Poder y Pathos en el Museo Getty - Los Ángeles

           "Poder y Pathos" Escultura de Bronce del Periodo Helenístico' es la primera gran exposición internacional que reúne más de 50 bronces de la región del Mediterráneo, de los siglos IV a.c. al I d.c. en el Museo Getty.
           Durante la época helenística los artistas de alrededor del Mediterráneo crearon esculturas innovadoras y realistas, de gran poder físico e intensidad emocional. Fue el empleo del bronce -con su superficie reflectante, resistencia a la tracción, y su poder para expresar los detalles- lo que logró crear este deslumbrante despliegue de la representación de la forma humana.
           Las esculturas de bronce de gran escala están entre los supervivientes más apreciados de la antigüedad; su valioso metal fue típicamente derretido y reutilizado. Filas de pedestales vacíos todavía apreciables en muchos sitios arqueológicos son un testimonio de la ubicuidad pasada de estatuas de bronce en la época helenística. Irónicamente, muchos bronces conocidos hoy en día han logrado sobrevivir porque una vez fueron perdidos en el mar, siglos sólo para ser recuperados siglos más tarde.
           "Poder y Pathos: Escultura de bronce de la época helenística" es especialmente notable por reunir obras de arte que normalmente se exponen de forma aislada. Cuando se ve en próximas entre sí, la variedad de estilos y técnicas empleadas por los escultores antiguos se acentúa con mayor eficacia, al igual que las diferentes funciones e historias de las esculturas de bronce. El bronce, fundido en moldes, era un material muy adecuado para la reproducción, y la exposición ofrece una oportunidad sin precedentes para comparar objetos del mismo tipo, salidos incluso del mismo taller, juntos por primera vez. Por ejemplo, dos hermas de Dionysos -una del Museo Nacional del Bardo, Túnez, y otra del Getty, creadas en el mismo taller, no se han mostrado juntas desde la antigüedad.
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La casa está donde está el arte - Galería Hirschl & Adler - New York

 

Cuando los pintores eligen sus hogares como tema
        Lo doméstico como jardín sagrado, refugio, celda, cuartel y residencia es la idea de la exposición colectiva de pintura "Home is Where the Art Is" (El hogar es donde habita el arte). Reúne obras pintadas desde el siglo XVIII al XXI por artistas que consideraron su casa como materia digna de ser llevada a lienzo o papel y se celebra en la galería Hirschl & Adler de Nueva York.
          La exposición exhibe  desde las casas campestres idealizadas de los EE UU de finales del XIX hasta fiestas en apartamentos urbanos. Agrupa cincuenta visiones artísticas variadas del hogar como refugio íntimo, lugar de reunión social y, sobre todo, como estado de ánimo. Se presentan  óleos, dibujos, grabados y acuarelas que ofrecen una "visión de la intimidad de la vida familiar" capturada en retratos, bodegones y escenas que exploran los diversos roles de la casa. Están representados el romántico Alfred Thompson Bricher, el 'outsider' Edward Deeds y el sensualista Fairfield Porter, entre otros.

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Yoko Ono: "One woman show” en el MOMA New York

            El Museo de Arte Moderno presenta su primera exposición dedicada exclusivamente a la obra de Yoko Ono, tomando como punto de partida su exposicion debut en el MoMA  a finales de 1971. Ahora, más de 40 años después, Yoko Ono: "One woman show”,  1960-1971 reúne  aproximadamente 125 de objetos, obras sobre papel, instalaciones, performances, grabaciones de audio y películas y  materiales de archivo.
             Yoko Ono, desde los primeros años de su extensa carrera, se movíó entre Nueva York, Tokio y Londres, ciudades que  tuvieron un importante papel innovador en el desarrollo internacional del arte conceptual, el cine experimental  y el arte del performance.
            En esta exposicion que ofrece el MoMA presenta un catálogo completamente ilustrado, con tres ensayos que evalúan el contexto cultural de los primeros años de Ono, y cinco secciones que reflejan el trabajo durante este período y la evolución y desarrollo de su práctica artística. Cada capítulo incluye una introducción de un especialista invitado, las descripciones de las obras de arte, documentos primarios extraídos de periódicos y revistas, y una selección de la obra de sus textos y dibujos.
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Caprichos de Dalí-Goya en el Centro Cultural Español (CCE) de Miami

         La muestra 'Caprichos de Dalí-Goya', compuesta por 40 grabados, se inaugurará el próximo 10 de septiembre en el Centro Cultural Español (CCE) de Miami, una exposición que invita al público a "descubrir con inteligencia y humor" a los dos grandes maestros.
          La exposición de cuarenta grabados, 17 de Goya y 23 de Dalí, recorre los trabajos que plasmó Salvador Dalí (1904-1989) inspirado por la serie de grabados 'Los Caprichos', de Francisco de Goya (1746-1828).
              Dalí muestra a través de esta obra su visión de un "arte total, coherente con el ideario de Goya, marcado por el carácter pragmático e ilustrado que concilia los saberes procedentes de la tradición barroca, el mundo clásico y el enciclopedismo francés", destacó el Centro Cultural Español en un comunicado.La exposición gira en torno a tres fechas: 1797, año en que Goya data los 'Sueños'; 1799, fecha en la que se editan por primera vez los 'Caprichos', y 1973, año en que Dalí comenzó la tarea de trabajar directamente sobre la obra del pintor aragonés.

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Basquiat: Ahora es el momento - Museo Guggenheim - Bilbao

     

       Jean - Michel Basquiat fue uno de los artistas más revolucionarios de la década de los ochenta. Nació y creció en Brooklyn, Nueva York, y desde niño destacó por sus habilidades intelectuales y artísticas, que su madre fomentó.

       La fama de Basquiat fue creciendo a medida que realizaba exposiciones en Norteamerica y Europa; en poco tiempo se convirtió en un artista prolífico y un personaje mediático del ámbito cultural. Cuando recibía a alguien en su casa o en su estudio, utilizaba las ideas que surgían a su

alrededor como inspiración: pintaba al tiempo que charlaba, escuchaba música o veía televisión con sus invitados.

       Basquiat abrió nuevos caminos en el arte contemporáneo. Su innovadora perspectiva artística sigue inspirando a artistas de nuestros días y plantea cuestiones que aún hoy son relevantes. En una misma pintura, Basquiat podía hacer referencia a numerosas ideas, a través de símbolos,imágenes o textos, que a veces guardaban relación entre sí y otras, no. Trasladaba el contexto en el que vivía el lienzo sin narrativas definidas, anticipando la era de internet e invitando al espectador a reflexionar de manera  critica sobre el mundo circundante.

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FAN : Nora Lezano es rock - Centro Cultural Recoleta -Buenos Aires

Nota en Fuera de Agenda

          Un inodoro en un baño mugriento y una invitación escrita en la tapa: Bésame… es rock. Charly García, acostado en un sofá blanco con pantys negras de mujer, rotas, o sobre la mugre de su cama y 

con sus piernas cruzadas… es rock. Alguien volando sobre el escenario mientras hace un riff en la guitarra o trasladado horizontal en medio del público por manos anónimas… es rock.
            Nora Lezano es rock. Su muestra FAN con más de 300 fotografías en el Centro Cultural Recoleta, lo confirman. Ella lo explica también cuando dice: Yo no elegí la fotografía, yo elegí el rock. Siempre fue así, la fotografía era una excusa para estar cerca de toda esa gente que me movilizaba tanto. Esa es la verdad. De fotografía, nada. Hice un curso, después un taller, pero no me importaba nada.

La poesía y el color de Joan Miró llegan a Colombia

      

             En el Centro Cultural Gabriel García Márquez, estará abierta al público la exposición Miró: pintor, poeta del 9 de julio al 23 de agosto de 2015. La muestra forma parte de las colecciones de arte de la Fundación Universitaria Iberoamericana (FUNIBER) y está compuesta por dos series de obras gráficas de Joan Miró: El Cántico del Sol y Las Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró. En total serán 52 piezas.
             El Cántico del sol está conformada por treinta y dos aguafuertes y aguatintas en color, editadas en 1975, para ilustrar una selección de textos de san Francisco de Asís, escogidos por el poeta catalán Marià Manent.
             La segunda serie, Las Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró, está compuesta por un conjunto de veinte litografías, editadas en un libro-carpeta con poemas de Rafael Alberti, en 1975.
            En la serie El Cántico del sol, Miró, uno de los máximos representantes del surrealismo, plasma su devoción por la naturaleza, los paisajes y los animales.
            En Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró, los versos de los poemas de Rafael Alberti se inspiran en la vida de Miró y de su compañera Pilar.

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Salta - El Tren a las Nubes recibió la distinción de Marca País Argentina

 

          En una ceremonia que se desarrolló en la estación de trenes de San Antonio de los Cobres, en el departamento Los Andes, en plena puna salteña, el Tren a las Nubes recibió la distinción Marca País Argentina. Allí, turistas de distintas provincias argentinas y también extranjeros celebraron la distinción que recibió el tren, y participaron además del comienzo formal de la temporada de turismo invernal en Salta.
        La entrega de la distinción estuvo a cargo de Agustín Díaz Vega, que es el coordinador ejecutivo de la Marca País del Ministerio de Turismo de la Nación, quien destacó las características del Tren, el paisaje y las increíbles bellezas que muestra en todo su recorrido. Por otra parte, el ministro de Turismo y Cultura salteño, Mariano Ovejero se refirió al gran trabajo realizado desde la provincia y en conjunto con los municipios, para la elaboración de un importante calendario de actividades que podrán disfrutas tanto turistas como salteños.
         La Marca País Argentina consiste en un plan rector según el cual el país coordina sus factores

diferenciales para posicionarse con éxito en los mercados del mundo, fomentando el crecimiento del turismo y las inversiones, difundiendo eficientemente sus mejores atributos relacionados con la cultura, las tradiciones, la ciencia y el deporte.

Entre los nuevos servicios que brinda el tren se destaca el coche comedor totalmente renovado, como así también el coche bar y la sala de primeros auxilios, donde un equipo compuesto por un médico y tres enfermeros asiste a quienes lo requieran.

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National Portrait Gallery Audrey Hepburn: Retratos de un icono.

 

             La National Portrait Gallery de Londres exhibe una muestra fotográfica de Audrey Hepburn, ángel de Hollywood y efigie de la elegancia. Como homenaje a la actriz, se exhiben imágenes desconocidas hasta ahora, descubriendo el lado más humano de la estrella
           La belleza serena de Audrey Hepburn y su infinita elegancia son imposibles de olvidar. Las cámaras cinematográficas se enamoraron de su candidez y autenticidad y las instantáneas que protagonizó han fomentado la leyenda de la actriz. Icono de moda, símbolo del cine de una época y mujer muy comprometida con la solidaridad, su figura vuelve a estar de actualidad veinte años después de su fallecimiento con la muestra Audrey Hepburn: Retratos de un icono. La National Portrait Gallery londinense acoge algunas de las imágenes menos conocidas de la popular actriz, como vestigio de la familiaridad del mito detrás de la pantalla. No obstante, algunas de ellas son inevitablemente famosas, pues su imagen se ha convertido en una de las más reproducidas y legendarias de la historia de la moda y el cine.
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Nueva exhibición en la Casa Histórica de Tucumán

         El Museo Casa Histórica de la Independencia de Tucumán exhibe una renovación edilicia y museográfica de sus salas a partir de la celebración del 9 de julio.
            Entre las novedades, se sumaron objetos originales utilizados en el Congreso de Tucumán de 1816 y elementos de los pueblos originarios de la zona, además de mapas, pantallas táctiles y audios, que ayudan a contextualizar la muestra. También, se sumaron dos sillones originales utilizados durante las sesiones y el sello oficial del Congreso de Tucumán, piezas prestadas por el Museo Histórico Nacional.
            En el ingreso a la Casa, ahora se destaca a los pueblos originarios y sus luchas contra los españoles con objetos arqueológicos originales de la región de los Valles Calchaquíes, que pertenecen al Instituto M. Lillo de la Facultad de Ciencias Naturales de Tucumán.
             La influencia histórica de la evangelización se relata con imágenes religiosas y elementos de la liturgia y se describe también la situación política y social de Tucumán hacia el 1800, con mobiliario y elementos de la vida cotidiana. En la misma sala, se exhiben las puertas originales de la Casa como símbolo icónico del sitio, objetos prestados por el Complejo Museográfico Provincial “Enrique Udaondo” de Luján.

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El Museo Ashmolean de la Universidad de Oxford logró conservar un Turner gracias a una colecta pública

 

       El Museo Ashmolean, perteneciente a la Universidad de Oxford, Inglaterra, reunió la cifra necesaria para poder mantener en propiedad el cuadro del pintor londinense Joseph Mallord William Turner, "The High Street, Oxford", que permanecía a préstamo en el museo desde 1997, concesión de una colección privada.
       El precio que el propietario exigía, 3.5 millones de libras (casi 5 millones de euros), distaba en 1.3 millones de lo que la institución artística podía pagar, por lo que el museo hizo un llamamiento público al que rápidamente se sumaron instituciones como The Heritage Lottery Fund o Art Fund, entre otras, que redujo la cifra necesaria para poder comprar la pintura a 60.000 libras (83.000 euros). En ese punto, los visitantes y amantes del museo tomaron la iniciativa y consiguieron reunir el dinero restante en tan solo 4 semanas."El Museo está abrumado con el apoyo del público. Con más de 800 personas contribuyendo al llamamiento, está claro que tanto la comunidad local, como los visitantes del Museo a lo largo del mundo, sienten que esta pintura, la mejor que se ha hecho nunca de la ciudad, debe permanecer abierta al público en el museo de Oxford", afirmó el Doctor Alexander Strugis, director del Ashmolean.
      "Tenemos grandes planes para el cuadro (...) Tendrá un lugar en la galería del siglo XIX, que será reformada y reabierta a principios de 2016", afirmó el administrador de la institución sobre el cuadro. Una pintura al óleo que es única en la producción de William Turner, ya que tan solo en esta ocasión se atrevió a representar un paisaje con este material, cambiando más tarde a la, más que conocida en su obra, acuarela.

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Finaliza Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci en el Museo del Palacio de Bellas Artes - México DC

          El Museo del Palacio de Bellas Artes está realizando una exposicion sobre la obra de dos de los artistas más importantes de la historia: Miguel Ángel Buonarroti y Leonardo Da Vinci.
        Por primera vez en México, habrá una exhibición en torno a su legado artístico a través de dibujos, óleos, libros, documentos, maquetas y esculturas con los que se apreciará su influencia en el arte mexicano.
          Se trata de "Miguel Ángel Buonarroti. Un artista entre dos mundos", por primera vez en México, dibujos, óleos, documentos, bocetos y otros materiales que pertenecieron, utilizó o creó Michelangelo Buonarroti. Cuadros con su retrato, sus pruebas antes de pintar la bóveda de la Capilla Sixtina y una réplica exacta de La Piedad. Y "Leonardo da Vinci y la idea de la belleza", exposición que presenta también por primera vez en México dibujos y bocetos originales de Leonardo da Vinci y su círculo. En ella apreciarán algunos folios sobre sus investigaciones sobre "Códice sobre el vuelo de los pájaros".

FAN - Nora Lezano: la fotógrafa del Rock - Centro Cultural Recoleta - Buenos Aires

Sala Cronopios- Centro Cultural Recoleta - Junin 1930- Hasta el 26 de julio de 2015. GRATIS

Vogue: Like a Painting - Museo Thyssen-Bornemisza - Madrid

        El Museo Thyssen-Bornemisza presenta desde el 30 de junio la exposición fotográfica Vogue Like a Painting, una muestra de imágenes de inspiración pictórica procedentes de los archivos de la revista Vogue y realizadas por algunos de los fotógrafos más destacados de las últimas tres décadas.  Todas las fotografías fueron seleccionado por poseer las características que tradicionalmente se atribuyen a la pintura y la dotan de un valor especial.
      La pintura española del Siglo de Oro, el retrato holandés, los cuadros del periodo victoriano y los Prerrafaelitas, o las diferentes escuelas presentes en las colecciones reales europeas, sirvieron de modelo a fotógrafos que, a través de sus producciones centradas en la belleza femenina, fueron  forjando la imagen de la revista Vogue a lo largo de los años, y también fueron  ejemplo para muchos artistas contemporáneos.

        La exposición, cuya cronología abarca casi un siglo, no responde a unos criterios estrictos, sino más bien está hilvanada con cierta libertad, y basada en estados de ánimo y en recuerdos un poco imprecisos. En algunas de las imágenes se utiliza el relieve escultórico, y en otras la luz tiene una factura pictórica. Muchas de ellas  hacen pensar en cuadros o artistas concretos:  Vermeer, y también  Hopper y Millais, Balthus, Van Eyck, Botticelli y Zurbarán, Degas, Sargent, Dalí, Hogarth, Rossetti y Magritte.

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Descubriendo el arte japonés - The Metropolitan Museum of Art - New York

 

            En el centenario de la creación de su Departamento de Arte de Asia, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York ofrece una exposición de más de 200 obras maestras que constituye una  oportunidad ideal para explorar la historia de su colección de arte japonés. Esta muestra cuenta la historia de cómo el Museo construyó su amplia colección de arte nipón desde los comienzos del decenio de 1880, cuando poseía sólo una pequeña muestra de las artes decorativas orientales. Entre las obras expuestas se incluye la famosa Gran Ola de Hokusai  y pinturas de Ogata Kōrin y de  Suzuki Kiitsu. Además, y por primera vez, se presentan en exhibición, las magníficas puertas corredizas  pintadas que pertenecieron al Templo Zen Ryoanji en Kyoto.
             La exposición, que abarca desde la antigüedad hasta los tiempos modernos, explora las tendencias que dieron forma al coleccionismo y la recepción del arte japonés en los Estados Unidos. Por otra parte, arroja luz sobre los coleccionistas y curadores cuya pasión por el arte japonés ayudaron a construir esta importante serie a nivel mundial.
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