Buenos Aires - Museo de la Ciudad - La primera exposición sobre el alfajor argentino.

       Con la intención de poner en valor al alfajor como un ícono en nuestro país, la exposición recorre, a partir de la colección de Jorge D’Agostini, toda su historia desde sus inicios; pasando, por sus recetas, rellenos y publicidades que lo llevaron al lugar que actualmente ocupan.
      Como parte de nuestra cultura gastronómica, el alfajor es uno de los alimentos que trasmiten nuestra identidad. Trasciende con un éxito inigualable: primero con la venta ambulante a principios del siglo XIX, pasando luego a las pulperías y continuando por las confiterías y quioscos hacia 1940; hasta la actualidad, donde se consumen alrededor de 6 millones de alfajores por día.
       Gracias a los emprendimientos familiares, el alfajor tomó el alcance que hoy en día conocemos. A partir de la Ruta del Alfajor se puede conocer cada una de las recetas que formaron parte de muchas familias a lo largo de todo el país. Recetas que tienen sus inicios allá por el 1840, creada por la hija de J.M. de Pueyrredón.
       Si el dulce de leche, el asado, el vino malbec, la yerba mate y la empanada fueron declarados como patrimonio cultural alimentario y gastronómico argentino; la identidad del alfajor argentino merece elevarse a ese podio por su rica historia que recorre casi dos siglos de vida.

Casa Altos de Elorriaga, Defensa 187.
Cierre: domingo 17 de septiembre de 2017.
Entrada libre y gratuita.
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Buenos Aires - Centro Cultural Borges- Colección de imágenes

“Colección de imágenes” realizó la siguiente pregunta a mil jóvenes de entre 13 y 18 años: ¿Qué ves cuándo ves? Cada uno reflexionó sobre cómo ve, en qué se fija, y cómo, en definitiva, construye su imagen del mundo. Sus respuestas se materializaron en fotografías que fueron enviadas al Recoleta. Se imprimieron en imanes, creando una colección de imágenes de 1000 formas de ver. Cada una se expondrá en la sala Cronopios, en una serie de bibliotecas metálicas ubicadas en el centro del espacio. “Colección de imágenes” invita al público a ver las formas de ver de otros, pero también lo invita a intervenir y convertirse en el curador de la exhibición: puede elegir las que más le interesen y llevarlas a un grupo de habitaciones metálicas al fondo de la sala para crear su propia muestra. Nos interesa saber qué imágenes elige, cómo las dispone y qué tipo de explicaciones desarrolla, el público podrá ver cada creación de otros públicos, quedando ambigua la relación entre espectador y obra.
http://centroculturalrecoleta.org/agenda/coleccion-de-imagenes
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Buenos Aires - Ponchos en el Bicentenario - Museo de Arte Popular José Hernández

 

             La muestra es el resultado de un trabajo de una investigación y puesta en valor de más de 60 ponchos de la colección del museo además de contar con el aporte de otros museos y de coleccionistas privados.
           Hoy el poncho aparece en importantes pasarelas internacionales, la moda en la calle también da testimonio de su aceptación como tendencia. De origen precolombino, el poncho narra la historia de caciques y paisanos, de próceres y gauchos, de jesuitas y de arrieros, de tejedores e hilanderas. La exposición propone una clave de lectura sobre estos elementos iconográficos asociados a los cambios histórico-sociales de nuestra Argentina.
          Curada por Ximena Eliçabe, el Museo eligió inaugurar esta exposición a 200 años del Cruce de los Andes realizado por José de San Martín y a 70 años del fallecimiento de Carlos Daws, el coleccionista que reunió y armó esta colección.
          Permanecerá abierta hasta febrero de 2018, de martes a viernes de 13:00 a 19:00 h y sábados, domingos y feriados de 10:00 a 20:00 h. Entrada $10. Miércoles gratis.

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Buenos Aires - PROA - MANIFESTO de Julian Rosefeldt

 

              Desde el 26 de agosto al 5 de noviembre del 2017, Fundación Proa, en colaboración con el Goethe Institut, presenta MANIFESTO de Julian Rosefeldt, una instalación audiovisual de 13 videos interpretados magistralmente por Cate Blanchett en diferentes roles que cruzan lo performático y lo teatral.
            Cada instalación está concebida como un film donde Cate Blanchett relata, en ese universo, las palabras más sobresalientes de los artistas del siglo XX.
Las 13 pantallas presentan fragmentos seleccionados por Julian Rosefeldt, construyendo un relato propio: un collage de 50 textos históricos de cada uno de los manifiestos de artistas (Malevich, Claes Oldenburg, Sol Lewitt, Lucio Fontana), poetas (Breton, Tzara, Marinetti) cineastas (Jim Jarmusch), coreógrafos (Yvonne Rainer) y arquitectos, así como el Manifiesto Comunista de Marx y Engels.
            MANIFESTO despliega los interrogantes totalizantes que marcan nuestra cultura, preguntándose por la validez actual de estas declaraciones y el rol del arte en la actualidad. Fue presentada en 2016 en Staatsgalerie Stuttgart; Park Avenue Armory, New York; Ruhrtriennale 2016, Duisburg; Art Gallery of New South Wales, Sydney y Museum für Gegenwart, Berlin. En 2017 en: Capital of Culture, Aarhus; Ecole des Beaux Arts de Paris y Villa Stuck, Munich.

            JULIAN ROSEFELDT (Munich, 1965) vive y trabaja en Berlín. Su obra es un cruce complejo de ensayo fílmico y representación performática. Sus films e instalaciones audiovisuales asocian la reflexión filosófica, la política y la crítica a la imagen. En el año 2004 participa de la Bienal de San Pablo representando a Alemania. Sus obras integran importantes colecciones públicas y privadas entre las que se encuentran el MoMA de Nueva York; la Neue Nationalgalerie de Berlín; el ACMI– Australian Centre for the Moving Image de Melbourne; el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) y la Saatchi Collection de Londres entre otras.
          Expone internacionalmente desde 1997. Entre sus más exposiciones individuales más recientes se destacan: Villa Struck de Munich (2017), Park Avenue de Nueva York (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart de Berlin (2016) y ACMI – Australian Centre for the Moving Image, Melbourne (2015) entre otras.
           En el año 2009 fue profesor invitado por la facultad de Media Art de la Universidad Bauhaus de Weimar. Actualmente es miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes y es profesor de Digital Time-Based Media en la Academia de Bellas Artes de Munich.
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Buenos Aires - Retrospectiva de Liliana Maresca en el MAMBA

          A partir de un trabajo de investigación que llevó cuatro años, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires inauguró “Liliana Maresca: El ojo avizor”, una muestra que recorre 12 años de producción de la artista, con la idea de rendirle homenaje y mantener su obra vigente y accesible.
Liliana Maresca fue una figura emblemática para la escena de las artes visuales de los años 80 y 90 que confrontó de manera crítica problemas centrales para la sociedad como la situación política de la época o el SIDA.
Esta exposición y su catálogo cuentan con el apoyo del Consejo de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.
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Buenos Aires - MNBA - El caos en la obra de Luis Felipe Noé

Hasta el siglo XX, y desde que los mitos trataban de explicar aquello que era incomprensible para la razón, el caos siempre había ocupado el lugar del enigma. A mediados del siglo pasado, diferentes estudios científicos incluyeron como parte del pensamiento racional aquello que no puede preverse. En adelante, la inestabilidad y la indeterminación pasaron a ser factores claves fuera de condiciones de equilibrio. Este cambio de paradigma formó parte del pasaje de la modernidad a la posmodernidad.
En 1965, en su libro Antiestética, Noé expresó la necesidad de asumir el caos, no en oposición al orden, sino como una nueva dinámica de funcionamiento de un mundo en permanente cambio.
En sintonía con el pensamiento científico, el artista concibió desde entonces la inclusión del caos dentro de la teoría y la práctica. Esta exposición analiza los aspectos centrales de la obra de Noé, a través de los cuales desarrolló su “estética del caos”, donde el pasado hace eco en el presente y se proyecta hacia el futuro. De ahí el título Mirada prospectiva, porque su trabajo presenta una continua obsesión por desentrañar el devenir.
El guión curatorial rompe el orden cronológico tradicional –retrospectivo– y plantea tres claves de lectura que pueden rastrearse en la “estética del caos” de Noé a lo largo de toda su producción artística realizada entre 1957 y 2017: la conciencia histórica, la visión fragmentada y la línea vital.
Las tres constantes que estructuran la muestra se ven condensadas en la imponente instalación Entreveros (2017), que presenta una imagen de quiebre, en momentos en que la espiral del caos vuelve a estallar ante nosotros.
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Buenos Aires - MALBA - Diane Arbus - En el principio

 

Primera exhibición en nuestro país de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971), una de las fotógrafas más influyentes del siglo XX. Curada por Jeff L. Rosenheim, Curador en Jefe de Fotografía de The Metropolitan Museum of Art Nueva York (The Met), la exhibición reúne más de cien fotos producidas por Arbus entre 1956 y 1962, período en el que la artista desarrolló los temas centrales de su carrera y su singular mirada, que busca registrar, según sus propias palabras, “lo divino en las cosas ordinarias”.
Bajo el título “En el principio”, la muestra hace foco en los primeros siete años en los que Arbus trabajó en las calles de Nueva York con su cámara de 35mm. “A lo largo de estos años se da una evolución: el paso de imágenes de individuos que surgen de encuentros fortuitos a retratos en los cuales los sujetos elegidos se convierten en participantes activos”, explica Jeff L. Rosenheim. “Este anhelo de conocimiento, esta curiosidad por la naturaleza oculta de la persona o el objeto que está fotografiando, unida a su creencia en el poder de la cámara para hacerla visible, es, sobre todo, lo que la distingue”, agrega.
La mayor parte de las fotos en la exposición pertenecen al Archivo Diane Arbus de The Metropolitan Museum –adquirido en 2007 a los herederos de la artista– y permanecieron inéditas hasta la exhibición realizada en Nueva York en 2016, luego de varios años años de estudio del archivo. La muestra en MALBA presenta la misma museografía que se realizó en The Met: un recorrido cronológico por una suerte de bosque de iluminación muy tenue, que invita a adentrarse en la intimidad de la obra de Arbus. Culmina con el portfolio Una caja de diez fotografías –provenientes de la colección del SFMoMA– que Arbus produjo entre 1970 y 1971 e incluye sus legendarios retratos de formato cuadrado, como Gemelas idénticas, Nueva Jersey 1967 y Gigante judío en casa con sus padres en el Bronx, Nueva York 1970.
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Grant Wood - Gótico Americano

En plena crisis económica, el Realista Wood hace una apología de los valores tradicionales americanos y el mundo rural, el llamado regionalismo norteamericano, cuya quintaesencia es esta obra que fue tan alabada como criticada y caricaturizada desde su creación
Mientras medio país vagaba por los caminos a causa de la Gran Depresión, Grant Wood siguió retratando a su querido medio oeste por medio de esta pareja: un granjero y su hija que se convirtieron automáticamente en icono. Dos supervivientes que afrontan las vacas flacas con austeridad y trabajo duro.
Si nos fijamos, Wood imita el estilo de los pintores renacentistas flamencos, con las figuras frontales y una pintura al óleo muy minuciosa y detallada, como la de su ídolo Van Eyck. Se ve que en su estancia en Munich se empapó del arte europeo.
En realidad eran su propia hija y su dentista, que posaron bajo la promesa de que no iban a ser reconocidos. Los entusiasmados y felices modelos posan bajo una ventana típica del gótico rural americano. Quizás de ahí venga el genial título del cuadro, que Wood vendió por sólo 300 dólares al Art Institute de Chicago. Hoy en día por uno de sus paisajes se paga unos siete millones de dólares.
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Hiperrealismo - Robert Cottingham

          A mediados de los años sesenta surgió en Estados Unidos un grupo de artistas, que utilizando la fotografía como base, pintaban con gran realismo objetos y escenas de la vida cotidiana contemporánea. Formaron el movimiento hiperrealista, que en el mundo anglosajón se conoce con el término photorealism.
El movimiento establecía que eran “fotorrealistas” aquellos artistas que abiertamente empleaban la cámara fotográfica como herramienta esencial para ejecutar sus pinturas. Trasladaban la imagen al lienzo lo más objetivamente posible y con una ejecución tan minuciosa que producía en el espectador una sorprendente ilusión de realidad, privada de cualquier emoción.
La amplia representación del movimiento en la Documenta de Kassel de 1972 supuso su consagración y, sobre todo, produjo gran revuelo en un panorama artístico que desde 1945 había estado dominado por el arte abstracto. La crítica lo calificó como anti-intelectual y reaccionario: “no es arte, sino virtuosismo copista”.

Robert Cottingham

Robert Cottingham

“Mi pintura es una búsqueda de fragmentos, detalles de nuestro entorno, formas epistolares, palabras, estructuras [...], un rastreo de las cosas artificiales, las cuales ofrecen más datos sobre la condición humana que el mismo hombre”, decía Robert Cottingham. Sus obras más características son primeros planos de carteles de anuncios. Dice tener como objetivo: "Plasmar una observación desapasionada de un trozo de nuestro mundo".

Alex Katz - Roof (1989)

Según el crítico Juan Manuel Bonet, exdirector del IVAM y del Museo Reina Sofía y responsable de una de las primeras grandes muestras que celebraron a Katz en Europa, en 1996. “Es una alegría que cada vez más gente entienda su grandeza y comprobar que no hace falta pertenecer a un movimiento para construir una obra consistente y ejemplar, que ha abierto camino a pintores más jóvenes”.

Alex Katz

        "Yo inventé el arte pop y otros me quitaron la comida"

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Ulla con sombrero - Alex Katz

"Yo pinto el presente. Comentar lo político, lo psicológico y lo sociológico de mis cuadros arruinaría la magia"

Buenos Aires - Centro Cultural Borges - Spilimbergo dibujante, obra sobre papel, 1918-1964

La exposición "Spilimbergo dibujante, obra sobre papel, 1918-1964", un itinerario que recorre casi 50 años de producción de este maestro del arte argentino del siglo XX, a través de más de 60 obras, así como también fotografías, cartas y documentación personal, se inaugura el próximo jueves a las 19 en el Centro Cultural Borges.
Desde hace más de 12 años que no se realiza una muestra de este genial artista en la ciudad de Buenos Aires, en esta oportunidad abocada a sus obras en papel, dibujos en distintas técnicas, como lápiz, tinta, carbonilla, pastel, así como también grabados y monocopias, donde destacan obras nunca antes exhibidas.
"Los dibujos aquí reunidos no eran bocetos de algo mayor sino que eran obras propiamente en sí. Se los denominaba 'dibujos pintados' por su calidad. Fue un gran dibujante desde sus inicios. Se recibió de profesor de dibujo en la mitad de tiempo que los demás. Por su virtuosismo, sus profesores, como Pío Collivadino o Ernesto de la Cárcova, lo adelantaban de año", cuenta el nieto del artista, Leonardo Enea Spilimbergo, quien tuvo a su cargo la selección del material y curaduría de la muestra.
Esta exposición se propone, a través de siete núcleos temáticos, recorrer algunos de los más destacados momentos de la carrera de este artista que nació en Buenos Aires en 1896 y murió en Unquillo en 1964, asistió al taller de André Lothe en París, y pintó en 1933 el mural "Ejercicio plástico", junto al mexicano David Alfaro Siqueiros, los argentinos Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino y el uruguayo Enrique Lázaro, actualmente en exhibición en el Museo de la Casa Rosada (ex Museo del Bicentenario).