Buenos Aires - MNBA - Carlos Alonso - Pintura y memoria

El Museo Nacional de Bellas Artes exhibe la obra del artista argentino Carlos Alonso en el Pabellón de exposiciones temporarias. Esta exposición propone una mirada retrospectiva que busca establecer relaciones entre los elementos formales, conceptuales y temáticos que aparecen, de modo constante, en la estética de Alonso. La muestra se desarrolla a partir de dos ejes temáticos: Pintura y tradición, comprende los collage de la serie Blanco y negro y las pinturas que citan y rinden homenaje a sus maestros y a grandes artistas de la historia del arte, como las series dedicadas a Lino E. Spilimbergo y Vicent van Gogh. Y, Realidad y memoria, incluye las que reflexionan sobre nuestra historia reciente, comprometidas con lo social y lo político, como las series dedicadas a la muerte del Che Guevara. Además, la reconstrucción de la instalación Manos anónimas, ocupará el espacio central de la exposición.De abril a julio de 2019.

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Buenos Aires - MALBA - Mundo propio - Fotografía moderna argentina 1927-1962

 

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Mundo propio configura un amplio panorama de las vanguardias en la fotografía argentina a lo largo de tres décadas, a través de una selección de 250 obras –en su mayoría copias de época– de Horacio Coppola, Grete Stern, Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, Sameer Makarius, Juan Di Sandro, Pedro Otero, Hans Mann, George Friedman y Alicia D’Amico, entre otros célebres fotógrafos que abrieron nuevos caminos en el campo de la fotografía nacional, además de otros referentes menos conocidos con obras sumamente originales.
Con eje en la experimentación, la exposición se organiza en grandes núcleos temáticos en torno a la ciudad, la abstracción, los surrealismos, el mundo onírico y los retratos, con obras provenientes de destacadas colecciones privadas y públicas del país como el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y la Fundación Larivière, Colección de Fotografía Latinoamericana, entre otras.
Entre los importantes conjuntos se incluyen las fotos de Buenos Aires de Horacio Coppola (1929-1936) y sus primeras tomas de 1927 en copias vintage; las plantas autóctonas de Anatole Saderman de los años 30; Los sueños de Grete Stern en su serie completa de 46 fotomontajes, publicados entre 1948 y 1951 en la página "El psicoanálisis le ayudará" de la revista Idilio (Editorial Abril); parte de la serie La fotografía y la música (1952-1956) de Pedro Otero; y los célebres retratos de Annemarie Heinrich.
La exhibición también incluye fotografías prácticamente inéditas o rarezas –que circularon solo en galerías especializadas– como la fotonovela de George Friedman, lanzada por editorial Abril en los años 50 y 60; los primeros retratos de Hans Mann en el Chaco (c. 1937); fotos de Gisèle Freund que vivió unos años en Buenos Aires; las abstracciones urbanas de Ricardo Sansó de 1957; la Serie Bíblica de Sameer Makarius, piezas únicas que expuso en la Galería Peuser en 1961 con el grupo de la Nueva Figuración; además de fotografías y material de archivo de la Carpeta de los 10 y el Grupo Forum.

Fotógrafos en la exposición: Juan Bechis; Horacio Coppola; José Costa; Alicia D´Amico; Juan Di Sandro; Gisele Freund; George Friedman; Manuel Gómez; Annemarie Heinrich; Alex Kein; Sameer Makarius; Hans Mann; Julio Maubecin; Rodolfo Ostermann; Pedro Otero; Humberto Rivas; Anatole Saderman; Ricardo Sansó; Fred Schiffer; Nicolás Schonfeld; Boleslaw Senderowicz; Grete Stern; Augusto Ignacio Vallmitjana; Sivul Wilensky

Córdoba - CILE 2019 - Discurso de María Teresa Andruetto para el cierre del Congreso de la Lengua

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La escritora cordobesa ofreció un discurso muy crítico para cerrar el encuentro internacional.

Hay una grieta en todo / así es cómo entra la luz, dice Leonard Cohen, Y entonces es ahí, en las fisuras, donde quisiera mirar.

No fue sencillo para mí aceptar la invitación a cerrar este congreso, por las disidencias diversas que con él tiene, por razones también diversas, la comunidad a la que pertenezco y por mis propias disidencias.

Me tranquilizan dos cuestiones, la primera es que antes de aceptar hice saber mi posición y la invitación se sostuvo –con un espíritu democrático y una amplitud que mucho agradezco–; la otra es que estoy aquí como escritora y el lugar de quien escribe es, en lo que respecta a la lengua, un lugar de desobediencia, de disenso. 

Bauhaus, la escuela que cambió el arte (y el mundo), cumple 100 años

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Alemania se vuelca en las celebraciones del aniversario de la institución, reparando el error histórico de hace un siglo, cuando los nazis forzaron su cierre y provocaron el exilio de sus líderes

La Bauhaus abrió sus puertas hace un siglo. El 1 de abril de 1919, los estudiantes cruzaron por primera vez el umbral. Los profesores, todavía alojados en hoteles, empezaron a trabajar en seminarios que alternaban la artesanía y los saberes técnicos, con el objetivo de generar un arte adaptado a las necesidades de la sociedad alemana de posguerra. Las facciones más conservadoras de Weimar pusieron el grito en el cielo: en sus aulas había mujeres y hasta extranjeros. El cataclismo bélico había dejado la moral nacional por los suelos, pero también provocado la ilusión de un nuevo comienzo. Cientos de jóvenes llegaron a la ciudad donde murieron Goethe y Schiller para participar en la gran aventura de la escuela, que terminaría cambiando el rumbo del arte. “Juntos, déjenos desear, concebir y crear la nueva estructura del futuro, que un día se elevará hacia las alturas, como el símbolo de cristal de una nueva fe”, rezaba su rimbombante manifiesto, escrito en letra gótica y poco minimalista dirigiéndose al público.

Córdoba - CILE 2019 - "Usar el lenguaje inclusivo es un pronunciamiento politico"

Entrevista radial de Alejandro Bercovich en Radio Con Vos a Santiago Kalinowski Director del Departamento de Investigaciones Linguisticas y Filológicas de la Academia Argentina de Letras
sobre el Lenguaje inclusivo como pronunciamiento politico

Entrevista

Córdoba - CILE 2019 - Millennials: Cuáles son las 10 palabras que más utilizan y qué significan

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Un grupo de lingüistas elaboró un listado en el marco del Congreso Internacional de la Lengua Española. Mayoría de anglicismos.

En el contexto del Congreso Internacional de la Lengua Española, que se realiza en la provincia de Córdoba, los especialistas revelaron que la mayoría de los términos utilizados por la generación de chicos y chicas nacidos entre mediados de los ’80 y los ’90, son anglicismos. Es decir, préstamos lingüísticos del inglés hacia otro idioma. Además de que surgen y tienen relación con el mundo digital, un ámbito en el que esta camada tiene gran participación, ya que se caracterizan por la hiperconexión, la inmediatez, y la necesidad de auto expresarse.

SOBRE LO QUE LEEMOS: Distancia de rescate - Samanta Schweblin

 LITERATURA EN EL BONDI

¿Es una historia real? ¿es una novela de ficción? ¿es una narración fantástica? Estas son las preguntas que el lector se plantea cuando comienza a leer Distancia de rescate, un cuento corto de Samanta Schweblin. Preguntas que va tratando de responder en un relato atrapante, virtuoso e hipnótico, en donde los diálogos se entrecruzan en un hilo primordial:  el hilo de la distancia de rescate que une a una madre con un hijo.

Pero además, todo se empieza a revelar cuando aparecen las palabras claves de la narración:  glifosato y transmigración. ¿Es real todo lo que está pasando? ¿Puede suceder esto en el campo, tan cerca nuestro y tan cerca de los protagonistas? Y, el relato se convierte en una novela corta de terror.

Schweblin cuenta esta historia usando muy habilmente el dialogo como recurso narrativo. Construye un intercambio entre los protagonistas enlazando un pasado reciente con un presente, ilusorio, trágico y final.  El relato encuentra el desenlace con la intervención de los dos únicos hombres de la narración que desconocen la importancia fundamental del hilo de la distancia de rescate y, por eso, no se da una salvacion ni un rescate.

Samanta Schweblin

Egresada de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. En el 2001 ganó el primer premio del Fondo Nacional de las Artes por su libro de cuentos El núcleo del disturbio (2002), y su relato «Hacia la alegre civilización de la capital» obtuvo el del Concurso Nacional Haroldo Conti. Su segundo libro de cuentos, Pájaros en la boca (2009), obtuvo el Casa de las Américas 2008. Dos años más tarde fue elegida por la revista británica Granta como una de los veintidós mejores escritores en español menores de 35 años.​

«Un hombre sin suerte», cuento en el que narra un encuentro entre una niña y un desconocido, obtuvo el Premio Juan Rulfo 2012. ​ En 2014 fue distinguida con el Premio Konex, Diploma al Mérito, por su trayectoria como cuentista durante el período 2009-2013 y al año siguiente ganó el de Narrativa Breve Ribera del Duero con Siete casas vacías.​

En 2015 ganó asimismo el Premio Tigre Juan por su primera novela, Distancia de rescate, que Claudia Llosa piensa llevar a la pantalla grande: la escritora y la cineasta trabajaron en la adaptación al año siguiente. ​La versión inglesa de la novela (publicada con el título Fever Dream por Oneworld en el Reino Unido y por Riverhead Books en EE.UU., y traducida por Megan McDowell) fue seleccionada para la shortlist del Man Booker International Prize 2017.

En 2018 Distancia de rescate obtiene el Premio Tournament of books, como "mejor libro del año publicado en los Estados Unidos"; y el premio de Nouvelle de Shirley Jackson.

Brasil - El arte urbano brasilero: Paulo Ito como denuncia social

 

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Paulto Ito es un artista brasileño que utiiza el arte como via directa de golpe a la conciencia de todo aquel que es capaz de pararse y apreciar cada una de sus obras.
En los 14 años que lleva pintando en la calle, Paulo Ito no había creado nunca una obra que alcanzara la popularidad masiva de esta. Desde que en mayo lo creó, fotografió y colgó en su página de Flickr, el mural se hizo viral y se erigió como un símbolo de las protestas contra el despilfarro del Mundial de fútbol.

El mapa del expolio colonial en los museos europeos

Holanda y Francia deciden devolver obras de arte a sus países de origen, pero el conflicto se expande por casi todo el continente

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Pasear por el British Museum de Londres equivale a dar una vuelta al mundo. Es el lugar más visitado de todo el Reino Unido, aunque en realidad la gente acude a él para admirar un trozo de la antigua Grecia, el seminal Egipto de la piedra Rosetta o el Irak anterior a la guerra de 2003. ¿Qué sería de los grandes museos europeos si comenzaran a entregar el arte saqueado en el pasado a sus países de origen?
 

 Algunos de ellos ya están dando pequeños pasos en esa dirección. El Rijksmuseum de Ámsterdam planea solucionar el expolio colonial en Sri Lanka e Indonesia devolviendo las piezas de su colección que fueron robadas o saqueadas.
"Se sabe que muchas colecciones del Museo del Louvre, el British Museum y tantos otros museos europeos se han nutrido de obras que, inicialmente, no les pertenecerían", comentan a Verne por correo electrónico las expertas en patrimonio cultural Raquel García Revilla y Olga Martínez Moure, de la Universidad a Distancia de Madrid (Udima).

 Para analizar estas situaciones, ambas recuerdan las palabras del arqueólogo Sam Hardy: "La retención de antigüedades que se extrajeron mediante expediciones de castigo es una perpetuación intolerable de la violencia colonialista".

Este ajuste de cuentas pendientes del museo holandés se suma al del Gobierno de Francia. Macron abrió la puerta a finales de 2018 a entregar decenas de piezas de arte africano que se exponen en museos del país. Las naciones agraviadas a las que se pretende restituir son Malí, Benín, Nigeria, Senegal, Etiopía y Camerún, a través de un completo informe que defiende la restitución artística.
Es un cambio de patrón hasta ahora inédito, que contrasta con la actitud escurridiza que a menudo han tenido grandes instituciones como el propio British Museum. Su conflicto principal lo mantiene con Grecia, que lleva décadas reclamando mármoles y estatuas del Partenón de Atenas.
Un embajador británico, Lord Elgin, arrancó en el siglo XIX parte del friso del gran icono arquitectónico de nuestra civilización y se lo llevó al Reino Unido para terminar vendiéndoselo a su Gobierno. Si le salió bien la disparatada jugada fue gracias a sus poderosos contactos en uno y otro país.

SOBRE LO QUE LEEMOS: El cambio y la impostura - Ezequiel Adamovsky

LITERATURA EN EL BONDI

El cambio y la impostura
La derrota del kirchnerismo, Macri y la ilusión pro

Un libro que me dio la oportunidad de profundizar en mayores precisiones sobre los conceptos que escuchamos y repetimos habitualmente: liberalismo, República, populismo, etc. Sobre el caso de la muerte del Fiscal Alberto Nisman presenta una contextualización e historización del hecho que me resultó original. Los capitulas que más me enriquecieron fueron: el análisis sobre el papel de los medios, el Macrismo y el Kirchnerismo a la luz del 2001 y El ataque a la memoria. Lo recomiendo. El autor escribe desde una perspectiva equilibrada y honesta, invitando a ir mas allá de la dicotomía K-antiK  que tiñó el debate público de los últimos años.

Ezequiel Adamovsky es doctor en Historia por University College London (UCL) y licenciado en Historia por la Universidad de Buenos Aires. Es investigador independiente del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET) y ha sido investigador invitado en el Centro Nacional de Investigaciones Científicas (CNRS) en Francia. Se desempeña como profesor de la Universidad Nacional de San Martín y de la UBA.

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London - National Gallery - Sorolla: maestro español de la luz

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 Joaquín Sorolla (Valencia, 1863-Cercedilla, 1923) volvió a conquistar Londres, tal y como lo hizo en 1908, cuando, considerado como el «el más grande de los pintores vivos», expuso en la Grafton Galleries. Más de un siglo después, la National Gallery de la capital británica presenta 'Sorolla: Maestro español de la luz', una gran retrospectiva sobre el genio valenciano que reúne 60 obras de las mejores pinacotecas del mundo y de coleccionistas privados.

'Sorolla: Maestro español de la luz' está curada por Christopher Riopelle, conservador de pintura del siglo XIX de la National Gallery, quien ha contado con el asesoramiento de Blanca Pons Sorolla, bisnieta del artista valenciano y experta en su obra. «Entre Goya y Picasso, Sorolla fue el artista más destacado de España. Célebre autor, pintó temas sociales difíciles, pero se hizo famoso por sus escenas de playa bañadas por el sol y sus exuberantes jardines. Nadie antes o desde entonces ha pintado la luz del sol mediterráneo como Sorolla», sostiene Riopelle.

Clarice Lispector, la escritora incalificable en estilo y en forma

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Reconocida como una de las más importantes literatas del siglo XX, con su lenguaje poético e innovador y su personalidad enigmática se fraguó una leyenda que sigue de actualidad. Por Alberto López

La escritora Clarice Lispector
“No escribo para agradar a nadie”, repitió en innumerables ocasiones Clarice Lispector cuando le recriminaban que no entendían lo que quería decir en sus obras. Jamás le importó el qué dirán, sobre todo partir de que rechazaran, en un periódico de Pernambuco cuando era una niña, los cuentos que enviaba para una sección infantil de relatos. Porque mientras que el resto de niños enviaba textos narrativos, los suyos solo contenían "sensaciones".
Siempre tuvo claro que se dedicaría a escribir, y de hecho ejerció no solo como escritora, sino que también fue periodista con artículos de opinión, de cocina y de moda. Deseaba ser considerada una mujer normal y, aparentemente, como madre de dos hijos, esposa y alguien que pertenecía a la clase media, lo era. Sin embargo, destacaba en todo porque no era normal en nada de lo que hacía, era una artista genial imposible de encasillar, reconocida en sus círculos íntimos y en los literarios de Brasil, pero poco más allá a pesar de haber viajado mucho durante su escaso medio siglo de vida.

Clarice Lispector es considerada, junto con Guimarães Rosa, la gran escritora brasileña de la segunda mitad del siglo XX gracias a su estilo, entre la poesía y la prosa. Una marca que llenaba de espiritualidad los detalles cotidianos y que se caracterizaba por utilizar la primera persona en los relatos. No se parecía a nadie y su visión no recuerda a ningún movimiento, si bien pertenece a la tercera fase del modernismo, el de la Generación del 45 en Brasil.
Chaya Pinkhasovna Lispector fue el nombre que le pusieron al nacer el 10 de diciembre de 1920, en la localidad ucraniana de Chetchelnik. De origen judío, fue la tercera hija de Pinkhas y Mania. Su nacimiento supuso un alto en el camino de huida en una época de hambre, caos y persecución racial. Su abuelo fue asesinado, su madre fue violada y su padre fue exiliado, sin dinero, al otro lado del mundo.

Feria Internacional del Libro de Guadalajara - México - Orhan Pamuk, el turco impaciente que busca ser feliz

El Nobel de Literatura inaugura el salón literario de la FIL

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         Orhan Pamuk es premio Nobel, tiene 66 años, alberga razones para sentirse triste (su país, donde encarcelan a los que quieren practicar la libertad de expresión), pero busca la felicidad. Con ahínco. A través de la escritura. Su familia lo quiso pintor o arquitecto, pero se rebeló, quiso que su imaginación fuera directamente del cerebro a la pluma, y así ha escrito libros en los que ocurren cosas extraordinarias que parecen simples en entorno difíciles, oscuros o tristes.
Su última novela es La mujer del pelo rojo (Literatura Random House), y antes publicó dos obras consideradas maestras de su imaginación y de su memoria, los elementos que conforman el bagaje de su escritura. Esas obras fueron Estambul y El Museo de la Inocencia, quizá la más importante de sus creaciones.

Madrid - El Prado se viste con telas maestras

 Velázquez, Van der Weyden, Ribalta, Veronés, Rubens, El Greco, Ribera, Andrea del Sarto y Alma Tadema salen del interior del Museo del Prado para iluminar sus fachadas. A través del proyecto Vestir el Prado, los viandantes tendrán otra visión del edificio cubierto por enormes lienzos que recogen detalles de obras de los citados maestros, en una exposición que permanecerá a lo largo de todo el año 2019, en el que la pinacoteca conmemora su bicentenario.

Como señaló Miguel Falomir, su director, la capacidad del Prado como elemento inspirador para la creación se vuelve a manifestar en esta nueva lectura de la colección vistiendo sus fachadas con algunas de las icónicas obras, en un iniciativa que ha contado con la colaboración de El Corte Inglés

Más 11.000 metros cuadrados de PVC microperforado cubrirán las fachadas del edificio Villanueva con detalles de las telas, para que luzcan con los tejidos que han representado en sus cuadros los maestros de la pintura.

Las gigantescas “telas” recogen el colorido y la pincelada de los artistas. En ellas se observan los golpes de pincel, los movimientos, los craquelados y cambios que provoca el tiempo en la pintura. Una nueva mirada al interior de la colección en la que se han buscado calidades, gamas cromáticas, materias y gestualidades que se potenciarán entre sí y que visualmente se integran en la arquitectura.

Para este proyecto se han seleccionado un total de 11 detalles de nueve obras que cubrirán las fachadas con 15 grandes lonas: La disputa con los doctores en el Templo de Veronés, La Coronación de la Virgen de Velázquez y La Trinidad del Greco decorarán la fachada oeste (Puerta de Velázquez).

La Virgen con el Niño entre San Mateo y un ángel de Andrea del Sarto, Magdalena penitente de Ribera y La siesta de Alma Tadema vestirán la fachada este y Cristo abrazando a San Bernardo, de Ribalta, la fachada sur (Puerta de Murillo). La fachada norte (Puerta de Goya) se descubrirá al público el 19 de noviembre durante un simbólico acto de presentación.

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