Buenos Aires - Museo de arte hispanoamericano Isaac Fernández Blanco

             El Museo Hispanoamericano comienza con la colección privada de Isaac Fernández Blanco a la cual se le suma otras colecciones de distintas procedencias, entre ellas la colección de la familia Noel. En la actualidad el museo tiene importantes objetos de arte donde se destacan tres líneas como la platería, la pintura y la imaginería.

            En lo que respecta a la colección de platería virreinal la misma está compuesta por objetos provenientes de talleres de Potosí, Cuzco, La Paz, Lima, Arequipa, Río de Janeiro, Minas Gerais, Chile, Buenos Aires y las misiones franciscanas del Paraguay. Esta colección de platería hispanoamericana es considerada la más completa del mundo.

           Entre las actividades del museo se destaca la biblioteca, talles de arte y visitas guiadas.

El Palacio Noel

         El museo se encuentra en el Palacio Noel, que fue construido en el año 1922 por el arquitecto argentino Martín Noel, quien buscaba romper con los estilos arquitectónicos europeos de la época e instaurar estilos relacionados con la historia hispanoamericana. El palacio fue la vivienda de los hermanos Noel hasta 1936, pocos años después abre sus puertas el Museo.

        El edificio del Museo cuenta con una fachada de estilo neocolonial, con elementos de la arquitectura española e hispanoamericana como el patio andaluz, balcones, miradores y fuentes.

Dónde queda el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco

Información General
Suipacha 1422, Retiro.
Horarios: de martes a viernes de 14 a 19 hs. Sábados, domingos y feriados de 11 a 19 hs. Lunes cerrado.
Precio de entrada: $ 10 pesos. Miércoles y jueves gratis
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Buenos Aires - MACBA - Pensar en abstracto

 

           La abstracción geométrica es mucho más que el resultado del escrutinio de las posibilidades formales de la geometría. En la práctica de los artistas modernos y contemporáneos, se constituye como un campo de pensamiento a través del cual se desarrollan numerosas investigaciones plásticas y conceptuales. La configuración del espacio, los sistemas compositivos, el dinamismo óptico, los efectos combinatorios, las modulaciones cromáticas, la construcción y deconstrucción de visualidades y formas, las reflexiones materiales y contextuales, son algunos de los intereses que han orientado esas búsquedas. Unas exploraciones que no se encuentran clausuradas aun, y que contribuyen a la vitalidad que manifiesta la abstracción todavía hoy.
           Esta exposición pone en evidencia el valor de la geometría como herramienta de investigación a través de una selección de obras pertenecientes a la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires - Fundación Aldo Rubino. Pinturas, fotografías, instalaciones, obras cinéticas y lumínicas, esculturas, videos e intervenciones site-specific dan cuenta de la pluralidad de estos trabajos y de su potencialidad para encauzar los senderos analíticos más diversos.
            Un museo es siempre una entidad fragmentaria: no sólo porque no puede albergar la totalidad de una producción sino, además, porque ésta se halla en desarrollo permanente. Partiendo de esta idea, las obras de la colección del MACBA se han puesto en diálogo con otras que no pertenecen a ella. Esta decisión relativiza el discurso totalizador habitual del museo, pero al mismo tiempo, pone en valor su patrimonio, al señalar su capacidad para interactuar significativamente con el arte que sigue gestándose más allá de sus puertas.

Curador: Rodrigo Alonso
Artistas: Arturo Aguiar, Manuel Álvarez, Sergio Avello, Ary Brizzi, Mariano dal Verme, Germaine Derbeq, Marcolina Dipierro, Graciela Hasper, Daniel Joglar, Julia Masvernat, Juan Melé, Marta Minujín, Diego Mur, Juane Odriozola, Benjamin Ossa, César Paternosto, Karina Peisajovich, Martín Pelenur, Amalia Pica, Gilda Picabea, Rogelio Polesello, Alejandro Puente, Inés Raiteri, Andrés Sobrino, Mariano Vilela, Luis Wells, Christian Wloch y Carola Zech
Del 11 de marzo al 15 de octubre

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Buenos Aires - La Noche de los Museos - 4 de noviembre 2017

          El mayor encuentro cultural de la ciudad de Buenos Aires se prepara el sábado 4 de noviembre a partir de las 20 h. para reunir más de un millón de vecinos y turistas. Con nuevos museos e instituciones que se suman en la decimocuarta edición, la cifra récord anterior de 238 espacios públicos y privados, con más 1000 propuestas gratuitas, es un punto de partida desde Coghlan a Pompeya, de Monserrat a Flores. En 2016 los nombres de David LaChappele, Kazimir Malévich, Werner Bischof y Yoko Ono dialogaron con grandes artistas argentinos como Antonio Berni en el Museo de Arte Moderno y Quinquela Martín en su museo de La Boca, en un puente fraterno que continuó en los talleres para todas las edades más los espectáculos de danza, musicales y performáticos mostrando la pasión porteña al mundo por compartir su cultura en cada esquina, en cada vereda.
         El Distrito de las Artes, la Usina del Arte, el Museo del Cine, el Museo Saavedra, el Museo Larreta y el Museo Gardel tuvieron un público participativo y entusiasta en actividades que revalorizaron el patrimonio de todos, y que podrán ser renovadas ahora con las nuevas experiencias que proponen los dos últimos museos totalmente modernizados de Belgrano y Balvanera, con nuevas propuestas museográficas y más tecnología. Agradecemos a los directores, artistas, voluntarios y trabajadores, que se encuentran en pleno trabajo en este abrazo a nuestros queridos museos y espacio de arte, con la premisa de construir valores e identidad juntos los 365 días del año.
Los museos de la Ciudad son tuyos
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Buenos Aires - Tierra. Caos y Germen - Colección Sívori

           El Museo Sívori se relanza con una exposición integrada por un corpus significativo de piezas de su acervo patrimonial. La exhibición enlaza diversos núcleos narrativos que se vinculan de manera diagramática con la representación de la tierra como lugar de pertenencia y disputa.
            A través de dos grandes nodos: caos (Sala A) y germen (Sala B) se despliegan alrededor de 130 piezas de la Colección Sívori que abarcan un horizonte temporal: desde los primeros años del siglo XX hasta el presente.
           Acontecimientos históricos a nivel global como la resistencia durante la Guerra Civil Española (1936-1939) y los albores de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) definen el conjunto de obras de la primera matriz conceptual: caos. La llamada “década infame” y la crisis reinante en aquellos años ponen en primer plano las voces de los trabajadores, los sistemas de arrendamiento rural junto a sus protagonistas, los colonos inmigrantes y los pueblos originarios que han sido desterrados.

Buenos Aires - Museo del humor - Hermenegildo Sábat. Retrospectiva

El MuHu - Museo del Humor, dependiente de la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico del GCABA, inaugura la exposición Hermenegildo Sábat. Retrospectiva, el sábado 23 de septiembre a las 17 h, que incluye 100 obras que recorren su actividad plástica, sus más de 20 libros ilustrados y 50 años de periodismo gráfico. Hasta el 19 de noviembre en la sede del MuHu, Edificio de la Munich, Av. de los Italianos 851, Costanera Sur.
La muestra incluye un centenar de obras en las tres áreas plásticas donde Hermenegildo Sábat desarrolló su sólida carrera en los cincuenta años que lleva en Buenos Aires, desde que arribó en el Vapor de la Carrera desde su Montevideo natal.
Una de ellas contiene óleos, monocopias y técnicas mixtas, con vertientes expresionistas, surrealistas y de abstracción.
Otro espacio incluye algunos de sus trabajos de ilustración sobre textos propios o de grandes escritores, como Julio Cortázar. Aquí también podremos apreciar grafitos y acuarelas ligadas a sus grandes pasiones musicales: el tango y el jazz.
Se exhiben además las ediciones de la revista cultural Sección Áurea, que Sábat editó en los ´90 a través de su Fundación Artes Visuales.
Por último se exponen los trabajos de periodismo gráfico, con obras que realizó primeramente para el periódico La Opinión y desde 1973 para Clarín, que son una crónica de los avatares políticos y sociales del país y del mundo del último medio siglo.
Aquí hay sectores dedicados a los Presidentes, a los ministros de Economía, a los Líderes Mundiales, a los Políticos y Periodistas y también a los Artistas Plásticos, Escritores, Actores y Deportistas.
Es importante destacar que por su trayectoria en este último ámbito, Hermenegildo Sábat ocupa desde hace 4 años la Presidencia de la Academia Nacional de Periodismo.
Horario: Lunes a viernes de 11 a 18 hs. Sábados y domingos de 10 a 20 hs. Feriados de 12 a 20 hs.Entrada: Jueves a domingos y feriados $10; lunes, martes y miércoles gratis. Menores de 12 años, jubilados y estudiantes con acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, colegios públicos: gratis todos los días.
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Buenos Aires - BienalSur - Museo Nacional de Arte Decorativo

          BIENALSUR es la 1era Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur. En desarrollo durante el 2016 y a lo largo del 2017, tomando como espacio de exhibición el territorio sudamericano y haciendo foco en el proceso de creación artístico e intelectual, BIENALSUR concentrará sus exhibiciones entre septiembre y diciembre de 2017.
Organizada por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) de la República Argentina, BIENALSUR tiene a su rector Aníbal Jozami como Director General y a Diana Wechsler como la Directora Artístico-académica.
           A través del arte contemporáneo, BIENALSUR conectará en simultáneo a 32 ciudades de 16 países del mundo y reunirá a más de 350 artistas y curadores de los cinco continentes. las exposiciones se realizarán en diferentes museos, centros culturales, edificios y zonas emblema del espacio público. Está pensada a partir de generar una red global de colaboración asociativa institucional que elimine distancias y fronteras, y reivindique la singularidad en la diversidad; BIENALSUR propone un extenso territorio construido a partir del posicionamiento en un “Sur Global”.
           Más del 95% de las obras que forman parte de la Bienal fueron seleccionadas tras un intenso proceso que incluyó dos convocatorias internacionales abiertas con temática libre. La idea de este llamado libre y abierto fue invitar a artistas y curadores a pensar proyectos específicos e inéditos y, así, se recibieron más de 2500 propuestas provenientes de 78 países. Durante esas convocatorias se observó la presencia recurrente de proyectos que dialogan fuertemente tanto dentro como fuera del mundo del arte.
          De septiembre a diciembre de 2017 la agenda completa de BIENALSUR podrá consultarse en www.bienalsur.org

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Buenos Aires - Centro Cultural Borges - Spilimbergo dibujante

           El Centro Cultural Borges tiene el agrado y el privilegio de exponer la obra de uno de nuestros más grande artistas plásticos. La muestra cuenta con obras de Colecciones Privadas, ex Colección Antonio Enea Spilimbergo y parte de la colección privada de Leonardo Enea Spilimbergo, nieto del artista, quien tuvo a su cargo la selección del material.
           La exposición contiene  más de 60 obras en papel y esté compuesta por  dibujos en sus distintas técnicas (lápiz, tinta, carbonilla, pastel) así como también por grabados y monocopias.
Los dibujos están acompañados por documentos y fotos del artista  que permiten reconstruir el contexto social y cultural en el que desarrolló su trabajo. Sus años de formación en la Academia Nacional de Bellas Artes, el viaje de estudios a Europa, el contacto con la vanguardia, su trabajo como muralista y su recorrido por los más variados géneros (retrato, el paisaje, dibujo erótico)
        El montaje y la organización del material biográfico en la sala  están diseñados especialmente con objetivos didácticos que ayudan a apreciar su obra, sus influencias, su trabajo como docente y los distintos períodos que atravesó su producción. Los diferentes núcleos cuentan con textos explicativos y referencias históricas que facilitan el acceso del gran público a la obra del maestro.
        La exposición  tiene como objetivo mostrar a uno de los grandes artistas de la pintura nacional a través de obras personales y producciones en pequeño y mediano formato que nos permiten conocer a un Spilimbergo íntimo a través de sus creaciones.

Investigación, diseño y montaje: Leonardo Enea Spilimbergo, arquitecto.
Horarios de visita: Lunes a sábado de 10 a 21 hs. / Domingos de 12 a 21 hs.
Entradas: Adultos: $100.- / Jubilados, docentes, estudiantes: $80.-
Promociones: 2x1 club la nación / 2x1 365 clarín / 2x1 tarjeta galerías pacífico

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Buenos Aires - Museo de la Ciudad - La primera exposición sobre el alfajor argentino.

       Con la intención de poner en valor al alfajor como un ícono en nuestro país, la exposición recorre, a partir de la colección de Jorge D’Agostini, toda su historia desde sus inicios; pasando, por sus recetas, rellenos y publicidades que lo llevaron al lugar que actualmente ocupan.
      Como parte de nuestra cultura gastronómica, el alfajor es uno de los alimentos que trasmiten nuestra identidad. Trasciende con un éxito inigualable: primero con la venta ambulante a principios del siglo XIX, pasando luego a las pulperías y continuando por las confiterías y quioscos hacia 1940; hasta la actualidad, donde se consumen alrededor de 6 millones de alfajores por día.
       Gracias a los emprendimientos familiares, el alfajor tomó el alcance que hoy en día conocemos. A partir de la Ruta del Alfajor se puede conocer cada una de las recetas que formaron parte de muchas familias a lo largo de todo el país. Recetas que tienen sus inicios allá por el 1840, creada por la hija de J.M. de Pueyrredón.
       Si el dulce de leche, el asado, el vino malbec, la yerba mate y la empanada fueron declarados como patrimonio cultural alimentario y gastronómico argentino; la identidad del alfajor argentino merece elevarse a ese podio por su rica historia que recorre casi dos siglos de vida.

Casa Altos de Elorriaga, Defensa 187.
Cierre: domingo 17 de septiembre de 2017.
Entrada libre y gratuita.
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Buenos Aires - Centro Cultural Borges- Colección de imágenes

“Colección de imágenes” realizó la siguiente pregunta a mil jóvenes de entre 13 y 18 años: ¿Qué ves cuándo ves? Cada uno reflexionó sobre cómo ve, en qué se fija, y cómo, en definitiva, construye su imagen del mundo. Sus respuestas se materializaron en fotografías que fueron enviadas al Recoleta. Se imprimieron en imanes, creando una colección de imágenes de 1000 formas de ver. Cada una se expondrá en la sala Cronopios, en una serie de bibliotecas metálicas ubicadas en el centro del espacio. “Colección de imágenes” invita al público a ver las formas de ver de otros, pero también lo invita a intervenir y convertirse en el curador de la exhibición: puede elegir las que más le interesen y llevarlas a un grupo de habitaciones metálicas al fondo de la sala para crear su propia muestra. Nos interesa saber qué imágenes elige, cómo las dispone y qué tipo de explicaciones desarrolla, el público podrá ver cada creación de otros públicos, quedando ambigua la relación entre espectador y obra.
http://centroculturalrecoleta.org/agenda/coleccion-de-imagenes
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Buenos Aires - Ponchos en el Bicentenario - Museo de Arte Popular José Hernández

 

             La muestra es el resultado de un trabajo de una investigación y puesta en valor de más de 60 ponchos de la colección del museo además de contar con el aporte de otros museos y de coleccionistas privados.
           Hoy el poncho aparece en importantes pasarelas internacionales, la moda en la calle también da testimonio de su aceptación como tendencia. De origen precolombino, el poncho narra la historia de caciques y paisanos, de próceres y gauchos, de jesuitas y de arrieros, de tejedores e hilanderas. La exposición propone una clave de lectura sobre estos elementos iconográficos asociados a los cambios histórico-sociales de nuestra Argentina.
          Curada por Ximena Eliçabe, el Museo eligió inaugurar esta exposición a 200 años del Cruce de los Andes realizado por José de San Martín y a 70 años del fallecimiento de Carlos Daws, el coleccionista que reunió y armó esta colección.
          Permanecerá abierta hasta febrero de 2018, de martes a viernes de 13:00 a 19:00 h y sábados, domingos y feriados de 10:00 a 20:00 h. Entrada $10. Miércoles gratis.

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Buenos Aires - PROA - MANIFESTO de Julian Rosefeldt

 

              Desde el 26 de agosto al 5 de noviembre del 2017, Fundación Proa, en colaboración con el Goethe Institut, presenta MANIFESTO de Julian Rosefeldt, una instalación audiovisual de 13 videos interpretados magistralmente por Cate Blanchett en diferentes roles que cruzan lo performático y lo teatral.
            Cada instalación está concebida como un film donde Cate Blanchett relata, en ese universo, las palabras más sobresalientes de los artistas del siglo XX.
Las 13 pantallas presentan fragmentos seleccionados por Julian Rosefeldt, construyendo un relato propio: un collage de 50 textos históricos de cada uno de los manifiestos de artistas (Malevich, Claes Oldenburg, Sol Lewitt, Lucio Fontana), poetas (Breton, Tzara, Marinetti) cineastas (Jim Jarmusch), coreógrafos (Yvonne Rainer) y arquitectos, así como el Manifiesto Comunista de Marx y Engels.
            MANIFESTO despliega los interrogantes totalizantes que marcan nuestra cultura, preguntándose por la validez actual de estas declaraciones y el rol del arte en la actualidad. Fue presentada en 2016 en Staatsgalerie Stuttgart; Park Avenue Armory, New York; Ruhrtriennale 2016, Duisburg; Art Gallery of New South Wales, Sydney y Museum für Gegenwart, Berlin. En 2017 en: Capital of Culture, Aarhus; Ecole des Beaux Arts de Paris y Villa Stuck, Munich.

            JULIAN ROSEFELDT (Munich, 1965) vive y trabaja en Berlín. Su obra es un cruce complejo de ensayo fílmico y representación performática. Sus films e instalaciones audiovisuales asocian la reflexión filosófica, la política y la crítica a la imagen. En el año 2004 participa de la Bienal de San Pablo representando a Alemania. Sus obras integran importantes colecciones públicas y privadas entre las que se encuentran el MoMA de Nueva York; la Neue Nationalgalerie de Berlín; el ACMI– Australian Centre for the Moving Image de Melbourne; el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) y la Saatchi Collection de Londres entre otras.
          Expone internacionalmente desde 1997. Entre sus más exposiciones individuales más recientes se destacan: Villa Struck de Munich (2017), Park Avenue de Nueva York (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart de Berlin (2016) y ACMI – Australian Centre for the Moving Image, Melbourne (2015) entre otras.
           En el año 2009 fue profesor invitado por la facultad de Media Art de la Universidad Bauhaus de Weimar. Actualmente es miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes y es profesor de Digital Time-Based Media en la Academia de Bellas Artes de Munich.
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Buenos Aires - Retrospectiva de Liliana Maresca en el MAMBA

          A partir de un trabajo de investigación que llevó cuatro años, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires inauguró “Liliana Maresca: El ojo avizor”, una muestra que recorre 12 años de producción de la artista, con la idea de rendirle homenaje y mantener su obra vigente y accesible.
Liliana Maresca fue una figura emblemática para la escena de las artes visuales de los años 80 y 90 que confrontó de manera crítica problemas centrales para la sociedad como la situación política de la época o el SIDA.
Esta exposición y su catálogo cuentan con el apoyo del Consejo de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.
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Buenos Aires - MNBA - El caos en la obra de Luis Felipe Noé

Hasta el siglo XX, y desde que los mitos trataban de explicar aquello que era incomprensible para la razón, el caos siempre había ocupado el lugar del enigma. A mediados del siglo pasado, diferentes estudios científicos incluyeron como parte del pensamiento racional aquello que no puede preverse. En adelante, la inestabilidad y la indeterminación pasaron a ser factores claves fuera de condiciones de equilibrio. Este cambio de paradigma formó parte del pasaje de la modernidad a la posmodernidad.
En 1965, en su libro Antiestética, Noé expresó la necesidad de asumir el caos, no en oposición al orden, sino como una nueva dinámica de funcionamiento de un mundo en permanente cambio.
En sintonía con el pensamiento científico, el artista concibió desde entonces la inclusión del caos dentro de la teoría y la práctica. Esta exposición analiza los aspectos centrales de la obra de Noé, a través de los cuales desarrolló su “estética del caos”, donde el pasado hace eco en el presente y se proyecta hacia el futuro. De ahí el título Mirada prospectiva, porque su trabajo presenta una continua obsesión por desentrañar el devenir.
El guión curatorial rompe el orden cronológico tradicional –retrospectivo– y plantea tres claves de lectura que pueden rastrearse en la “estética del caos” de Noé a lo largo de toda su producción artística realizada entre 1957 y 2017: la conciencia histórica, la visión fragmentada y la línea vital.
Las tres constantes que estructuran la muestra se ven condensadas en la imponente instalación Entreveros (2017), que presenta una imagen de quiebre, en momentos en que la espiral del caos vuelve a estallar ante nosotros.
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Buenos Aires - MALBA - Diane Arbus - En el principio

 

Primera exhibición en nuestro país de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971), una de las fotógrafas más influyentes del siglo XX. Curada por Jeff L. Rosenheim, Curador en Jefe de Fotografía de The Metropolitan Museum of Art Nueva York (The Met), la exhibición reúne más de cien fotos producidas por Arbus entre 1956 y 1962, período en el que la artista desarrolló los temas centrales de su carrera y su singular mirada, que busca registrar, según sus propias palabras, “lo divino en las cosas ordinarias”.
Bajo el título “En el principio”, la muestra hace foco en los primeros siete años en los que Arbus trabajó en las calles de Nueva York con su cámara de 35mm. “A lo largo de estos años se da una evolución: el paso de imágenes de individuos que surgen de encuentros fortuitos a retratos en los cuales los sujetos elegidos se convierten en participantes activos”, explica Jeff L. Rosenheim. “Este anhelo de conocimiento, esta curiosidad por la naturaleza oculta de la persona o el objeto que está fotografiando, unida a su creencia en el poder de la cámara para hacerla visible, es, sobre todo, lo que la distingue”, agrega.
La mayor parte de las fotos en la exposición pertenecen al Archivo Diane Arbus de The Metropolitan Museum –adquirido en 2007 a los herederos de la artista– y permanecieron inéditas hasta la exhibición realizada en Nueva York en 2016, luego de varios años años de estudio del archivo. La muestra en MALBA presenta la misma museografía que se realizó en The Met: un recorrido cronológico por una suerte de bosque de iluminación muy tenue, que invita a adentrarse en la intimidad de la obra de Arbus. Culmina con el portfolio Una caja de diez fotografías –provenientes de la colección del SFMoMA– que Arbus produjo entre 1970 y 1971 e incluye sus legendarios retratos de formato cuadrado, como Gemelas idénticas, Nueva Jersey 1967 y Gigante judío en casa con sus padres en el Bronx, Nueva York 1970.
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Grant Wood - Gótico Americano

En plena crisis económica, el Realista Wood hace una apología de los valores tradicionales americanos y el mundo rural, el llamado regionalismo norteamericano, cuya quintaesencia es esta obra que fue tan alabada como criticada y caricaturizada desde su creación
Mientras medio país vagaba por los caminos a causa de la Gran Depresión, Grant Wood siguió retratando a su querido medio oeste por medio de esta pareja: un granjero y su hija que se convirtieron automáticamente en icono. Dos supervivientes que afrontan las vacas flacas con austeridad y trabajo duro.
Si nos fijamos, Wood imita el estilo de los pintores renacentistas flamencos, con las figuras frontales y una pintura al óleo muy minuciosa y detallada, como la de su ídolo Van Eyck. Se ve que en su estancia en Munich se empapó del arte europeo.
En realidad eran su propia hija y su dentista, que posaron bajo la promesa de que no iban a ser reconocidos. Los entusiasmados y felices modelos posan bajo una ventana típica del gótico rural americano. Quizás de ahí venga el genial título del cuadro, que Wood vendió por sólo 300 dólares al Art Institute de Chicago. Hoy en día por uno de sus paisajes se paga unos siete millones de dólares.
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Hiperrealismo - Robert Cottingham

          A mediados de los años sesenta surgió en Estados Unidos un grupo de artistas, que utilizando la fotografía como base, pintaban con gran realismo objetos y escenas de la vida cotidiana contemporánea. Formaron el movimiento hiperrealista, que en el mundo anglosajón se conoce con el término photorealism.
El movimiento establecía que eran “fotorrealistas” aquellos artistas que abiertamente empleaban la cámara fotográfica como herramienta esencial para ejecutar sus pinturas. Trasladaban la imagen al lienzo lo más objetivamente posible y con una ejecución tan minuciosa que producía en el espectador una sorprendente ilusión de realidad, privada de cualquier emoción.
La amplia representación del movimiento en la Documenta de Kassel de 1972 supuso su consagración y, sobre todo, produjo gran revuelo en un panorama artístico que desde 1945 había estado dominado por el arte abstracto. La crítica lo calificó como anti-intelectual y reaccionario: “no es arte, sino virtuosismo copista”.

Robert Cottingham

Robert Cottingham

“Mi pintura es una búsqueda de fragmentos, detalles de nuestro entorno, formas epistolares, palabras, estructuras [...], un rastreo de las cosas artificiales, las cuales ofrecen más datos sobre la condición humana que el mismo hombre”, decía Robert Cottingham. Sus obras más características son primeros planos de carteles de anuncios. Dice tener como objetivo: "Plasmar una observación desapasionada de un trozo de nuestro mundo".

Alex Katz - Roof (1989)

Según el crítico Juan Manuel Bonet, exdirector del IVAM y del Museo Reina Sofía y responsable de una de las primeras grandes muestras que celebraron a Katz en Europa, en 1996. “Es una alegría que cada vez más gente entienda su grandeza y comprobar que no hace falta pertenecer a un movimiento para construir una obra consistente y ejemplar, que ha abierto camino a pintores más jóvenes”.

Alex Katz

        "Yo inventé el arte pop y otros me quitaron la comida"

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Ulla con sombrero - Alex Katz

"Yo pinto el presente. Comentar lo político, lo psicológico y lo sociológico de mis cuadros arruinaría la magia"

Buenos Aires - Centro Cultural Borges - Spilimbergo dibujante, obra sobre papel, 1918-1964

La exposición "Spilimbergo dibujante, obra sobre papel, 1918-1964", un itinerario que recorre casi 50 años de producción de este maestro del arte argentino del siglo XX, a través de más de 60 obras, así como también fotografías, cartas y documentación personal, se inaugura el próximo jueves a las 19 en el Centro Cultural Borges.
Desde hace más de 12 años que no se realiza una muestra de este genial artista en la ciudad de Buenos Aires, en esta oportunidad abocada a sus obras en papel, dibujos en distintas técnicas, como lápiz, tinta, carbonilla, pastel, así como también grabados y monocopias, donde destacan obras nunca antes exhibidas.
"Los dibujos aquí reunidos no eran bocetos de algo mayor sino que eran obras propiamente en sí. Se los denominaba 'dibujos pintados' por su calidad. Fue un gran dibujante desde sus inicios. Se recibió de profesor de dibujo en la mitad de tiempo que los demás. Por su virtuosismo, sus profesores, como Pío Collivadino o Ernesto de la Cárcova, lo adelantaban de año", cuenta el nieto del artista, Leonardo Enea Spilimbergo, quien tuvo a su cargo la selección del material y curaduría de la muestra.
Esta exposición se propone, a través de siete núcleos temáticos, recorrer algunos de los más destacados momentos de la carrera de este artista que nació en Buenos Aires en 1896 y murió en Unquillo en 1964, asistió al taller de André Lothe en París, y pintó en 1933 el mural "Ejercicio plástico", junto al mexicano David Alfaro Siqueiros, los argentinos Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino y el uruguayo Enrique Lázaro, actualmente en exhibición en el Museo de la Casa Rosada (ex Museo del Bicentenario).

Buenos Aires - Museo Nacional de Arte Decorativo - Japón íntimo

           La exhibición Japón íntimo está integrada por piezas de la colección del Museo Nacional de Arte Oriental. Se seleccionaron objetos cotidianos que buscan revelar la sensibilidad y la espiritualidad del alma japonesa.
          La exhibición se complementarrá con actividades y talleres gratuitos, donde el público podrá ponerse en contacto con diversas expresiones del arte y de las tradiciones culturales de Japón. Además, las salas contarán con diversos soportes electrónicos que permitirán apreciar la muestra desde un punto de vista dinámico y novedoso.
         De la colección del Museo Nacional de Arte Oriental se han seleccionado porcelanas Satsuma y Kutani, cerámicas utilizadas para la ceremonia del té, miniaturas de marfil tallado, objetos de laca finamente trabajados, antiguos incensarios y objetos de uso religioso como altares y templetes.
         La delicadeza funcional de algunas de estas piezas, su nivel de detalle y su significación no son solamente un atributo limitado a lo japonés, sino que transmiten modos de ser y sentidos que constituyen y expresan vigor, energía y espíritu de trascendencia.
        Los objetos muestran en sus detalles, aparentemente decorativos, una expresión de quién era la persona que los portaba y cuál era su manera de ser. El espectador es invitado a conocer el alma japonesa a través de estas piezas.

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Buenos Aires - FOLA - Vivian Maier

 

           Vivian Maier nació en Nueva York en 1926. Fue una fotógrafa urbana aficionada cuya cuantiosa obra permaneció oculta y desconocida a lo largo de su vida y solo salió a la luz pública luego de ser adquirida casi azarosamente en un remate en la ciudad de Chicago en el año 2007.
Pasó algunos años de su juventud en Francia y a su regreso a los Estados Unidos se empleó como niñera tarea a la que se dedicó casi toda su vida. Sin embargo, en su tiempo libre, Vivian Maier se aventuró en el arte de la fotografía durante cinco décadas, dejando un legado de más de 100.000 tomas.
              Mientras sus sorprendentes imágenes se hacen conocidas en el mundo (la mayor parte de su trabajo permanece aún inédito) queda mucho por saber acerca de la enigmática mujer detrás del lente.
En algún momento del año 1949, mientras aún vivía en Francia, Maier comenzó a sacar sus primeras fotos con una modesta cámara Kodak  Brownie,  equipo  amateur con una sola velocidad, sin control de foco y sin posibilidad de cambio de diafragma. En 1951, a su regreso a los EEUU, compra una Rolleiflex, pero es a partir de 1956 cuando comienza una etapa de trabajo más consistente y prolífica.
En ese año se muda a la North Shore, un suburbio de Chicago, donde una familia la emplea como niñera para sus tres hijos. Disfruta allí del “lujo” de un laboratorio y de un baño privado, comodidades que le permitieron revelar y ampliar sus fotos.
             Cuando los niños de la familia crecieron, Vivian buscó otros empleos y con ello debió dejar de revelar sus películas. Los trabajos temporales y las mudanzas de familia en familia, obligaron a que sus negativos quedarán sin revelar ni imprimir y su “colección de rollos” comenzará a crecer.
En el año 2007, el contenido del depósito de objetos de Vivian Maier -incluyendo su enorme conjunto de rollos- se ofreció en subasta pública y fue adquirido por numerosos compradores. Entre ellos se encontraba el joven John Maloof, quien desde entonces se dedicó a organizar su archivo fotográfico y difundir su legado artístico.

          Como no pudo contactarse con Maier mientras ésta aún vivía (falleció en 2009) Maloof publicó y compartió ese mismo año imágenes por internet obteniendo un interés “viral”. Entusiasmado por la repercusión que habían logrado las imágenes de Vivian Maier, se comprometió en la tarea de conocer más acerca de la vida de la autora y a difundir su obra, concluyendo con la producción del documental “Finding Vivian Maier”, corto que fue nominado al Oscar en 2014.
         Desde el “descubrimiento” de su obra, las imágenes de Vivian Maier fueron objeto de numerosas e importantes publicaciones y se han realizado muestras de su trabajo en destacadas instituciones alrededor del mundo.
       El FOLA se enorgullece hoy en presentar esta exhibición en nuestro país, proyecto para el cual hemos contado con la colaboración y supervisión de John Maloof y Howard Greenberg Gallery en los EEUU y el impulso y colaboración de curaduría en nuestro medio de Leila Makarius y Jorge Cometti.
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Pompeya y los griegos

 

         Fue inaugurada en el Gimnasio Grande de Pompeya, la exposición "Pompeya  y los  griegos", organizado por Electa y curada  por el Superintendente Massimo Osanna, por el  Prof. C. Rescigno de la Università degli Studi della Campania “Luigi Vanvitelli” y el  arquitecto Bernard Tschumi, encargado de la exposición.
         Pompeya en su  ADN, tiene una fuerte identidad griega,  fruto de una ciudad de origen italiano y el intenso intercambio comercial con el Mediterráneo griego. Este encuentro permitió, desde el principio, que  artesanos, y arquitectos, produzcan  una mezcla de estilos que Pompeya ha vuelto a reelaborar  en forma nueva y eterna. Por su ubicación geográfica,  pronto se convirtió en una ciudad próspera, beneficiada por una salida al mar y una rica zona agrícola en el interior de la Campania.
       En los primeros siglos de vida, Pompeya, sufrió la influencia de las dos grandes potencias que dominaban la Campania, los etruscos y griegos, lo que provocó, en estudios recientes, un fuerte debate entre los partidarios de una "Pompeya etrusca" y  los partidarios de una Pompeya fuertemente helenizada desde los orígenes de la ciudad. Posteriormente, en el 474 a C, los etruscos - fuertemente presente en las áreas de Capua, y Fratte Pontecagnano – sufrieron  una dura derrota por una coalición de Cuma - Syracuse, y así en Pompeya la cultura griega prevaleció.
        Los objetos preciosos importados y las inscripciones en griego en las paredes, muestran  las diferentes almas de la vida de una ciudad, pero preparada  para  mezclarse de nuevo por el sometimiento  a otros pueblos. Hacia el final del siglo V, una nueva población, los samnitas, invadió las fértiles llanuras de la Campania, y se estableció en Pompeya con  nuevas normas sociales y urbanísticas.
         La muestra contiene más de 600 objetos  que incluye  cerámicas, ornamentos, armas, elementos arquitectónicos y esculturas provenientes de Pompeya, Stabia, Herculano, Sorrento, Cuma, Capua, Poseidón, Metaponto, Torre Satriano e incluso con  inscripciones en las diferentes lenguas  (griego, etrusco, paleo- italiano); además incluye platería y esculturas griegas que se reproducen en la época romana.
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Ravenna - Iglesia de San Apolinario Nuovo

¡Felices Pascuas! 
Escena de las mujeres que llegan al sepulcro y el Ángel les anuncia la Resurrección.

Madrid - Museo Thyssen-Bornemisza - Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias

 

          Una rigurosa selección de 90 obras procedentes de la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Budapest y de la Galería Nacional de Hungría podrá contemplarse en el Museo desde el 18 de febrero de 2017.
          El Museo de Bellas Artes de Budapest, fundado en el siglo XIX, cuenta con extensas colecciones de pintura antigua y moderna, obra sobre papel y escultura. Por su parte la Galería Nacional de Hungría es un museo nacional oficialmente establecido en 1957, aunque en realidad data de 1802, y está dedicado a obras de arte húngaras.
          El conjunto que se exhibe en Madrid refleja el perfil de los fondos de ambas instituciones a través de pinturas, esculturas y dibujos de grandes artistas como Durero, Rafael, Annibale Carracci, Leonardo da Vinci, Peter Paul Rubens y españoles como Velázquez y Murillo. También incluye una magnífica selección de obras de artistas húngaros de la colección de la Galería Nacional de Hungría como Károly Ferenczy y Sándor Bortnyik.
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New York "Función de Circo de Seurat" en el Metropolitan Museum

        Tomando como base una de las obras maestras más fascinantes del Museo, "Funcion de circo" de Seurat el Met ofrece un contexto único para apreciar el patrimonio y el encanto de esta obra, pintada en 1887-1888 por Georges Seurat (1859-1891). Hasta el 29 de mayo de 2017.
        Apoyada por un notable grupo de obras relacionadas de Seurat que acompañan a sus inimitables dibujos en lápiz conté, la exposición explorará la fascinación que el tema del circo y el espectáculo representó para otros artistas en el siglo XIX, desde el gran caricaturista Honoré Daumier a mediados de sigl, hasta el joven Pablo Picasso en la "Fin de siècle".
       Esta rica narrativa visual se desarrollará en una exposición provocativa de más de 100 pinturas, dibujos, estampas, carteles de época y revistas ilustradas, complementadas con instrumentos musicales y una serie de material documental destinado a mostrar una imagen vívida de las ferias y circos de la época. Entre los puntos más destacados se encuentran la épica ‘Grimaces and Misery– The Saltimbanques’ de Fernand Pelez, creada el mismo año que la obra magistral de Seurat y que, con sus artistas de tamaño real alineados en una formación de 20 pies de largo, igualan su ambición.
       “Funcion de circo” fue organizada por Susan Alyson Stein, Curadora de pintura europea del siglo XIX en el Met, y por el curador invitado Richard Thomson, profesor de Bellas Artes en la Universidad de Edimburgo.
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Buenos Aires - MAMBA - Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña

 

       "Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña", la primera exposición individual en un museo argentino del artista tucumano afincado en Berlín, una constelación de kilómetros de telas de araña fabricada en los últimos meses por 7.000 arañas de la especie Parawixia bistriata, se inaugura este viernes a las 19 en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
       La ciencia y el arte se balancean con total naturalidad en la obra de este arquitecto nacido en 1973, al punto de que sus singulares creaciones llaman la atención por igual tanto desde la Bienal de Venecia como del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), y desde el Museo Metropolitano de Nueva York hasta la Nasa, siempre a raíz de sus investigaciones en torno a las telas de arañas, un proyecto que ya lleva casi diez años y que lo convirtió en la única persona en el mundo que posee una colección de telas de arañas.
       Cuando el Museo invitó a Saraceno a realizar su primera exposición en una institución de la Argentina, él a su vez -al mejor estilo Peter Parker- invitó a miles de arañas a que lo acompañen, y así la muestra se despliega en dos salas y cuenta con el apoyo del Museo Argentino de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia y el Max Planck Institute.
      En la primera sala, miles de arañas -que ya no están- han tejido kilómetros de telas de finísimos hilos de seda que prácticamente brillan en la sala casi en penumbras, una pieza rara de describir y clasificar. Hay que moverse con cuidado y observar detenidamente para no perderse los detalles de esta construcción original.  En tanto, en el subsuelo, los visitantes pueden asistir a una suerte de concierto cósmico, protagonizado por una araña, su fascinante tela y las partículas de polvo presentes en el espacio cuyos movimientos producen un sonido que amplificado retumba en el ambiente.

Cuba - Bienal de humorismo gráfico

 

                         Bienal de humorismo gráfico reúne a artistas de 20 países en Cuba        Se está realizando esta Bienal, que incluye el concurso de 133 obras de 79 autores procedentes de 20 países, con mayor participación de autores de Cuba, Irán y Brasil en categorías como humor general y sátira política.
        El género en el que más se compite es el humor general (44 obras), pero también están la sátira política (40) y la fotografía humorística (20), e incluso se incrementa la participación en historieta, y se concursa también en caricatura personal.
        Un jurado encabezado por Carlos David Fuentes Hierrezuelo, ganador en dos ocasiones del certamen e integrado también por el norteamericano John Lent; el colombiano Orlando Morales; Cristina Sampaio, de Portugal; Marilena Nardi, de Italia; la especialista del museo del Humor María Elena Arango; y el Héroe de la República de Cuba Gerardo Hernández Nordelo, es el responsable de seleccionar las obras ganadoras. El resultado se dará a conocer en la última de las jornadas después de que el humor haya tomado las calles de San Antonio de los Baños, conocida como la Capital del Humor.
           Los trabajos escogidos integran el Salón Internacional de la Bienal de Humorismo Gráfico, y allí, el público tiene ocasión de votar por el más popular. También se realizan homenajes al historietista Rafael Fornés y al caricaturista Lázaro Fernández.
          Hay también expos personales de Yaimel López, en el Estudio Ares, y de Ramiro Zardoya, en el Centro de Artes Visuales de San Antonio. Yaimel y Ramiro son jóvenes exponentes de la caricatura, según confirmó el consagrado Arístides Hernández, miembro del comité organizador y del jurado de admisión.
        Ares también se refirió a que en las últimas ediciones de la Bienal se viene dando un fenómeno para el cual el Museo del Humor, de San Antonio de los Baños, debe prepararse y es la recepción de obras en formato digital, para lo cual hay que dotar a esa institución de tecnología adecuada para atesorar esas obras que llegan en alta resolución.
       Aunque La Habana es subsede de la Bienal, con algunas actividades, el resto de los eventos transcurrirán en la villa del río Ariguanabo, donde se considera al certamen como una fiesta de pueblo que se extiende hasta el 9 de abril con la realización de conciertos de orquestas bailables, exposiciones y fiestas para niños.
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Madrid - Museo del Prado: Tesoros de la Hispanic Society of America

     

        El Museo del Prado, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, ofrece al público la excepcional oportunidad de disfrutar de más de doscientas obras pertenecientes a Hispanic Society, institución con sede en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos de América.
        La Hispanic Society posee la más importante colección de arte hispano fuera de nuestro país, con más de 18.000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros raros, entre los que se incluyen 250 incunables. Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura.
          Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se muestran en un recorrido cronológico y temático donde la pintura española, con obras tan relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, entabla un fascinante diálogo con las colecciones del Prado.

Buenos Aires - Xul Solar. Panactivista - Museo Nacional de Bellas Artes

  

         El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición Xul Solar. Panactivista, a 130 años del nacimiento del artista. Curada por Cecilia Rabossi, la muestra recorre la obra de Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari (1887-1963), uno de los protagonistas de la vanguardia argentina del siglo XX. La muestra presenta su figura en múltiples dimensiones —artista, músico, astrólogo y “escribidor”—, y analiza el carácter místico y utó¬pico que atraviesa toda su producción.

        Xul Solar. Panactivista reúne más de 180 obras, entre acuarelas, témperas, objetos, máscaras, manuscri¬tos, ilustraciones y documentos personales, pertenecientes al Museo Nacional de Bellas Artes, la Fun¬dación Pan Klub-Museo Xul Solar y colecciones particulares. “Arte y literatura: Xul y sus amigos”, “Músico visual”, “El mundo de las lenguas”, “Espacios habitables”, “Lo místico, lo esotérico y lo oculto” y “Grafías plastiútiles. Una escritura plástica” son los seis núcleos temáticos en los que se despliega la propuesta.

          La exposición también explora su vínculo fraternal con el pintor Emilio Pettoruti y con Jorge Luis Borges, y a través de estas relaciones, se detiene en su estadía en Europa, el regreso a la Argentina, en 1924, y su inserción en el medio artístico y literario local.

        “Para el Museo Nacional de Bellas Artes es un honor abrir la temporada 2017 con una exposición del gran artista argentino Xul Solar, dueño de un lenguaje visual y verbal propio, concebido al calor de una inquie¬tud constante. Xul Solar es un eslabón ineludible para comprender el derrotero de las vanguardias locales durante las primeras décadas del siglo XX. Su espíritu de recreación de las palabras y las cosas hizo que difuminara los límites entre las disciplinas. Sus piezas, de factura indudablemente personal, y sus proyec¬tos, que le hablan al universo, son ejemplos del humor, la candidez y la frescura con la que actuó en la escena artística nacional”, sostiene Andrés Duprat, director del Bellas Artes.

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Buenos Aires - Usina del Arte - Henri Cartier-Bresson, Fotógrafo.

          La Usina del Arte presenta esta exposición que reúne más de 100 fotografías del célebre artista francés considerado precursor del fotorreportaje y el documentalismo. Se compone de una selección de 133 fotografías, desde su más temprano período surrealista pasando por su trabajo documental en París, así como series e imágenes de sus viajes durante los agitados años 60’ y 70’. La obra de Cartier-Bresson se caracteriza por la idea de atrapar el instante decisivo: poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción. Es una figura mítica en la fotografía del siglo XX, apodado “el ojo del siglo” y su obra fue expuesta en el Palais du Louvre, el MoMA (2010) y el Centre Pompidou (2014) entre otros.

Henri Cartier-Bresson
       Nacido en Chanteloup, Seine-et-Marne, Henri Cartier-Bresson desarrolló una temprana y fuerte fascinación por la pintura, y particularmente por el surrealismo. En 1932, después de pasar un año en Costa de Marfil, descubrió la Leica -su cámara elegida desde entonces- y comenzó una pasión de por vida por la fotografía. En 1933 tuvo su primera exposición en la Julien Levy Gallery en Nueva York. Más tarde hizo películas con Jean Renoir. Tomado prisionero de guerra en 1940, escapó en su tercer intento en 1943 y posteriormente se unió a una organización subterránea para ayudar a prisioneros y fugitivos.     
        En 1945 fotografió la liberación de París con un grupo de periodistas profesionales y luego filmó el documental Le Retour (El Regreso).En 1947 junto a Robert Capa, George Rodger y David “Chim” Seymour fundó la agencia Magnum Photos. Después de tres años viajando por el Este, en 1952 volvió a Europa, donde publicó su primer libro, Images à la Sauvette (publicado en inglés como The Decisive Moment).
          Explicó su enfoque de la fotografía en estos términos: "Para mí la cámara es un bloc de notas, un instrumento de la intuición y la espontaneidad, el dueño del instante que, en términos visuales, pregunta y responde simultáneamente. Es por la economía de medios que se llega a la sencillez de expresión".A partir de 1968 comenzó a restringir sus actividades fotográficas, prefiriendo concentrarse en el dibujo y la pintura. En 2003, con su esposa e hija, creó la Fundación Henri Cartier-Bresson en París para la preservación de su obra. Cartier-Bresson recibió un número extraordinario de premios, reconocimientos y doctorados honorarios. Murió en su hogar en Provence, Francia el 3 de agosto de 2004, algunas semanas después de su cumpleaños 96.

Del 21.02 al 02.04 | Horarios: martes a jueves de 14 a 19 h; viernes de 12 a 21 h; sábados, domingos y feriados de 10 a 21 h 

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Museo Giverny - Estruendo! Instrumentos musicales en el arte

 

Los comienzos del impresionismo coinciden con la aparición de nuevos instrumentos musicales y con una presencia cada vez mayor de la música en la vida cotidiana: se inauguran cafés concierto, salones de baile y salas de ópera. Manet, Degas, Renoir, Morisot, Whistler, Toulouse-Lautrec y Bonnard son a la vez testigos y actores de esos cambios que suponen el nacimiento del ocio moderno.

En paralelo a esa «nueva pintura» surge  también, a finales del siglo XIX, una «nueva música». Se rompe con los códigos tradicionales, y vientos de modernidad y libertad soplan en el mundo musical. Los pintores defienden en sus cuadros esa evolución.

         Las casi sesenta obras de esta muestra que se realizará hasta el 2 de julio en el Museo de los Impresionistas de Giverny,  cuentan la historia de una música cada vez más presente en la pintura. A las representaciones públicas –fanfarrias, circos, cabarets, orquestas, óperas, fiestas– se suman otras escenas más íntimas, como las de la música en el salón o las clases de música. Esta exposición pone de manifiesto las estrechas relaciones que en esta época se establecen entre los pintores y los músicos. Cuenta con la curaduria de Frédéric Frank y  Belinda Thomson y con el apoyo excepcional del Museo d'Orsey y de l'Orangerie

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