martes, 25 de junio de 2019

Buenos Aires - Museo Nacional de Bellas Artes - Figari: mito y creación


 
Figari: mito y creación es una exposición que reúne una treintena de pinturas del artista uruguayo Pedro Figari (Montevideo, 1861-1938), quien inauguró por primera vez una muestra en Buenos Aires a la edad de sesenta años.
El programa pictórico de Figari se centró entonces en la evocación de lo que llamó “la leyenda del Río de la Plata”: una pintura memoriosa y fantástica a la vez, que recrea en épocas coloniales los patios y saraos de las clases patricias, las danzas criollas de los gauchos y las chinas, los candombes “pura uva” de los negros esclavos y libertos. En esta revisión del pasaje a la modernidad, sus personajes predilectos son los anónimos protagonistas de una gesta mínima y cotidiana, figuras a menudo escamoteadas en los manuales de Historia.
La facultad del artista uruguayo en tanto mitógrafo no quedó sujeta, sin embargo, a ese proyecto, de por sí bastante ambicioso, y por el cual se hizo célebre primero en la Argentina, y luego en Francia y el mundo entero.
Inquieto, exuberante, imprevisto, Figari creó con sus pinceles una serie de motivos que lo ayudaron a reflexionar, con humor, precisión y hondura, sobre las múltiples facetas de la condición humana. De este modo, concibió series pictóricas que abarcan desde la vida primaria del hombre de las cavernas hasta paisajes señoriales de Venecia, pasando por corridas de toros, crímenes pasionales, procesiones religiosas y jugadores de bochas, entre otras. Figari: mito y creación explora, junto con las pinturas emblemáticas de su producción, otras menos conocidas por el gran público, pero henchidas por igual con la imaginación del gran fabulador que fue don Pedro Figari.
Por Pablo Thiago Rocca - Director del Museo Figari-


         Del 29 de Junio de 2019 al 15 de Septiembre de 2019
·         Salas 32 y 33, primer piso
·         38 obras expuestas

viernes, 31 de mayo de 2019

Museo del Prado - Madrid - Fra Angélico y el ascenso del Renacimiento florentino


FUENTE
               Fra Angelico y el ascenso del Renacimiento florentino, una exposición patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado, analiza la importancia artística del Renacimiento florentino temprano entre aproximadamente 1420 y 1430, con un enfoque particular en la figura de Fra Angelico, uno de los grandes maestros de este período.
               La exposición, que incluye 82 obras prestadas por más de 40 instituciones en Europa y América, se centra en La Anunciación en la colección del Museo del Prado, que ahora se presenta en todo su esplendor después de su reciente restauración. Junto a él se encuentran La Virgen de la Granada , que recientemente ingresó en la colección del Museo, y un extenso grupo de obras del artista y de otros pintores de este período como Masaccio, Masolino y Filippo Lippi, así como escultores como Donatello y Ghiberti.
               Comisariada por Carl Brandon Strehlke, curador emérito del Museo de Arte de Filadelfia y experto reconocido en Fra Angelico y otros pintores del Renacimiento florentino, la exposición se exhibe en las salas C y D del edificio Jerónimos hasta el 15 de septiembre.
               Fra Angelico se formó como pintor en Florencia, donde los encargos públicos de escultura y arquitectura realizados por Brunelleschi, Donatello y Ghiberti llevaron a un renovado interés en la antigüedad clásica como fuente de inspiración. Aunque era aprendiz en el estudio del monje benedictino Lorenzo Monaco, que cultivaba un estilo gótico refinado y elegante, Fra Angelico se comprometió por completo con el nuevo lenguaje artístico y, como su maestro, entró en una casa religiosa, San Domenico en Fiesole. donde tomó órdenes religiosas. Su condición de monje no le impidió colaborar con otros artistas o dirigir un gran taller que proporcionó pinturas tanto para iglesias como para patrones importantes en la ciudad y en otros lugares.
               Entre los retablos pintados por el artista para su propio monasterio estaba La Anunciación ahora en el Museo del Prado y la pieza central de la presente exposición. En esa obra, Fra Angelico revela su participación activa en el renacimiento de las artes que se estaba desarrollando en Florencia, dado que junto con el joven Masaccio formuló una nueva forma de ver que dominaría el arte occidental hasta la era moderna.
               La Anunciación, que data de mediados de la década de 1420, es el primer retablo florentino de estilo renacentista que utiliza la perspectiva para organizar el espacio y en el que se abandona la arcada gótica en favor de una estructura más ortogonal, siguiendo los preceptos preferidos por Brunelleschi. Debido a su condición de monje, las habilidades de Fra Angelico en la representación de la luz, el espacio, la perspectiva y la narrativa a menudo se han visto eclipsadas por sus méritos como pintor teológico.
               La Anunciación llegó a España en 1611 y probablemente fue la primera obra del artista que abandonó Italia, mientras que La Virgen de la Granada fue adquirida en 1817 por el 1er Duque de Alba en un momento en que la importancia del temprano Renacimiento florentino estaba siendo redescubierto Dos relatos se superponen así en la exposición: Florencia vista por Fra Angelico y Fra Angelico vista a través de los ojos españoles.

Curador:
Carl Brandon Strehlke (Curador Emérito, Museo de Arte de Filadelfia)

jueves, 30 de mayo de 2019

Buenos Aires - MAMBA - Flavia Da Rin - Quién es esa chica?


 

Flavia Da Rin comenzó a desarrollar su obra en la época del cambio de milenio, un momento de efervescencia tecnológica en el que la realidad virtual, los chats, las selfies y los avatares empezaban a dinamizar la manera de pensar la identidad y las formas de representación de uno mismo, volviéndolas un sistema mucho más fluido y mutable que en el siglo anterior.

Por medio de la manipulación y del retoque digital, Da Rin fusiona autorretratos con escenas complejas, cargadas de expresividad. Con estas herramientas, la artista transita diversos temas a lo largo de veinte años de carrera y se pone en la piel de numerosos personajes. En una característica serie producida entre 2004 y 2007, con los ojos gigantes, la piel tersa y el pelo brillante propios de la imagen publicitaria y del animé, investiga la representación de la feminidad y sus estereotipos sociales contemporáneos, por ejemplo la young girl (mujer adolescente o joven) como un modelo de consumidor exacerbado. Algunos años más tarde, en Sin título -Rapada (2009) evoca a la diva pop exprimida por el mercado; chicas que llegan a la cumbre tan rápido que se estrellan y, en un ataque nervioso, se cortan el pelo en un acto iconoclasta hacia sí mismas que no detiene el acoso de los paparazzis a la caza de su imagen.

martes, 23 de abril de 2019

23 de abril de 2019 - Día del Libro: por qué se celebra hoy


FUENTE

Una curiosa historia que incluye a Cervantes y Shakespeare generó que todos los 23 de abril se celebre el Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor. Guía de actividades


Día Mundial del Libro: no importa el formato, sino el contenido
Quiso lo fortuito, el destino, que dos fundadores de la literatura, tanto anglosajona como en español, como Shakespeare y Cervantes, murieran el mismo día. Quiso también que uno de los primeros grandes autores nacido en este continente, Inca Garcilaso de la Vega, diera su último respiro en aquella fecha: 23 de abril de 1616.
Y quiso -varios siglos después- que un librero español, Vicent Clavel Andrés, utilizara todos sus recursos, económicos y políticos, para que a la Cámara Oficial del libro de Barcelona aprobara el festejo de un Día del Libro. Y lo logró, allá por 1926.

miércoles, 17 de abril de 2019

Notre Dame - París

Hoy nos unimos en oracion al pueblo francés, mientras esperamos que el dolor por los graves daños se transforme en esperanza mediante la reconstruccion. Santa María, Nuestra Señora, ruega por nosotros.  Francisco

lunes, 15 de abril de 2019

Madrid - Museo del Prado - Tú, yo y Las meninas por 4.300 euros


Los grandes museos alivian sus cuentas con el alquiler de espacios para visitas privadas o eventos. En el Thyssen supone el 4% de su presupuesto y en el Reina Sofía, el 3%

 “Hace 20 años hablar de alquilar un espacio en un museo en España era un anatema. Afortunadamente, las cosas han cambiado mucho”. Miguel Zugaza, exdirector del Museo del Prado (2002-2017) y ahora al frente del Bellas Artes de Bilbao, tiene claro que la cesión de espacios públicos es una buena fórmula para incrementar los ingresos de estas instituciones siempre necesitadas de dinero, aumentar su difusión y conquistar nuevos públicos, siempre a puerta cerrada. Los hay que quieren conectar con su pintura favorita sin nadie que les distraiga y están dispuestos a pagar por ello, algo que en el caso del Museo del Prado cuesta 4.308 euros. Cantidad que una pareja rusa pagó el pasado 23 de diciembre, acompañada de un guía que ellos eligieron, para sentirse a sus anchas ante Las meninas, de Velázquez, o para poder admirar tranquilamente las increíbles criaturas que nacieron de la imaginación del Bosco en El jardín de las delicias.

Los grandes museos españoles llevan años acogiendo celebraciones de empresas, presentaciones de productos, congresos, cócteles, cenas, conciertos y visitas privadas cuando cierran sus puertas al público. Los precios dependen del lugar elegido, el número de asistentes y el tiempo de ocupación. El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, abierto en 1992, fue el primero en atreverse a hacer caja con los eventos en 1994, seis años más tarde le siguieron el Reina Sofía y el Bellas Artes de Bilbao, y en 2004 se sumó el Prado. También ceden sus espacios, entre otros, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac) o el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), cada uno con sus particularidades y sus reglas, aunque todos comparten una línea roja: nada de copas en las salas y las actividades propias son lo primero.

 Esta práctica, que en España no fue bien acogida, tiene muchos adeptos sobre todo en los Estados Unidos. “En el mundo anglosajón se organizan eventos privados en los museos desde los años cincuenta, en Nueva York comenzaron en el MoMA [Museum of Modern Art] y en el Metropolitan. Mientras que a Europa llegó más tarde, el Pompidou lo hace desde sus inicios [1977]. Aquí, en Barcelona en la Fundación Antoni Tàpies lo pusimos en marcha desde el principio, en 1990”, dice Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía.




“4.308 euros es el precio mínimo de una visita privada a las obras maestras de la colección, tanto si va una persona solo como si son 10. No es normal que lo reserven solo dos personas, pero además de la pareja rusa, también en enero vino una familia brasileña y quisieron estar solos”, explica Celia Guilarte, jefa de Relaciones Institucionales, Patrocinio y Cesión de Espacios del Museo del Prado. La pinacoteca recaudó el año pasado 773.757 euros por cesión de espacios, lo que supone el 1,66% de su presupuesto (casi 50 millones). La oferta que no se limita a un paseo a puerta cerrada por sus impresionantes salas, sino que puede incluir cenas o cócteles en el gran vestíbulo de los Jerónimos, en la sala de las Musas, rodeados por las ocho estatuas de mármol romanas que pertenecieron a la reina Cristina de Suecia, o en la galería Jónica. “Nosotros no organizamos bodas, ni banquetes. Siempre se trata de actos relacionados de alguna forma con nuestra actividad y los cócteles y cenas —que no están incluidos en nuestros precios y solo pueden contratarse con la empresa que tiene la concesión Sodexo Prestige— nunca se organizan en las salas del museo”, dice Guilarte. La tarifa más alta por estos servicios, visita privada para 700 personas, es de 37.192 euros.




El que más recauda por cesión de espacios es el Museo Reina Sofía de Madrid. Aunque con unos precios más bajos que el Prado, una visita privada de una hora a la colección para hasta 10 personas cuesta 1.200 euros. En 2017 el centro ingresó de esta manera 1.203.625 euros por un total de 98 eventos —el mejor dato de los últimos años—, lo que representó el 3,14% de su presupuesto ese ejercicio (38.330.072). En 2018 se celebraron más eventos, 100, pero se recaudó algo menos (958.450). Las actividades privadas, que se celebran los martes —día de cierre del museo—, antes de la apertura entre las nueve y las diez de la mañana o a partir de las 21.00, tienen que pasar siempre un filtro de idoneidad y el reputado centro de arte contemporáneo recibe cada vez más. En 2018 tuvo 1.369 peticiones, de las cuales solo se aprobaron un centenar.

“Hay una orden ministerial que regula las tasas de utilización de los espacios públicos. Los museos apuestan cada vez más por estas actividades para allegar fondos a sus presupuestos e incrementar su nivel de autofinanciación. El Reina Sofía lo hace desde 2000 y va en aumento. Por ejemplo, en enero y febrero de este año hemos reservado ya espacios para casi todo el año por un valor de 900.000 euros, con lo que esperamos superar los ingresos de 2017”, explica Cristina Juarranz, subdirectora gerente del Reina Sofía. El centro ofrece 11 espacios repartidos entre el edificio Sabatini y el Nouvel para celebrar eventos, el mayor es el Auditorio 400, con capacidad para 425 personas.

La responsable de Eventos Corporativos y Alquiler de Espacios del Thyssen, María Ruiz-Rivas, explica que en los últimos tres años los ingresos por cesión de espacios han oscilado entre 700.000 y 750.000 euros, lo que supone un 4,4% del total. "Todas nuestras tarifas son públicas y solo admitimos eventos corporativos, suelen ser bancos, bufetes de abogados, consultores... Una vez vinieron dos rusos, a través de una empresa que era su anfitriona, e hicieron una visita guiada que costó 4.000 euros, el mismo precio que si hubieran sido 50”, comenta.

“Nosotros ofrecemos un recorrido por la historia del arte occidental desde el siglo XIII al XX y tenemos distintos paseos por la colección en función de los intereses del grupo. Perseguimos crear un vínculo emocional con el espectador, que la visita sea un deleite para los sentidos”, añade Ruiz-Rivas, quien entre las muchas peticiones que tiene que rechazar recuerda la de un chico que quería pedir matrimonio a su novia a museo cerrado.

 



El Macba tiene un especial atractivo para las empresas deseosas de relacionar sus productos con la arquitectura de Richard Meier. “Empezamos a experimentar con la cesión de espacios en 1996, para rodajes publicitarios y hemos seguido haciéndolo. Ahora podemos ofrecer varios espacios para distintas actividades y visitas privadas para grupos de hasta 25 personas, con una copa de cava de bienvenida, por 2.400 euros”, apunta Gemma Romaguera, responsable de Concesiones y Gestión de Espacios.
“Desde que exhibimos una colección permanente, con obras significativas del arte europeo del siglo XX, están creciendo el número de peticiones, pero lo primero son las actividades propias y por eso no podemos atenderlas todas. El año pasado, por ejemplo, tuvimos 1.185 solicitudes y solo aprobamos 110”, añade Josep Maria Carreté, gerente del Macba. El museo barcelonés ingresó 578.584 euros en 2018, un 5,5% de su presupuesto.

Por el hall Chillida, el más amplio de los espacios que se alquilan en el Bellas Artes de Bilbao y que puede albergar hasta 400 personas, han pasado muchos y diferentes eventos durante los 20 años que la pinacoteca lleva usando este recurso como apoyo a su financiación. “Incluso una marca de productos de peluquería montó unas vitrinas de cristal, dentro de los cuales estaban peluqueros y modelos haciendo demostraciones”, comenta Saioa Elejoste, responsable de Eventos del museo que el año pasado recaudó 38.000 euros. Pero no todos los grandes museos abren sus puertas a los eventos privados. En Andalucía, por ejemplo, con centros tan espectaculares como el Bellas Artes de Sevilla o el Museo de Málaga, reabierto en una nueva sede en 2016, la Junta no permite estos usos. El CAAC de Sevilla supone una excepción porque ofrece una amplia programación musical en sus jardines en colaboración con empresas privadas, pero no cobra por el uso de sus instalaciones.

domingo, 14 de abril de 2019

Florence Henri y las olvidadas fotógrafas de la Bauhaus




Coincidiendo con el centenario de la escuela, una exposición y un libro rescatan la figura de algunas de las fotógrafas que por allí pasaron sin obtener el merecido reconocimiento

En el verano de 1927, la artista Florence Henri (Nueva York 1893 – Compiègne, Francia, 1982) ingresó en la Bauhaus de Dessau como alumna de un curso de pintura. Al frente de la dirección del curso se encontraba László Moholy-Nagy, cuyo afán por las nuevas tecnologías y la libre experimentación contagiaría el ánimo de la joven artista. “Como novedad: estoy practicando la fotografía”, escribía. “Si me gusta, abandonaré la pintura (provisionalmente)”. De la mano del heterodoxo fotógrafo y pintor húngaro, Henri pudo comprobar que mirar a través de una cámara suponía volver a aprender a mirar, experimentar a través de esa nueva visión. Así, pasaría a convertirse en uno de los más destacados referentes de la fotografía asociados a la escuela. Una exposición, Florence Henri. Reflecting Bauhaus: Photographs and Paintings recorre su obra coincidiendo con las celebraciones que tiene lugar con motivo del centenario del utópico centro educativo.

viernes, 12 de abril de 2019

Buenos Aires - MNBA - Carlos Alonso - Pintura y memoria


El Museo Nacional de Bellas Artes exhibe la obra del artista argentino Carlos Alonso en el Pabellón de exposiciones temporarias. Esta exposición propone una mirada retrospectiva que busca establecer relaciones entre los elementos formales, conceptuales y temáticos que aparecen, de modo constante, en la estética de Alonso. La muestra se desarrolla a partir de dos ejes temáticos: Pintura y tradición, comprende los collage de la serie Blanco y negro y las pinturas que citan y rinden homenaje a sus maestros y a grandes artistas de la historia del arte, como las series dedicadas a Lino E. Spilimbergo y Vicent van Gogh. Y, Realidad y memoria, incluye las que reflexionan sobre nuestra historia reciente, comprometidas con lo social y lo político, como las series dedicadas a la muerte del Che Guevara. Además, la reconstrucción de la instalación Manos anónimas, ocupará el espacio central de la exposición.De abril a julio de 2019.

viernes, 5 de abril de 2019

Buenos Aires - MALBA - Mundo propio - Fotografía moderna argentina 1927-1962

 

Mundo propio configura un amplio panorama de las vanguardias en la fotografía argentina a lo largo de tres décadas, a través de una selección de 250 obras –en su mayoría copias de época– de Horacio Coppola, Grete Stern, Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, Sameer Makarius, Juan Di Sandro, Pedro Otero, Hans Mann, George Friedman y Alicia D’Amico, entre otros célebres fotógrafos que abrieron nuevos caminos en el campo de la fotografía nacional, además de otros referentes menos conocidos con obras sumamente originales.
Con eje en la experimentación, la exposición se organiza en grandes núcleos temáticos en torno a la ciudad, la abstracción, los surrealismos, el mundo onírico y los retratos, con obras provenientes de destacadas colecciones privadas y públicas del país como el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y la Fundación Larivière, Colección de Fotografía Latinoamericana, entre otras.
Entre los importantes conjuntos se incluyen las fotos de Buenos Aires de Horacio Coppola (1929-1936) y sus primeras tomas de 1927 en copias vintage; las plantas autóctonas de Anatole Saderman de los años 30; Los sueños de Grete Stern en su serie completa de 46 fotomontajes, publicados entre 1948 y 1951 en la página "El psicoanálisis le ayudará" de la revista Idilio (Editorial Abril); parte de la serie La fotografía y la música (1952-1956) de Pedro Otero; y los célebres retratos de Annemarie Heinrich.
La exhibición también incluye fotografías prácticamente inéditas o rarezas –que circularon solo en galerías especializadas– como la fotonovela de George Friedman, lanzada por editorial Abril en los años 50 y 60; los primeros retratos de Hans Mann en el Chaco (c. 1937); fotos de Gisèle Freund que vivió unos años en Buenos Aires; las abstracciones urbanas de Ricardo Sansó de 1957; la Serie Bíblica de Sameer Makarius, piezas únicas que expuso en la Galería Peuser en 1961 con el grupo de la Nueva Figuración; además de fotografías y material de archivo de la Carpeta de los 10 y el Grupo Forum.

Fotógrafos en la exposición: Juan Bechis; Horacio Coppola; José Costa; Alicia D´Amico; Juan Di Sandro; Gisele Freund; George Friedman; Manuel Gómez; Annemarie Heinrich; Alex Kein; Sameer Makarius; Hans Mann; Julio Maubecin; Rodolfo Ostermann; Pedro Otero; Humberto Rivas; Anatole Saderman; Ricardo Sansó; Fred Schiffer; Nicolás Schonfeld; Boleslaw Senderowicz; Grete Stern; Augusto Ignacio Vallmitjana; Sivul Wilensky

martes, 2 de abril de 2019

Córdoba - CILE 2019 - Discurso de María Teresa Andruetto para el cierre del Congreso de la Lengua


La escritora cordobesa ofreció un discurso muy crítico para cerrar el encuentro internacional.

Hay una grieta en todo / así es cómo entra la luz, dice Leonard Cohen, Y entonces es ahí, en las fisuras, donde quisiera mirar.

No fue sencillo para mí aceptar la invitación a cerrar este congreso, por las disidencias diversas que con él tiene, por razones también diversas, la comunidad a la que pertenezco y por mis propias disidencias.

Me tranquilizan dos cuestiones, la primera es que antes de aceptar hice saber mi posición y la invitación se sostuvo –con un espíritu democrático y una amplitud que mucho agradezco–; la otra es que estoy aquí como escritora y el lugar de quien escribe es, en lo que respecta a la lengua, un lugar de desobediencia, de disenso. 


lunes, 1 de abril de 2019

Bauhaus, la escuela que cambió el arte (y el mundo), cumple 100 años

      FUENTE 

                 
Alemania se vuelca en las celebraciones del aniversario de la institución, reparando el error histórico de hace un siglo, cuando los nazis forzaron su cierre y provocaron el exilio de sus líderes

La Bauhaus abrió sus puertas hace un siglo. El 1 de abril de 1919, los estudiantes cruzaron por primera vez el umbral. Los profesores, todavía alojados en hoteles, empezaron a trabajar en seminarios que alternaban la artesanía y los saberes técnicos, con el objetivo de generar un arte adaptado a las necesidades de la sociedad alemana de posguerra. Las facciones más conservadoras de Weimar pusieron el grito en el cielo: en sus aulas había mujeres y hasta extranjeros. El cataclismo bélico había dejado la moral nacional por los suelos, pero también provocado la ilusión de un nuevo comienzo. Cientos de jóvenes llegaron a la ciudad donde murieron Goethe y Schiller para participar en la gran aventura de la escuela, que terminaría cambiando el rumbo del arte. “Juntos, déjenos desear, concebir y crear la nueva estructura del futuro, que un día se elevará hacia las alturas, como el símbolo de cristal de una nueva fe”, rezaba su rimbombante manifiesto, escrito en letra gótica y poco minimalista dirigiéndose al público.

viernes, 29 de marzo de 2019

jueves, 28 de marzo de 2019

Córdoba - CILE 2019 - Millennials: Cuáles son las 10 palabras que más utilizan y qué significan


                                                                                                                                    FUENTE
Un grupo de lingüistas elaboró un listado en el marco del Congreso Internacional de la Lengua Española. Mayoría de anglicismos.

En el contexto del Congreso Internacional de la Lengua Española, que se realiza en la provincia de Córdoba, los especialistas revelaron que la mayoría de los términos utilizados por la generación de chicos y chicas nacidos entre mediados de los ’80 y los ’90, son anglicismos. Es decir, préstamos lingüísticos del inglés hacia otro idioma. Además de que surgen y tienen relación con el mundo digital, un ámbito en el que esta camada tiene gran participación, ya que se caracterizan por la hiperconexión, la inmediatez, y la necesidad de auto expresarse.

miércoles, 27 de marzo de 2019

SOBRE LO QUE LEEMOS: Distancia de rescate - Samanta Schweblin

 LITERATURA EN EL BONDI

¿Es una historia real? ¿es una novela de ficción? ¿es una narración fantástica? Estas son las preguntas que el lector se plantea cuando comienza a leer Distancia de rescate, un cuento corto de Samanta Schweblin. Preguntas que va tratando de responder en un relato atrapante, virtuoso e hipnótico, en donde los diálogos se entrecruzan en un hilo primordial:  el hilo de la distancia de rescate que une a una madre con un hijo.

Pero además, todo se empieza a revelar cuando aparecen las palabras claves de la narración:  glifosato y transmigración. ¿Es real todo lo que está pasando? ¿Puede suceder esto en el campo, tan cerca nuestro y tan cerca de los protagonistas? Y, el relato se convierte en una novela corta de terror.

Schweblin cuenta esta historia usando muy habilmente el dialogo como recurso narrativo. Construye un intercambio entre los protagonistas enlazando un pasado reciente con un presente, ilusorio, trágico y final.  El relato encuentra el desenlace con la intervención de los dos únicos hombres de la narración que desconocen la importancia fundamental del hilo de la distancia de rescate y, por eso, no se da una salvacion ni un rescate.


Samanta Schweblin
Egresada de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. En el 2001 ganó el primer premio del Fondo Nacional de las Artes por su libro de cuentos El núcleo del disturbio (2002), y su relato «Hacia la alegre civilización de la capital» obtuvo el del Concurso Nacional Haroldo Conti. Su segundo libro de cuentos, Pájaros en la boca (2009), obtuvo el Casa de las Américas 2008. Dos años más tarde fue elegida por la revista británica Granta como una de los veintidós mejores escritores en español menores de 35 años.​
«Un hombre sin suerte», cuento en el que narra un encuentro entre una niña y un desconocido, obtuvo el Premio Juan Rulfo 2012. ​ En 2014 fue distinguida con el Premio Konex, Diploma al Mérito, por su trayectoria como cuentista durante el período 2009-2013 y al año siguiente ganó el de Narrativa Breve Ribera del Duero con Siete casas vacías.​
En 2015 ganó asimismo el Premio Tigre Juan por su primera novela, Distancia de rescate, que Claudia Llosa piensa llevar a la pantalla grande: la escritora y la cineasta trabajaron en la adaptación al año siguiente. ​La versión inglesa de la novela (publicada con el título Fever Dream por Oneworld en el Reino Unido y por Riverhead Books en EE.UU., y traducida por Megan McDowell) fue seleccionada para la shortlist del Man Booker International Prize 2017.
En 2018 Distancia de rescate obtiene el Premio Tournament of books, como "mejor libro del año publicado en los Estados Unidos"; y el premio de Nouvelle de Shirley Jackson.