MNBA Buenos Aires - Orozco, Rivera y Siqueiros: La exposición pendiente y La conexión sur

        

        El Museo Nacional de Bellas Artes presenta, por primera vez en la Argentina, una exposición de los grandes maestros mexicanos José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, integrada por obras provenientes de uno de los acervos más importantes de Latinoamérica: la colección del Museo de Arte Carrillo Gil, de México.
         La muestra se despliega en dos grandes núcleos: “La exposición pendiente”, del curador del Museo de Arte Carrillo Gil, Carlos Palacios, y “La conexión sur”, a cargo de Cristina Rossi. En el primero, se expone una selección de 76 obras que formaron parte de “Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura mexicana”, la muestra organizada por el museógrafo mexicano Fernando Gamboa que debió inaugurarse en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile el 13 de septiembre de 1973, y que, dos días antes de su apertura al público, fue cancelada por el golpe militar de Augusto Pinochet. Embaladas nuevamente, las piezas fueron depositadas en el museo, que se suponía un lugar seguro, pero el 15 de septiembre el edificio fue ametrallado por cuatro tanques del ejército. Milagrosamente, las obras no sufrieron daños y gracias a la eficaz gestión de Gamboa, el 26 de septiembre pudieron regresar a México.
         Luego de la reanudación de las relaciones diplomáticas entre México y Chile en 1990, hubo varios intentos para llevar a cabo la muestra. Finalmente, el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile presentó “La exposición pendiente” entre noviembre de 2015 y febrero de 2016, con la curaduría de Palacios, quien realizó un nuevo armado de la muestra original, compuesto por setenta y seis obras.
         Este primer núcleo abarca un período histórico que recorre desde las primeras décadas del siglo XX hasta 1973, cuando el quiebre del sistema democrático chileno impidió la presentación de la muestra e imprimió este episodio sobre las obras de la Colección Carrillo Gil. Además, en Buenos Aires, se organiza en cuatro momentos, que abordan las diferentes interpretaciones sobre el retrato, los horrores de la guerra, la mirada social y las experiencias muralistas.
Del 3 de mayo al 7 de agosto de 2016, en el Museo Nacional de Bellas Artes

Fuente

Impresionismo - La donación de Gustave Caillebotte

       

       En  1874 Gustave Caillebotte recibe una herencia que le permite no tener que vivir de la venta de susu obras. Comienza a compara obras de algunos de sus compañeros impreionistas: Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne y Degas. No compra obras de otros artistas como Seurat, Gauguin o Morisot. 

       Escribe en su testamento en 1876 donando su coleccion al gobierno francés. Estipula en el testamento que las obras de su coleccion deben exponerse en el Palacio de Luxemburgo y luego en el Museo del Loyvre. 

       Caillebote muere en el invierno de 1894 a los 45 añso de edad. La Academia de Bellas Artes protesta oficialment en contra la entrada de esas obras en el Museo de Luxemburgo. Jean-Leon Gérome, máximo exponente del  academicismo, escribe en el Journal des Artistes: 

       "Estamos en un siglo de decadencia e imbecilidad. Se necesita una gran desvergüenza moral para que el Estado haya aceptado esta montaña de basura". El gobierno francés hace una seleccion de algunas de las obras de la coleccion: del total, 67, rechaza 29. Sólo 38 serán las afortunadas  que se expondrían en los rincones más alejados del Museo de Luxemburgo recién en 1987.

Bologna - Palacio Fava - Edward Hopper

       Óleos, acuarelas, carbonillas y tizas de la Nueva York de Edward Hopper, uno de los pintores más influyentes del siglo XX  y  famoso por sus retratos de la soledad en la vida norteamericana contemporánea.

La exposición da cuenta de todo el período de producción de Edward Hopper, acuarelas de paisajes parisinos y retratos de ciudadanos de los años 50 y 60, a través de aproximadamente 60 obras. 

       Incluye también  las famosas Mañana en Carolina del Sur (1955), Luz del sol en el segundo piso (1960), Nueva York Interior (1921), Tienda de vinos o Le Bistró (1909), Verano interior  (1909),  y otros estudios  interesantes (como el estudio de Girlie Show 1941) que celebra la mano de Hopper, un excelente diseñador. Constituye una ruta a través de su producción y todas las técnicas de un artista ya un clásico de la pintura del siglo XX.

Fuente

Barcelona - La Fundación Joan Miró renueva su exposicion permanente

         Como culminación de su 40 aniversario, la Fundación Joan Miró actualiza su exposición permanente para ofrecer una aproximación poliédrica al artista. El visitante descubrirá la complejidad creativa de su obra, que, partiendo de un fuerte vínculo con sus orígenes, deviene universal.
         La colección se enriquece con la incorporación de nuevos depósitos de obra procedentes principalmente de la familia Miró, la integración de la colección Kazumasa Katsuta, hasta ahora alojada en una sala específica, y la recuperación de algunas piezas clave de los fondos de la Fundació, como los trípticos Pintura sobre fondo blanco para la celda de un solitario (1968) y La esperanza del condenado a muerte (1974), o la Serie Barcelona, entre otras novedades. La muestra incluye un total de 150 obras y se presenta en ocho ámbitos que recogen los aspectos que marcaron la investigación creativa del artista. Cierra la muestra una nueva sala multimedia que profundiza en el universo mironiano mediante un mural en forma de constelación conceptual.
          La exposición ocupa una superficie de 1.558 m2 y se ubica en las salas que Joan Miró y el arquitecto Josep Lluís Sert proyectaron para acoger la colección, ampliadas en 1988 por Jaume Freixa. El planteamiento potencia el diálogo único entre arte, arquitectura y paisaje que caracteriza la Fundación.

Fuente

Londres: remodelan la Tate Modern Gallery

           La Tate Modern de Londres, el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo, abrirá las puertas de sus nuevas instalaciones el próximo 17 de junio, con un 60 % más de espacio y una presentación innovadora de sus colecciones. El director del grupo Tate, Nicholas Serota, señaló que "la nueva" Tate Modern es un instrumento que permite "ofrecer una rica variedad de experiencias" a sus visitantes, y a los artistas "la oportunidad" de mostrar sus creaciones de "diferente manera".

           Con la renovación, el museo, que recibe cada año a 5 millones de visitantes, se convertirá en el edificio cultural más importante del Reino Unido de los últimos 20 años
          El museo, cuya remodelación ha costado 260 millones de libras (327 millones de euros) exhibirá las creaciones de más de 250 artistas de cerca de 50 países. En la exposición se mostrará la evolución del modernismo, desde los salones en los que nació, hasta los proyectos y espectáculos en vivo que interactúan con la sociedad actual.

Mas informacion

Buenos Aires. El MAMBA cumplió 60 años

        El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) cumplió 60 años y decidió celebrarlo con un extenso cronograma de actividades que incluyó la participación de artistas, historiadores, intelectuales y, especialmente, del público.
       Bajo el lema “El Museo soy yo”, a lo largo de 2016 ofrecerá una programación especial, tanto dentro como fuera de sus puertas, que se sumará a su agenda tradicional. Esta “casa de los artistas” fue fundada en 1956 por Rafael Squirru, su primer director, quien acompañó a los artistas de su tiempo abriendo puertas para el desarrollo de la cultura argentina tanto en el país como en el exterior.
        A lo largo del año, la institución organizará un programa de actividades que tendrán lugar tanto dentro de su edificio como en diferentes espacios de Buenos Aires, con el fin de rememorar diversas acciones que se realizaron a lo largo de su historia y debatir sobre la actualidad del arte y el rol de los museos en la Argentina y el mundo.
       La programación incluye intervenciones en el espacio público, acciones con artistas jóvenes, conciertos al aire libre y en instituciones que antiguamente fueron sedes del espacio –como el Museo Sívori-; campañas de comunicación en la vía pública para acercar las obras del patrimonio al público general y programas abiertos a la comunidad.
       También se realizarán cursos y jornadas con intelectuales de diferentes campos para reflexionar sobre el pasado, presente y futuro del Moderno.
Las actividades con motivo del aniversario contó con un acto inaugural el sábado 23 de abril con una actividad titulada "El Museo soy Yo". Allí, durante toda la tarde, 60 artistas dibujaron el Museo del futuro. 

Edouard León Cortés (1882-1969): El poeta de la pintura parisina

        Edouard León Cortés fue un artista francés de ascendencia española, considerado impresionista del SXX.  Se le conoce como "Le Parisien Poete de la Peinture" o "el poeta de la pintura parisina" debido a que prácticamente la totalidad de su producción fueron escenas desarrolladas en paisajes urbanos de París, en todas sus variantes, de luz del día, condiciones climatológicas y estaciones del año.

Alma Tadema por Rosemary Barrow

 

     "En la medida en que podemos suponerlo, no existe gran diferencia entre los antiguos y modernos. Tal es la verdad que siempre me he esforzado por expresar en mis cuadros: que los antiguos romanos, al igual que nosotros, eran seres humanos de carne y hueso movidos por las mismas pasiones y emociones". Así se expresaba Alma-Tadema en 1899. En éstos últimos tiempos, en que su obra fue olvidada, los historiadores y críticos han utilizado esta reflexion para apoyar la idea de que en las representaciones del mund antiguo de Alma-Tadema no vemos sino "victorianos con toga". Y es que , la percepcion de la antiguedad dice mucho sobre la época en la que se inscribe dicha percepción. Solo los impresionistas franceses, sus propios contemporáneos y máximos opositores, fueron capaces de salir de la encrucijada. Rosemary Barrow, 2004.

Buenos Aires - Palais de Glace -“El costo humano de los agrotóxicos", fotografías que proponen "abrir los ojos"

 

  "Que el que venga a verla se vaya con los ojos abiertos" es el proposito que se ha trazado el fotoperiodista Pablo Piovano para su primera muestra individual en el país enel Palais de Glace y está dedicada a su ensayo " El costo humano de los agrotóxicos"
Más información

Africa en el British Museum - Londres

        

        El British Museum está lleno de arte procedente de África: una de sus más atractivas y famosas colecciones es la del Antiguo Egipto, la más importante después del Museo Egipcio del Cairo. Lo más destacado de la historia egipcia expuesto a unos 5.000 kilómetros de su tierra originaria incluyendo el busto de Ramsés II y el mismísimo sarcófago de Cleopatra.

Los desnudos de Degas - Lucian Freud

          “Se puede decir con seguridad que en los dibujos  y pasteles de Degas las figuras están sin ropa, pero no denudas. Es decir, no son desnudos, sino retratos de mujeres sin ropa,  que es muy distinto.  Las mujeres que representó  son individualidades, con sus particularidades y sus actitudes diferenciales bien claras. No son iguales unas a otras. Creo que me copié de él. No recuerdo cuándo. En mis trabajos trato de lograr lo mismo. Entiendo al desnudo como un retrato entero, aunque no se le vea el rostro, tal cual lo hacía Degás” Lucian  Freud 1822-2011

Edvard Munch: el arte de expresar la locura en el lienzo - Oslo

         Edvard Munch se caracterizó por expresar con sus pinceladas un alto contenido emocional en cada lienzo. Cuando paseaba por un sendero con dos amigos, el sol se puso, el cielo se tiñó de rojo sangre, y  agotado por haber caminado tanto, a punto de desfallecer, veía la sangre y las lenguas de fuego aparecer en el cielo azul oscuro por toda la ciudad. Sus amigos continuaron avanzando, él se quedó quieto, temblaba por la ansiedad y de pronto, sintió un grito infinito que atravesaba la naturaleza, no pudo hacer otra cosa que llegar a su estudio y plasmar esta emoción que desbordaba su ser.

Mas información

Andy Warhol - Guggenheim - Bilbao

           En el Museo Guggenheim Bilbao se pueden ver los 102 lienzos que componen la obra, en los que se revela la característica paleta warholiana, alegre en extremo y de tonos brillantes. El fondo de cada lienzo está pintado con una mopa de esponja, cuyos rastros y manchas aportan “gestualidad” al plano pictórico. Las Sombras fueron creadas utilizando siete u ocho pantallas, como evidencian las leves diferencias de escala de las zonas oscuras y la presencia de puntos de luz aleatorios. A lo largo de las paredes de la sala se alternan el positivo y el negativo de las “sombras”. 
           A pesar de su apariencia repetitiva, el “método mecánico” de Warhol es, en realidad, totalmente manual. Un hecho importante e interesante de las Sombras es la irreproductibilidad de su supuesta reproducción, un tema que pone en tela de juicio la estética del “plagio” de Warhol y define su proyecto como fundamentalmente pictórico. Lejos de ser una réplica, cada Sombra se corresponde con una forma que revela su espacio con precisión y rotundidad, dirigiendo la mirada del observador hacia la luz, que es el tema central de la serie. Al concentrarse en la sombra para concebir la luz (estallidos de color), Warhol regresa al problema fundamental del arte: la percepción.
Fuente

Joan Miró: Pintando Muros, Pintando Mundos - Schirn Kunsthalle de Frankfurt

                           

      Se está realizando en el Schirn Kunsthalle de Frankfurt la expopsición "Joan Miró: Pintando Muros, Pintando Mundos" que presenta un aspecto hasta ahora desconocido de la obra de Joan Miró.
       La exposición abarca más de medio siglo de la obra de Miró, comenzando con su pintura emblemática "La Masía / La Ferme" (1921-1922), continuando con sus pinturas oníricas icónicas de la década de 1920, su obra fundamental "Pintura (La magia de Color) / Peinture (la Magie de la couleur)" de 1930, sus obras y formatos de frisos pintados por motivos no convencionales en los años 40 y 50 y terminando con los últimos trabajos del artista, como el tríptico monumental "Azul I-III / Bleu I-III" (1961) y la extraordinaria "Pintura I-III / Peinture I-III"(27 de julio, 1973). 

     Reúne alrededor de 50 obras de importantes museos y colecciones públicas de todo el mundo, incluyendo el Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, la Galería Nacional de Arte, Washington DC, el Museo Reina Sofía de Madrid, y el Centro Pompidou, París, así como de importantes colecciones privadas, y tiene como objetivo presentar un nuevo acercamiento al arte de Miró. Del 26 de febrero al 12 junio de 2016

 Más información

"Early Stones" se exhibe en la Ciudad Cultural Konex de Buenos Aires.

    

     Se está realizando la muestra fotográfica  “Early Stones” que reúne una selección de fotografías de Michael Cooper (1941-1973), el artista británico que compartió momentos clave junto a los Rolling Stones en sus primeros años. Cooper prácticamente convivió con ellos durante su primera década de existencia y retrató muchas de sus imágenes más emblemáticas, se presenta en Ciudad Cultural Konex de la mano de su hijo, Adam, con materiales audiovisuales que completan una de las exposiciones más grandes sobre la banda que visitó la Argentina.
       Con más de 250 fotos tomadas por Cooper en la controvertida década del 60, la muestra permite adentrarse en los primeros años de una de las bandas de rock más famosas del mundo.

         Michael Cooper falleció en 1973 y actualmente es reconocido mundialmente por su trabajo dentro del mundo del rock de los años 60 y 70. Aunque su porfolio abarca alrededor 60 mil imágenes y en su mayoría pertenecen a Rolling Stones, hay gran cantidad de fotos suyas vinculadas con los Beatles.
         La muestra, que hace unos años se presentó en el Centro Cultural Borges, puede visitarse hasta el 31 de marzo, en Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131, CABA.  

Más información