Tango 2016

 

Se está realizando en la ciudad de Buenos Aires la edicion 2016 del Festival Mundial de Tango  hasta el 31 de agosto
El Campeonato Mundial de Baile de Tango es una competencia internacional entre bailarines de tango que se realiza anualmente desde 2003, durante el mes de agosto, en Buenos Aires, Argentina. Se compite en dos categorías: tango escenario y tango de pista. El campeonato se realiza en el marco del evento Tango Buenos Aires Festival y Mundial.
Los bailarines representan ciudades o países y pueden inscribirse gratuitamente y sin ninguna exigencia de profesionalismo. El reglamento no establece ninguna restricción referida al género de los bailarines y bailarinas, ni en la composición de las parejas. La competencia consta de tres etapas: clasificatoria, semifinales y la final.

Catedral de Notre Dame, la mejor representación del Estilo Gótico

 

Francia alberga una de las catedrales más hermosas e imponentes del mundo, La Catedral de Notre Dame, uno de los edificios más señoriales e icónicos que se construyeron en estilo gótico. Millones de personas viajan hasta aquí para poder apreciarla de cerca.
Creada para rendir honor a la Virgen María, madre de Jesucristo, se encuentra ubicada en la pequeña isla de la Cité; rodeada por el río Sena en París.
Debido a la Revolución Francesa la catedral sufrió considerables deterioros, lo que obligó a realizar grandes restauraciones, las cuales además de reconstruir gran parte de la escultura perdida,  modificaron y añadieron diversas partes, siendo la más destacada la célebre aguja del cimborrio.
Posteriormente se dieron otros acontecimientos que causaron nuevamente un deterioro de la misma, en una oportunidad trataron de incendiarla, debido a todo esto, en 1991 se volvió a trabajar en su restauración, con un margen de tiempo para culminarla de 10 años.
En ella se han realizado acontecimientos importantes como la coronación de Napoleón Bonaparte, la beatificación de Juana de Arco y la coronación de Enrique VI de Inglaterra.
Notre Dame está conformado por dos torres de 69 metros, accediendo a la parte superior de ellas las personas, además de poder apreciar la hermosa vista de la ciudad, podrán conocer el famoso campanario donde vivió el mítico jorobado de Notre Dame, de igual forma podrán ver las distintas gárgolas del lugar.
Entre los tesoros de la catedral que pueden apreciarse están el mobiliario, la vestimenta y objetos relacionados con la Liturgia, algunos de ellos son considerados verdaderas obras de arte de los siglos XVII y XVIII.
La cripta arqueológica es otra de las grandes atracciones de Notre Dame, descubierta durante las excavaciones realizadas en 1965, aunque no se encuentra bajo la Catedral, sino más bien en la Plaza de Notre Dame.
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Museo Guggenheim Bilbao: Panoramas de la ciudad: la Escuela de París, 1900–1945

 

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Panoramas de la ciudad: la Escuela de París, 1900–1945, una exposición integrada por más de 50 obras maestras procedentes de la Colección del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, que podrá contemplarse hasta el 23 de octubre de 2016. Esta es la primera de las muestras que se enmarcan dentro de la renovación del Acuerdo de Gestión con la Solomon R. Guggenheim Foundation (SRGF). Entre las iniciativas que  refuerzan esta asociación se encuentra el compromiso del Solomon R. Guggenheim Museum de presentar en el  Museo Guggenheim Bilbao una exposición con obras clave de su Colección cada dos años.
A comienzos del siglo XX, París era la capital de la vanguardia. Artistas llegados de todo el mundo se asentaron en la Ciudad de la Luz, donde crearon nuevas formas de arte y literatura, y reaccionaron ante el rápido desarrollo económico, social y tecnológico que estaba cambiando profundamente la vida urbana. Fue en París donde Picasso y Georges Braque transformaron radicalmente las convenciones de la pintura, Robert Delaunay creó sus armoniosas composiciones de color, Vasily Kandinsky abrió nuevos caminos en la abstracción y Constantin Brancusi reinventó el modo de presentar la escultura en el espacio. La exposición Panoramas de la ciudad, curada por Lauren Hikson, Curadora Adjunta de Colecciones del Solomon R. Guggenheim Museum, reúne una selección de obras maestras de sus fondos, ofreciendo un recorrido apasionante por este momento de efusión creativa, a través de algunas de las pinturas y esculturas más importantes del siglo pasado, que continúan ejerciendo su influencia en el arte actual. Abarcando un período comprendido entre los comienzos del siglo XX y la Segunda Guerra Mundial, la muestra se centra en los movimientos fundamentales del arte moderno —desde el Cubismo hasta el Orfismo y el Surrealismo— y en los artistas englobados en la Escuela de París (École de Paris). Las diversas visiones artísticas que presenta la muestra manifiestan el impulso común de romper con estéticas conservadoras y transformar la percepción de la vida cotidiana en la ciudad moderna.
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Kigali - Ruanda - África - La Bauhaus africana y la arquitectura que viene

 

Christian Benimana, arquitecto ruandés, tuvo que trasladarse a Shangai, China, para poder cursar sus estudios en arquitectura. La falta de facultades con estudios de diseño urbano adecuados a los retos que vive hoy el continente, fue lo que lo hizo migrar en busca de una formación. Después de licenciarse, en 2008, quiso volver a Kigali, donde se encontró con problemas como el desalojo de tierras para la inversión inmobiliaria, que se estaban reproduciendo en toda la ciudad. Así que decidió unirse al colectivo de arquitectos de MASS, un grupo de diseño que nació en 2010 y que está cambiando el rumbo de la arquitectura en África. Desde entonces se ha convertido en uno de los arquitectos más reconocidos de todo el continente, por su esfuerzo en poner la arquitectura al servicio de la necesidades humanas.
“Precisamente por esto hemos creado una escuela. La Bauhaus nació en Alemania en un momento de auge económico con el objetivo de demostrar que con el diseño podemos mejorar la vida de las personas. El African Design Center se asemeja a la Bauhaus en la idea de que con el diseño se pueden transformar vidas“, dice sobre esta nueva escuela que nace en Kigali, conocida como la “Singapur de África”. “Si no aprovechamos el poder del diseño para generar un impacto duradero, el crecimiento poblacional del continente nos llevará directamente a la fatalidad“, advierte Benimana.
El African Design Center, o la Bauhaus Africana, como le gusta llamarla a Christian es un centro de investigación y formación que nace con la idea de poner la investigación en el centro del debate y antes de cualquier tipo de construcción. Situada en la capital de Ruanda, Kigali, la escuela emerge con la intención de encontrar soluciones a problemas habitacionales como el acceso a la vivienda asequible que afectan a la población local.

Madrid - Museo Thyssen-Bornemisza - Caillebotte: Pintor y jardinero

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en colaboración con el Musée des Impresionnismes Giverny esta exposición dedicada al artista Gustave Caillebotte (París, 1848 - Petit Gennevilliers, 1894), una de las figuras menos conocidas y a la vez más originales del movimiento impresionista. Caillebotte, pintor y jardinero muestra la evolución temática y estilística del pintor francés, desde sus inicios en el París moderno de Haussmann hasta su pintura de jardines, que ocupará una parte muy importante de su producción artística.
Curada por Marina Ferretti, directora de Exposiciones e Investigación del Musée des Impresionnismes Giverny, la muestra presenta un total de 64 obras procedentes de colecciones privadas y museos internacionales como el Marmottan Monet de París, el Brooklyn Museum de Nueva York y la National Gallery of Art de Washington D.C, divididas en cuatro etapas vitales: El París de Haussmann, un universo mineral; Vacaciones en Yerres; El Sena y los viajes a Normandía y El jardín de Petit Gennevilliers.
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#Rio16 - El pebetero olímpico: una fascinante escultura cinética de Anthony Howe

 

El espectacular pebetero de los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro 2016 es obra de Anthony Howe, un escultor norteamericano conocido por sus trabajos de esculturas cinéticas.

Muchas de sus obras pueden considerarse casi precursoras del pebetero, con el que comparten ciertas características, aunque la obra olímpica tiene un tamaño y un mecanismo aparentemente mucho más grande y elaborado.
Howe trabaja en su estudio en la Isla de las Orcas, entre Seattle (Estados Unidos) y Vancouver (Canadá). El precio de sus trabajos –no acepta encargos– comienza a partir de los 250.000 dólares, cifra que sin duda se incrementará ahora que ha realizado un trabajo tan prestigioso.
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Marilyn - Museo de la moda - Santiago de Chile

                                       
     A 90 años del nacimiento y con la más grande muestra sobre Marilyn Monroe que se haya realizado en Chile, se exhiben más de 200 artículos de la colección del Museo de la Moda, entre objetos personales, libros, discos, reconocimientos, adornos de su casa y, tambien trajes emblemáticos.
      La exhibición da cuenta del éxito de Marilyn Monroe en los medios y por ende en la audiencia, siendo rostro de tapas de revistas, afiches y calendarios, causando gran fervor entre sus fans, que le escribían cartas sin parar.

     Con esta exposición se muestra una Marilyn Monroe que la gente no está acostumbrada a ver; sus constantes ganas de aprender y estudiar, su inquietud intelectual, su desarrollo cultural y su sencillez en la intimidad de su hogar.
     “Marilyn” también muestra algunos vestidos icónicos, como el de terciopelo de seda rojo, modelo sirena, strapless, que la actriz usó en 1956 para asistir al estreno de la obra de teatro “Panorama desde el puente”, de Arthur Miller, quien entonces era su marido. Así como los que utilizó en películas que protagonizó, entre ellas Vidas rebeldes (1961), Los hombres las prefieren rubias (1953), Niágara (1953) y La comezón del séptimo año (1957).

Fue descubierto un cuaderno de bocetos de Van Gogh

       La editorial francesa Seuil anunció el descubrimiento de un cuaderno de bocetos del pintor holandés Vicent Van Gogh, que será publicado simultánea en varios países el próximo mes de noviembre. "El cuaderno de dibujos inéditos solo es conocido por su propietario, por el editor y por mí", explicó Bernard Comment, responsable de la edición de la obra, que llevará el título Vincent Van Gogh, Le brouillard d'Arles, carnet retrouvé (Vicent Van Gogh, la niebla de Arles, cuaderno encontrado). "Es increíble, brillante", dijo.
       El origen de este libro, el número de dibujos, la paginación del libro o su precio no ha sido especificado. Se trata de un libro excepcional que "se presentará simultáneamente en noviembre en Francia, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Países Bajos y  Japón y, más tarde, en otros países", agregó el editor."
       Explicó que el cuaderno contiene más de una decena de dibujos y también que hubo un gran trabajo científico "para certificar que se trataba de un libro de Van Gogh".
      Por su parte, el Museo Van Gogh de Ámsterdam y el Museo de Orsay, de París, rehusaron pronunciarse sobre la dimensión de este hallazgo. 

         Van Gogh, con problemas de alcoholismo y enfermedades mentales, se suicidó a los 37 años en julio de 1890, pobre y desconocido. Su obra ha sido encumbrada posteriormente. Retrato del doctor Gachet (1890) alcanzó los 82,5 millones de dólares (unos 74 millones de euros) en una subasta en Nueva York en 1990. Por otra parte, respecto a sus dibujos, se conocen cerca de un millar.

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MNBA Buenos Aires - Orozco, Rivera y Siqueiros: La exposición pendiente y La conexión sur

        

        El Museo Nacional de Bellas Artes presenta, por primera vez en la Argentina, una exposición de los grandes maestros mexicanos José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, integrada por obras provenientes de uno de los acervos más importantes de Latinoamérica: la colección del Museo de Arte Carrillo Gil, de México.
         La muestra se despliega en dos grandes núcleos: “La exposición pendiente”, del curador del Museo de Arte Carrillo Gil, Carlos Palacios, y “La conexión sur”, a cargo de Cristina Rossi. En el primero, se expone una selección de 76 obras que formaron parte de “Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura mexicana”, la muestra organizada por el museógrafo mexicano Fernando Gamboa que debió inaugurarse en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile el 13 de septiembre de 1973, y que, dos días antes de su apertura al público, fue cancelada por el golpe militar de Augusto Pinochet. Embaladas nuevamente, las piezas fueron depositadas en el museo, que se suponía un lugar seguro, pero el 15 de septiembre el edificio fue ametrallado por cuatro tanques del ejército. Milagrosamente, las obras no sufrieron daños y gracias a la eficaz gestión de Gamboa, el 26 de septiembre pudieron regresar a México.
         Luego de la reanudación de las relaciones diplomáticas entre México y Chile en 1990, hubo varios intentos para llevar a cabo la muestra. Finalmente, el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile presentó “La exposición pendiente” entre noviembre de 2015 y febrero de 2016, con la curaduría de Palacios, quien realizó un nuevo armado de la muestra original, compuesto por setenta y seis obras.
         Este primer núcleo abarca un período histórico que recorre desde las primeras décadas del siglo XX hasta 1973, cuando el quiebre del sistema democrático chileno impidió la presentación de la muestra e imprimió este episodio sobre las obras de la Colección Carrillo Gil. Además, en Buenos Aires, se organiza en cuatro momentos, que abordan las diferentes interpretaciones sobre el retrato, los horrores de la guerra, la mirada social y las experiencias muralistas.
Del 3 de mayo al 7 de agosto de 2016, en el Museo Nacional de Bellas Artes

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Impresionismo - La donación de Gustave Caillebotte

       

       En  1874 Gustave Caillebotte recibe una herencia que le permite no tener que vivir de la venta de susu obras. Comienza a compara obras de algunos de sus compañeros impreionistas: Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne y Degas. No compra obras de otros artistas como Seurat, Gauguin o Morisot. 

       Escribe en su testamento en 1876 donando su coleccion al gobierno francés. Estipula en el testamento que las obras de su coleccion deben exponerse en el Palacio de Luxemburgo y luego en el Museo del Loyvre. 

       Caillebote muere en el invierno de 1894 a los 45 añso de edad. La Academia de Bellas Artes protesta oficialment en contra la entrada de esas obras en el Museo de Luxemburgo. Jean-Leon Gérome, máximo exponente del  academicismo, escribe en el Journal des Artistes: 

       "Estamos en un siglo de decadencia e imbecilidad. Se necesita una gran desvergüenza moral para que el Estado haya aceptado esta montaña de basura". El gobierno francés hace una seleccion de algunas de las obras de la coleccion: del total, 67, rechaza 29. Sólo 38 serán las afortunadas  que se expondrían en los rincones más alejados del Museo de Luxemburgo recién en 1987.

Bologna - Palacio Fava - Edward Hopper

       Óleos, acuarelas, carbonillas y tizas de la Nueva York de Edward Hopper, uno de los pintores más influyentes del siglo XX  y  famoso por sus retratos de la soledad en la vida norteamericana contemporánea.

La exposición da cuenta de todo el período de producción de Edward Hopper, acuarelas de paisajes parisinos y retratos de ciudadanos de los años 50 y 60, a través de aproximadamente 60 obras. 

       Incluye también  las famosas Mañana en Carolina del Sur (1955), Luz del sol en el segundo piso (1960), Nueva York Interior (1921), Tienda de vinos o Le Bistró (1909), Verano interior  (1909),  y otros estudios  interesantes (como el estudio de Girlie Show 1941) que celebra la mano de Hopper, un excelente diseñador. Constituye una ruta a través de su producción y todas las técnicas de un artista ya un clásico de la pintura del siglo XX.

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Barcelona - La Fundación Joan Miró renueva su exposicion permanente

         Como culminación de su 40 aniversario, la Fundación Joan Miró actualiza su exposición permanente para ofrecer una aproximación poliédrica al artista. El visitante descubrirá la complejidad creativa de su obra, que, partiendo de un fuerte vínculo con sus orígenes, deviene universal.
         La colección se enriquece con la incorporación de nuevos depósitos de obra procedentes principalmente de la familia Miró, la integración de la colección Kazumasa Katsuta, hasta ahora alojada en una sala específica, y la recuperación de algunas piezas clave de los fondos de la Fundació, como los trípticos Pintura sobre fondo blanco para la celda de un solitario (1968) y La esperanza del condenado a muerte (1974), o la Serie Barcelona, entre otras novedades. La muestra incluye un total de 150 obras y se presenta en ocho ámbitos que recogen los aspectos que marcaron la investigación creativa del artista. Cierra la muestra una nueva sala multimedia que profundiza en el universo mironiano mediante un mural en forma de constelación conceptual.
          La exposición ocupa una superficie de 1.558 m2 y se ubica en las salas que Joan Miró y el arquitecto Josep Lluís Sert proyectaron para acoger la colección, ampliadas en 1988 por Jaume Freixa. El planteamiento potencia el diálogo único entre arte, arquitectura y paisaje que caracteriza la Fundación.

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Londres: remodelan la Tate Modern Gallery

           La Tate Modern de Londres, el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo, abrirá las puertas de sus nuevas instalaciones el próximo 17 de junio, con un 60 % más de espacio y una presentación innovadora de sus colecciones. El director del grupo Tate, Nicholas Serota, señaló que "la nueva" Tate Modern es un instrumento que permite "ofrecer una rica variedad de experiencias" a sus visitantes, y a los artistas "la oportunidad" de mostrar sus creaciones de "diferente manera".

           Con la renovación, el museo, que recibe cada año a 5 millones de visitantes, se convertirá en el edificio cultural más importante del Reino Unido de los últimos 20 años
          El museo, cuya remodelación ha costado 260 millones de libras (327 millones de euros) exhibirá las creaciones de más de 250 artistas de cerca de 50 países. En la exposición se mostrará la evolución del modernismo, desde los salones en los que nació, hasta los proyectos y espectáculos en vivo que interactúan con la sociedad actual.

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Buenos Aires. El MAMBA cumplió 60 años

        El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) cumplió 60 años y decidió celebrarlo con un extenso cronograma de actividades que incluyó la participación de artistas, historiadores, intelectuales y, especialmente, del público.
       Bajo el lema “El Museo soy yo”, a lo largo de 2016 ofrecerá una programación especial, tanto dentro como fuera de sus puertas, que se sumará a su agenda tradicional. Esta “casa de los artistas” fue fundada en 1956 por Rafael Squirru, su primer director, quien acompañó a los artistas de su tiempo abriendo puertas para el desarrollo de la cultura argentina tanto en el país como en el exterior.
        A lo largo del año, la institución organizará un programa de actividades que tendrán lugar tanto dentro de su edificio como en diferentes espacios de Buenos Aires, con el fin de rememorar diversas acciones que se realizaron a lo largo de su historia y debatir sobre la actualidad del arte y el rol de los museos en la Argentina y el mundo.
       La programación incluye intervenciones en el espacio público, acciones con artistas jóvenes, conciertos al aire libre y en instituciones que antiguamente fueron sedes del espacio –como el Museo Sívori-; campañas de comunicación en la vía pública para acercar las obras del patrimonio al público general y programas abiertos a la comunidad.
       También se realizarán cursos y jornadas con intelectuales de diferentes campos para reflexionar sobre el pasado, presente y futuro del Moderno.
Las actividades con motivo del aniversario contó con un acto inaugural el sábado 23 de abril con una actividad titulada "El Museo soy Yo". Allí, durante toda la tarde, 60 artistas dibujaron el Museo del futuro. 

Edouard León Cortés (1882-1969): El poeta de la pintura parisina

        Edouard León Cortés fue un artista francés de ascendencia española, considerado impresionista del SXX.  Se le conoce como "Le Parisien Poete de la Peinture" o "el poeta de la pintura parisina" debido a que prácticamente la totalidad de su producción fueron escenas desarrolladas en paisajes urbanos de París, en todas sus variantes, de luz del día, condiciones climatológicas y estaciones del año.

Alma Tadema por Rosemary Barrow

 

     "En la medida en que podemos suponerlo, no existe gran diferencia entre los antiguos y modernos. Tal es la verdad que siempre me he esforzado por expresar en mis cuadros: que los antiguos romanos, al igual que nosotros, eran seres humanos de carne y hueso movidos por las mismas pasiones y emociones". Así se expresaba Alma-Tadema en 1899. En éstos últimos tiempos, en que su obra fue olvidada, los historiadores y críticos han utilizado esta reflexion para apoyar la idea de que en las representaciones del mund antiguo de Alma-Tadema no vemos sino "victorianos con toga". Y es que , la percepcion de la antiguedad dice mucho sobre la época en la que se inscribe dicha percepción. Solo los impresionistas franceses, sus propios contemporáneos y máximos opositores, fueron capaces de salir de la encrucijada. Rosemary Barrow, 2004.

Buenos Aires - Palais de Glace -“El costo humano de los agrotóxicos", fotografías que proponen "abrir los ojos"

 

  "Que el que venga a verla se vaya con los ojos abiertos" es el proposito que se ha trazado el fotoperiodista Pablo Piovano para su primera muestra individual en el país enel Palais de Glace y está dedicada a su ensayo " El costo humano de los agrotóxicos"
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Africa en el British Museum - Londres

        

        El British Museum está lleno de arte procedente de África: una de sus más atractivas y famosas colecciones es la del Antiguo Egipto, la más importante después del Museo Egipcio del Cairo. Lo más destacado de la historia egipcia expuesto a unos 5.000 kilómetros de su tierra originaria incluyendo el busto de Ramsés II y el mismísimo sarcófago de Cleopatra.

Los desnudos de Degas - Lucian Freud

          “Se puede decir con seguridad que en los dibujos  y pasteles de Degas las figuras están sin ropa, pero no denudas. Es decir, no son desnudos, sino retratos de mujeres sin ropa,  que es muy distinto.  Las mujeres que representó  son individualidades, con sus particularidades y sus actitudes diferenciales bien claras. No son iguales unas a otras. Creo que me copié de él. No recuerdo cuándo. En mis trabajos trato de lograr lo mismo. Entiendo al desnudo como un retrato entero, aunque no se le vea el rostro, tal cual lo hacía Degás” Lucian  Freud 1822-2011

Edvard Munch: el arte de expresar la locura en el lienzo - Oslo

         Edvard Munch se caracterizó por expresar con sus pinceladas un alto contenido emocional en cada lienzo. Cuando paseaba por un sendero con dos amigos, el sol se puso, el cielo se tiñó de rojo sangre, y  agotado por haber caminado tanto, a punto de desfallecer, veía la sangre y las lenguas de fuego aparecer en el cielo azul oscuro por toda la ciudad. Sus amigos continuaron avanzando, él se quedó quieto, temblaba por la ansiedad y de pronto, sintió un grito infinito que atravesaba la naturaleza, no pudo hacer otra cosa que llegar a su estudio y plasmar esta emoción que desbordaba su ser.

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Andy Warhol - Guggenheim - Bilbao

           En el Museo Guggenheim Bilbao se pueden ver los 102 lienzos que componen la obra, en los que se revela la característica paleta warholiana, alegre en extremo y de tonos brillantes. El fondo de cada lienzo está pintado con una mopa de esponja, cuyos rastros y manchas aportan “gestualidad” al plano pictórico. Las Sombras fueron creadas utilizando siete u ocho pantallas, como evidencian las leves diferencias de escala de las zonas oscuras y la presencia de puntos de luz aleatorios. A lo largo de las paredes de la sala se alternan el positivo y el negativo de las “sombras”. 
           A pesar de su apariencia repetitiva, el “método mecánico” de Warhol es, en realidad, totalmente manual. Un hecho importante e interesante de las Sombras es la irreproductibilidad de su supuesta reproducción, un tema que pone en tela de juicio la estética del “plagio” de Warhol y define su proyecto como fundamentalmente pictórico. Lejos de ser una réplica, cada Sombra se corresponde con una forma que revela su espacio con precisión y rotundidad, dirigiendo la mirada del observador hacia la luz, que es el tema central de la serie. Al concentrarse en la sombra para concebir la luz (estallidos de color), Warhol regresa al problema fundamental del arte: la percepción.
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Joan Miró: Pintando Muros, Pintando Mundos - Schirn Kunsthalle de Frankfurt

                           

      Se está realizando en el Schirn Kunsthalle de Frankfurt la expopsición "Joan Miró: Pintando Muros, Pintando Mundos" que presenta un aspecto hasta ahora desconocido de la obra de Joan Miró.
       La exposición abarca más de medio siglo de la obra de Miró, comenzando con su pintura emblemática "La Masía / La Ferme" (1921-1922), continuando con sus pinturas oníricas icónicas de la década de 1920, su obra fundamental "Pintura (La magia de Color) / Peinture (la Magie de la couleur)" de 1930, sus obras y formatos de frisos pintados por motivos no convencionales en los años 40 y 50 y terminando con los últimos trabajos del artista, como el tríptico monumental "Azul I-III / Bleu I-III" (1961) y la extraordinaria "Pintura I-III / Peinture I-III"(27 de julio, 1973). 

     Reúne alrededor de 50 obras de importantes museos y colecciones públicas de todo el mundo, incluyendo el Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, la Galería Nacional de Arte, Washington DC, el Museo Reina Sofía de Madrid, y el Centro Pompidou, París, así como de importantes colecciones privadas, y tiene como objetivo presentar un nuevo acercamiento al arte de Miró. Del 26 de febrero al 12 junio de 2016

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"Early Stones" se exhibe en la Ciudad Cultural Konex de Buenos Aires.

    

     Se está realizando la muestra fotográfica  “Early Stones” que reúne una selección de fotografías de Michael Cooper (1941-1973), el artista británico que compartió momentos clave junto a los Rolling Stones en sus primeros años. Cooper prácticamente convivió con ellos durante su primera década de existencia y retrató muchas de sus imágenes más emblemáticas, se presenta en Ciudad Cultural Konex de la mano de su hijo, Adam, con materiales audiovisuales que completan una de las exposiciones más grandes sobre la banda que visitó la Argentina.
       Con más de 250 fotos tomadas por Cooper en la controvertida década del 60, la muestra permite adentrarse en los primeros años de una de las bandas de rock más famosas del mundo.

         Michael Cooper falleció en 1973 y actualmente es reconocido mundialmente por su trabajo dentro del mundo del rock de los años 60 y 70. Aunque su porfolio abarca alrededor 60 mil imágenes y en su mayoría pertenecen a Rolling Stones, hay gran cantidad de fotos suyas vinculadas con los Beatles.
         La muestra, que hace unos años se presentó en el Centro Cultural Borges, puede visitarse hasta el 31 de marzo, en Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131, CABA.  

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Londres - Royal Academy of Arts - Pintar el Jardín moderno: de Monet a Matisse

 

        En la Real Academia de Artes de Londres se realiza una muestra que examina la pintura de jardines tomando a Monet como punto de partida. Esta histórica exposición explora el papel jugado por los jardines en la evolución del arte, desde principios del decenio de 1860 hasta la década de 1920.

        Monet, sin duda el pintor más importante de jardines en la historia del arte, pero no era el único en su fascinación por el mundo hortícola, por eso se pueden observar obras de Renoir, Cézanne, Pissarro, Manet, Sargent, Kandinsky, Van Gogh, Matisse, Klimt y Klee. En esta muestra, la Real Academia presenta las pinturas de algunos de los artistas más importantes impresionista, postimpresionista y de vanguardia, desde principios del siglo XX. A estos artistas, el jardín les dio la libertad para abrir nuevos caminos y explorar el mundo siempre cambiante que los rodea; además abordaron este tema, hasta convertirlo en un género en sí mismo

          Luego de ser un exito en el Museo de Arte de Cleveland, co-organizador de la exposicion, esta muestra de cerca de doscientas pinturas se pueden disfrutar en las paredes de la Real Academia.

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Italia - El grupo Mondongo expone en el museo MAXXI de Roma

      

       El dúo de artistas argentinos Mondongo expone por primera vez en  Italia, una muestra basada en dos tópicos clásicos de la historia del arte: paisajes y calaveras, pero hechos en plastilina.
       El colectivo que protagonizan Juliana Laffitte (1974, Buenos Aires) y Manuel Mendanha (1976, Buenos Aires), conocidos entre otras creaciones por los retratos de la familia real española (2003), aterriza en Italia con su exposición "Paisajes".
       Quince paneles de paisajes confeccionados con plastilina sobre madera cubren los muros de una de las salas del museo MAXXI de Roma dedicada a esta muestra que refleja los ciclos naturales de la vida, la muerte y el rejuvenecimiento a través de la oscuridad de una cárcava, reflejos sobre el agua o el estuario pantanoso de un río.
       La muestra, que acoge el museo MAXXI de Roma hasta el próximo 15 de marzo, desembarca en Roma después del éxito cosechado en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en su Argentina natal, y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

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Madrid - El Prado exhibirá la mejor y mayor exposición del Bosco

        Con motivo del 500 aniversario de la muerte de El Bosco, el Museo del Prado realizara una importante exposicion que reunirá 65 obras del artista holandés. Esta presentación de lo que será, sin duda, todo un acontecimiento internacional en el mundo del arte comenzará en mayo de 2016 con el patrocinio de la Fundación BBVA,

       El Bosco (Holanda, 1450-1516) da para muchos adjetivos, no solo por su popularidad entre los amantes y no tan amantes de la pintura, o por su virtuosismo, sino también por las múltiples interpretaciones de sus enigmáticas y maravillosas obras, olvidadas durante siglos hasta que el psicoanálisis, el surrealismo, Dalí, en definitiva, la llegada de la modernidad del siglo XX recuperó y catapultó el reconocimiento del que había gozado en vida Jeroen van Aeken, más conocido como El Bosco (en España) o como Hieronymus Bosch, tal y como firmaba.

        Las obras seleccionadas pertenecen fundamentalmente al Prado y a otros museos como la Albertina y el Kunsthistorisches de Viena, la National Gallery de Washington, el Metropolitan de Nueva York o el Louvre de París.

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Lille - Retrospectiva de Amedeo Modigliani en el LaM - Amedeo Modigliani, l’œil intérieur

 

        En colaboracion con los museos estatales franceces, el Lille Metrópoli Museo de arte moderno, de arte contemporáneo y de arte marginal (LaM) esta realizando la exposicion Amedeo Modigliani, l’œil intérieur, una retrospectiva del pintor y escultor italiano. 

        Con más de 4800 obras de más de 4000 m², el LaM es el único museo en Europa que presenta simultáneamente los componentes principales del arte de los siglos XX y XXI. Amedeo Modigliani, l’œil intérieur podra visitarse hasta junio de 2016. 

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Guatemala - Managua - La marimba, Patrimonio Cultural de las Américas

 

        La capital de Guatemala celebró recientemente un homenaje a la marimba, instrumento de percusión al que los guatemaltecos dan el apelativo de "autóctono", ya que la Organización de los Estados Americanos (OEA) declaró a la marimba Patrimonio Cultural de las Américas. La marimba, sus cantos y danzas son expresiones musicales de descendencia africana.

       El evento contó con la participación de diferentes autoridades gubernamentales, como el ministro de Cultura y Deportes, José Luis Chea, quien afirmó durante su discurso que la marimba es "la espina dorsal" de Guatemala. Agregó que "cada nota de la marimba es una nota de identidad nacional".  

       La marimba es un instrumento que, a través de un teclado diatónico y cromático, ha escrito miles de páginas musicales en la historia de las armonías y las melodías de todo el mundo. No solo de Guatemala, pues este instrumento también es venerado en otros países de Centroamérica y Suramérica.
       El viceministro guatemalteco de Cultura, Maximiliano Araujo, señala que la marimba es un instrumento "versátil", que puede interpretar música clásica como contemporánea, y que a pesar de la evolución sufrida a lo largo del tiempo la esencia es la misma. "Sigue siendo identidad para nosotros", precisó.
       El Dato: La marimba está compuesta de unas 78 teclas, que al golpearlas con unas baquetas transmite el sonido a su correspondiente resonador de jícara, construido de bambú, madera o metal.
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Tiébélé - Burkina Faso - El pueblo Africano donde cada casa es una obra de arte

         Burkina Faso no es una zona frecuentada por los turistas, pero en la base de una colina con vista a la sabana de África occidental se encuentra un pueblo extraordinario. Un complejo de 1,2 hectáreas con arquitectura circular de tierra, intrincadamente bello. Es la residencia del jefe, la corte real y la nobleza de la gente Kassena, que colonizaron la región en el siglo 15, convirtiéndose en uno de los grupos étnicos más antiguos de Burkina Faso. Este pueblo es Tiébélé.      
         El pueblo se mantiene extremadamente aislado y cerrado a los extraños, muy probablemente para asegurar la conservación y la integridad de sus estructuras y de proteger las tradiciones locales.
         Una residencia real en el África no es lo que podríamos pensar en cuando imaginamos palacios reales. En Tiébélé, la corte real se compone de una serie de pequeñas estructuras de adobe, cubierto con pinturas de arcilla naturales, con patrones geométricos elaborados para diferenciarlas de las casas de la gente común.

 

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