British Museum London - La disputa británica con Grecia por los tesoros antiguos se suma a las tensiones por el Brexit

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La disputa británica con Grecia por los tesoros antiguos se suma a las tensiones por el Brexit
Reuters

Una disputa de larga duración entre Reino Unido y Grecia por tesoros antiguos se ha sumado a las tensiones por el Brexit, después de que una demanda por la devolución de objetos culturales robados se agregara al borrador de negociación de la Unión Europea.
El British Museum de Londres se ha negado a devolver los Mármoles del Partenón, unas esculturas de 2.500 años que el diplomático británico Lord Elgin retiró de Atenas a principios del siglo XIX cuando Grecia estaba bajo dominio turco-otomano.
Un borrador de la posición de 27 naciones de la UE sobre las negociaciones con Reino Unido sobre su futura relación, al cual Reuters tuvo acceso el martes, busca el "retorno o restitución de objetos culturales retirados ilegalmente a sus países de origen".
El documento no especificó ningún objeto cultural en particular. Sin embargo, un diplomático de la UE dijo que la línea fue agregada a pedido de Grecia, con apoyo de Italia.
El ministro de Cultura de Grecia dijo el mes pasado que Atenas intensificará su campaña por la devolución de los Mármoles del Partenón de Londres y que esperaba recibir más apoyo de sus pares europeos a medida que el Brexit disminuye la influencia de Reino Unido.
No hubo comentarios inmediatos de la oficina del primer ministro británico Boris Johnson, quien lideró la salida del Reino Unido de la Unión Europea el 31 de enero, más de tres años después de que los británicos votaron a favor de su retiro del bloque en un referéndum.
La retórica entre Londres y Bruselas por los términos de su futura relación se ha agudizado este mes antes de que las negociaciones comiencen a principios de marzo.

(Información de Gabriela Baczynska y John Chalmers, editado en español por Lucila Sigal)

Vaticano - Capilla Sixtina- Los tapices de Rafael regresan a la Capilla Sixtina más de 400 años después

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Los Museos Vaticanos vuelven a juntar las creaciones del genio de Urbino con las de Miguel Ángel, que siempre se opuso a que sus obras compartieran el mismo espacio

La Capilla Sixtina lucirá  desde el 16 de febrero y durante una semana, tal y como fue concebida en su origen. El Juicio Final y la espectacular bóveda de Miguel Ángel y los frescos de Botticelli, Perugino y Pinturicchio estarán acompañados por los 10 tapices diseñados por Rafael para todo el perímetro inferior de la sala y que relatan la vida de los apóstoles.

Los celos de Miguel Ángel, que nunca quiso que las obras del genio de Urbino rivalizaran con sus pinturas en un mismo espacio, y los cambios de criterio de los diferentes papas terminaron por desterrar los tapices de Rafael Sanzio (Urbino, 1483- Roma, 1520) incluso a los sótanos vaticanos. Ahora y por segunda vez en la historia reciente, con ocasión del quinto centenario de la muerte del artista renacentista, la Capilla Sixtina, estrella de los Museos Vaticanos, volverá a ser el escenario de una competición artística sin parangón. Algunos de los tapices se habían expuesto anteriormente, en 1983 y en 2010, pero hacía más de cuatro siglos desde la última ocasión en la que los 10 habían sido colocados, juntos y a la vez, en la Capilla Sixtina.
Las obras, que durante siete días regresarán a su lugar original, fueron diseñadas por Rafael entre 1515 y 1516, concebidas como un gran ciclo monumental con las historias de la vida de san Pedro y san Pablo, y se tejieron en el célebre taller de Pieter van Aelst en Flandes. Entre 1519 y 1521 llegaron al Vaticano por orden del papa León X, que realizó una inversión sin precedentes para decorar la estancia en la que los cardenales eligen a un nuevo pontífice. Las piezas están tejidas con hilos dorados de seda y costaron cinco veces más de lo que finalmente se pagó a Miguel Ángel por la ornamentación de toda la Sixtina.

Buenos Aires - Fioravanti está de vuelta - Casa Victoria Ocampo - FNA

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 Una muestra exhibe 33 obras de un pionero de la escultura en la Argentina, con cuyos monumentos convivimos muchas veces sin saberlo.

No son tantos quienes saben que él es el autor, pero los icónicos lobos marinos de la rambla marplatense –creados en 1940 a partir de la talla de bloques de piedra Mar del Plata– son una de sus obras más populares. Otra es el Monumento al Presidente Roque Saénz Peña, de 1936, ese magnífico conjunto escultórico ubicado sobre la calle Florida esquina con Diagonal Norte, en la ciudad de Buenos Aires: complejo, alegórico, con sus especiales soportes y bases prácticamente arquitectónicas. El Monumento a Simón Bolívar de Parque Rivadavia –1940, en el barrio de Caballito– es otro de sus maravillosos trabajos, fruto de un agudo escultor autodidacta. Actualmente la retrospectiva José Fioravanti, 1896-1977. Clasicismo y Modernidad le rinde homenaje en la Casa de Victoria Ocampo del Fondo Nacional de las Artes (FNA). Curada por Ana Martínez Quijano –autora de un libro homónimo que presentó en la inauguración–la muestra reúne 33 obras y pone en valor la exquisita y original producción de uno de los escultores más importantes de nuestro país.

Buenos Aires - PROA - Anish Kapoor. Surge

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Anish Kapoor, reconocido artista indio-británico está presentando en Fundación Proa hasta 1 de Marzo 2020 una selección de obras significativas de su producción artística, que van desde 1992 hasta la actualidad. La selección, curada por Marcello Dantas, abarca diferentes series y materiales con los que ha sido reconocido a lo largo de su carrera tales como la cera, la piedra, el pigmento y el acero. Esta diversidad se conecta con su interés en investigar los cambios perceptivos de las obras en función del contexto expositivo. En palabras del artista, “…para crear un arte nuevo, debes crear un nuevo espacio... [ser] muy activo, encontrarte en varios estados de transformación”.

Organiza: Estudio Anish Kapoor - Magnetoscopio - Fundación Proa
Curador: Marcello Dantas
Auspicia: Tenaris – Organización Techint
Con el apoyo de la Embajada Británica en Argentina y British Council

Uruguay - Joaquín Torres García, el más audaz de los artistas modernos uruguayos

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Recuperar la memoria, celebrar el arte, homenajear a los grandes. Así podría llamarse la muestra Torres García, un universo vanguardista, que se desarrolla en la Galería Sur, en Punta del Este, que seleccionó a uno de los artistas modernos más importantes de América Latina para celebrar su aniversario 35.
El gran artista uruguayo Joaquín Torres García (Montevideo, 1874-1949) dedicó su vida a las batallas por la esencia del arte junto a los principales actores de las Vanguardias del siglo XX. La retrospectiva recorre diferentes periodos, con emblemáticos ejemplos de Barcelona, Nueva York, París y Montevideo a través de 70 obras: ciudades y puertos, personajes célebres, figuras clásicas, constructivos, formas primitivas, juguetes y murales.
Un artista de vanguardia
Hijo de una uruguaya y un catalán, en 1891 la familia viaja a Barcelona por problemas económicos. Allí asiste a la Escuela Oficial de Bellas Artes de Barcelona en 1894 y también a la Academia Baixàs. En la Ciudad Condal experimenta una serie de transformaciones que lo acercan al Neucentisme Catalan y culminan en los frescos de la Diputación de Barcelona. En esta ciudad también diseña vitrales para la Sagrada Familia de Gaudí, en 1904.

Buenos Aires - Usina del Arte - Women.Poder femenino en foco - National Geographic

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Una selección de más de 60 fotos del archivo de National Geographic

Por primera vez en Latinoamérica, National Geographic presenta una selección de fotografías de su archivo de más de 130 años. En “Women - Poder femenino en foco“, se exponen algunas de las imágenes más relevantes y cautivadoras desde principios del siglo XX hasta el presente con la mujer como gran protagonista, dando cuenta de la evolución que ha transitado su imagen a nivel global.

Las mujeres han sido centrales para la narrativa de National Geographic a lo largo de nuestros más de 130 años de historia. Fotograma por fotograma, estas imágenes conforman una crónica global de la vida de las mujeres. Esta exposición, primera de su tipo en latinoamérica, reúne algunas de las fotografías más relevantes e históricas del último siglo, las cuales han tenido un gran impacto en la sociedad, ubicando al rol de la mujer en primeras planas alrededor del mundo. Nuestros extensos archivos ofrecen cautivantes impresiones de mujeres a lo largo del tiempo -cómo fueron percibidas, cómo fueron tratadas, cuánto poder tenían (o no), cómo afrontaron desafíos y cómo pasaban sus días -desde inicios del siglo XX hasta el presente.

Esta exposición echa luz sobre las historias inspiradoras, conmovedoras y extraordinarias de mujeres que han traspasado fronteras, luchado contra la adversidad y abierto caminos tanto para sí mismas como para otras. No existe una única imagen que represente el rostro de la femineidad, pero, en conjunto, estas fotografías ilustran cómo el rol de la mujer evoluciona en sociedades de todo del mundo. Con composiciones que abarcan desde lo tradicional hasta lo provocativo, las imágenes están divididas en categorías que ponen el foco en una cualidad de sus personajes: alegría, belleza, amor, sabiduría, fortaleza y esperanza.

Susan Goldberg
Directora Editorial de National Geographic Partners y Jefa de Edición de la revista National Geographic.

La muestra permanecerá abierta hasta el 24 de marzo. Sala Laberinto
Horarios: martes a jueves de 14 a 19 h
viernes, sábados, domingos y feriados de 10 a 21 h. Lunes cerrado. Los días 17, 18 y 19 de Febrero la Usina permanecerá cerrada al público.

Visitas guiadas:
Descubrí la Usina en un recorrido por el edificio y por las muestras de artes visuales
martes, miércoles y jueves - 17:30 h
viernes, sábados, domingos y feriados - 17 h, 18 h y 19 h

Guided visits in english
Tours of the buildings and its visual arts exhibits
Saturdays, sundays and holidays - 16 h

Sala Laberinto, Usina del Arte (Caffarena 1, esq. Pedro de Mendoza)

Buenos Aires - Fundación Fortabat - Rómulo Macció - Crónicas de Nueva York

La exposición de pintura “Romulo Maccio. Cronicas de Nueva York” se inauguró en octubre pasado en la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, en la ciudad de Buenos Aires, con curaduría de Florencia Battiti y con la museografía de Juan José Cambre.
Se trata de una selección de obras que el artista realizó en su taller de Manhattan hacia fines de los años 80 y principios de los 90, muchas de ellas pertenecientes a colecciones privadas, que serán exhibidas por primera vez en Argentina.
"Macció (1931-2016) pintó ciudades, como la suya, Buenos Aires, y también otras que visitó o frecuentó. Y Nueva York no podía dejar de ejercer su hechizo, un conjuro repleto de esplendores y miserias. Allí, entre idas y venidas, vivió casi tres años", resumió Battiti el espíritu de la exhibición.

La muestra se podrá visitar desde el 17 de octubre de 2019 hasta el 23 de febrero de 2020 de martes a domingos de 12.00 a 20.00 h.


Colección Fortabat
Olga Cossettini 141,
Puerto Madero (C1107CCC)
Buenos Aires. Argentina
Tel: 54 (11) 4310-6600

Buenos Aires - Museo de Arte Moderno - Ad Minoliti - Museo Peluche

       

                                                                                                                                                 FUENTE

Para su primera gran exposición individual Ad Minoliti convierte las salas del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en un Museo peluche. Acercándose a sus obras de los últimos quince años, Minoliti las recrea, las cruza y las propone como habitantes de un gran espacio de juego. Sus pinturas, murales e instalaciones crean un imaginario vivaz, nutrido de sus intereses por la abstracción, el erotismo, la arquitectura y el diseño.
Tras vincularse con el pensamiento de las teorías feministas y queer, que proponen una visión sobre las personas y la sociedad en la que no existan comportamientos preestablecidos según la distinción hombre-mujer, Minoliti tomó conciencia de la fuerza que tienen las imágenes para crear una realidad por fuera de esos patrones culturales tradicionales. A través de murales coloridos, tiernos personajes y pinturas animadas, lx artista se concentra en intervenir sobre los conceptos que la cultura occidental ha concebido como opuestos: lo espiritual y lo racional, la naturaleza y la cultura, la seriedad y la frivolidad, lo femenino y lo masculino. Al repensar estos binomios en relación a las artes, Minoliti hace aparecer en sus obras las fuerzas de lo negado por la modernidad: lo infantil, lo tierno y lo suave. Al poner en valor estas sensibilidades, Minoliti contribuye a cuestionar el modo en que se ha construido la historia del arte y sus protagonistas pero también la imagen del mundo tal como se lo conoce.

Con su atmósfera amigable, Museo peluche también intenta disolver otros límites y jerarquías. Las pinturas, además de ser objetos de contemplación, pueden dar cobijo a pequeños animales, como en Play C coloreadas, o vestir a Zorro, Gato y Oso, que pasean por la sala como visitantes. Al mismo tiempo sus instalaciones, donde utiliza parte del patrimonio de diseño del Moderno, borran la jerarquía entre las pinturas, los objetos y los seres animados, como en Dollhouse, pero también sus murales, como Pompis, que juegan con el espacio y sus dimensiones, lo que deja en evidencia la relación entre lo que queda afuera y adentro de un museo. Así Museo Peluche propone una ficción, utópica y pacífica, donde los visitantes pueden pasear, leer y descansar entre pinturas y amables personajes.

Dentro de la exposición funciona, además, la Escuela feminista de pintura. Diseñada como una instalación y como un aula activa al mismo tiempo, Minoliti crea un espacio de aprendizaje, pleno de murales con personajes coloridos y, con la colaboración de artistas y teóricxs del campo cultural argentino, se propone atravesar los géneros más emblemáticos de la pintura desde una mirada crítica. La Escuela ofrece clases abiertas a personas de todas las edades, en las que se comparten debates sobre diversos temas, como la baja representación visual que han tenido lxs afrodescendientes en la historia del arte y la necesidad de deconstruir la representación normativizada de los cuerpos.

En Museo peluche, como una declaración de principios, Minoliti despliega la pintura en el espacio de un modo espectacular, consciente del enorme valor que una exposición puede alcanzar para cultivar hábitos y prácticas, afectos y formas de producción de placer.
  

                                                                                                                      

 © 2017 Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

 Av. San Juan 350. San Telmo. Buenos Aires. C1147AAO.

Tel: +54 011 4361-6919

HORARIO
Lunes, miércoles, jueves y viernes: 11:00 a 19:00
Sábados, domingos y feriados: 11:00 a 20:00
(martes cerrado)

VISITAS GUIADAS
Público general: lunes, miércoles, jueves, viernes, sábado
y domingo 16:00
For tours in english please make a request through
educacion@museomoderno.org
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educacion@museomoderno.org

ENTRADAS
Entrada general: $50.
Miércoles gratis.