La National Gallery de la capital inglesa realizará una ambiciosa exposición con los mejores retratos pintados por el artista de la vivacidad y la inteligencia, Francisco de Goya.
Con el préstamo de grandes colecciones —entre ellas una decena del Museo del Prado—, la muestra es la primera que se dedica exclusivamente a retratos.
Entre los óleos más notables está en el retrato de la Duquesa de Alba vestida de maja, pintado en 1797 y que sólo una vez ha salido de Nueva York. Más informacion
"Cada paso por Bolivia fue Para mí la comprobación de que la vida se expresa de formas extraordinarias, incluso en el medio de las montañas y desiertos hay oásis de agua con pasto donde las llamas se alimentan; en la altura extrema. Donde creía que nadie podía vivir, asoman casitas en el paisaje, aisladas y solitarias, con niños, animales y corrales. Demás está decir que Bolivia tiene costumbres muy diferentes y sus comodidades son distintas a las nuestras. Lo que es indiscutible es que su belleza y riqueza están en su tierra, de la cual brotan energía y magnetismo. (…) Bolivia es extrema, es belleza incomparable e increíble, es tierra viva”, asegura Vicky Poma en relación con la obra que compone esta muestra.
Vicky Poma es fotógrafa. Su pasaje hacia esa eterna profesión es largo y atípico. Casi podría decirse que es autodidacta, aunque los cursos (Fine Print con Fernando Casanueva, Jorge Víctor Lorenzón, Juan Travnik, Fabiana Barreda, Fossi Vegue, Daniel Merle, Augusto Zanella, Ignacio Iasparra, Filiberto Mugnani, Jorge Gorosito, Gustavo Demaría Molinari, etc.) y las consignas técnicas que la hicieron evolucionar gravitaron sobre su intuición.
Así esa colaboración entre el saber y el decir convierten a Vicky Poma en una fotógrafa que puede percibir y positivar su contacto con la realidad. Sabe mucho de fotografía analógica y se perfecciona actualmente en el Sistema Zonal.
En la actualidad colabora con la revista U-Likeit y ha participado de numerosa cantidad de muestras individuales y colectivas en Argentina y en el exterior.
La muestra puede visitarse del 22 de agosto al 20 de septiembre, martes a viernes de 12 a 20 y sábados, domingos y feriados de 10 a 20h. Más información
Las 18 salas del primer y segundo piso del Museo Nacional de Bellas Artes, inauguradas receintenmente, presentan una cuidada selección de 320 obras -pinturas, esculturas, fotografía y grabado- que corresponden al arte argentino e internacional del siglo XX.
A esto se suma un espacio dedicado a Antonio Berni -con obras que se exponen por primera vez, adquiridas por el Estado Nacional o donadas por su hija Lily- y que dejan al descubierto una lectura del arte argentino del siglo XX, desde la política y los cambios de los lenguajes artísticos.
Marta Minujín, Sara Facio, Marcia Schvartz, Adriana Lestido, Diana Wechsler, Gyula Kosice, Daniel Santoro, Roberto Jacoby, Miguel Rep, Oscar Smoje y Sebastián Gordín fueron algunos de los artistas que estuvieron presentes en la inauguración, además de funcionarios, periodistas y personalidades de la cultura.
"Nací en este museo, ya de chiquita venía y dibujaba todas las obras. Es muy importante que se haya ampliado, porque tiene unas obras magnificas que no hay en otro lado de Latinoamérica, lo amo a este museo", sostuvo la artista plástica Marta Minujín.
Y señaló que "incluso debería ser mas grande, por eso es muy bueno que se amplíe. Como el Pabellón de Venecia, el Centro Cultural Kirchner, son todas cosas buenísimas que deberían quedar. Todos los gobiernos deberían hacer cosas como esta, porque la política pasa y el arte queda".
El flamante guión curatorial hace posible el diálogo con artistas diversos: en la sala "Los lenguajes modernos" (de 1920 a 1945) Marc Chagall dialoga con Raquel Forner y Alfredo Guttero; y en el espacio contiguo hacen lo propio Pablo Picasso, Paul Klee, Vassily Kandinsky, Juan del Prete y Joaquín Torres García.
La Orquesta Sinfónica Juvenil "José de San Martín", dirigida por Mario Benzecry, recibió una gran ovación del público, en el reciente estreno de la nueva Sala Argentina del Centro Cultural Kirchner (CCK), que funcionará como auditorio de música de cámara, conciertos de música popular, obras de teatro y clases magistrales.
La flamante Sala Argentina, ubicada en el segundo subsuelo del CCK, tiene capacidad para 540 personas y está íntegramente construida en madera, con paneles geométricos verticales que funcionan como resonadores acústicos. Además, el espacio cuenta con dos salas de ensayo para músicos y coro.
“Para nosotros, es un enorme honor inaugurar esta sala –celebró el maestro Benzecry al subir al escenario–. Sentimos que es un reconocimiento a la labor que venimos realizando desde hace mucho tiempo, así que estamos muy contentos”. La Sala Argentina albergará recitales y clases magistrales, con la participación de
artistas de primer nivel, además de obras de teatro infantiles, presentaciones de discos y otros
espectáculos. De esta forma, el Centro Cultural Kirchner suma una sala
más a las que ya se encuentran en funcionamiento, y que reciben a miles
de visitantes durante los fines de semana, con entrada libre y gratuita.
La mexicana Karina Muench retrató a bolivianas que habían sufrido la violencia machista
Se llama Irene y vive en la ciudad boliviana de El Alto, a 4.000 metros de altura sobre el nivel del mar. Su mirada triste es la de una mujer maltratada por tres hombres en su desgraciada vida: su padre, su hermano y su esposo. "Es una persona frágil, tímida", dice de ella la fotógrafa mexicana Karina Muench, que la retrató hace un par de años, cuando Irene tenía 46 y trabajaba de empleada doméstica en un entorno deprimido. Karina, nacida en México DF en 1975, vive en Berna con su marido suizo y su niña. Formada como fotógrafa documental, siempre sintió "inquietud" por abordar la violencia machista, y como su "compromiso es Latinoamérica", presentó una propuesta para montar una exposición, que logró la financiación de un organismo dependiente del Gobierno de Suiza que trabaja en países en desarrollo.
El cuadro de Picasso Cabeza de mujer joven, propiedad del banquero Jaime Botín y valorado en 26 millones de euros, ha llegado a las 17.50 de este martes al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) en una furgoneta blanca, acompañada de un importante despliegue de la Guardia Civil: una decena de vehículos y dos motos. El óleo ha llegado en una caja rectangular, con una pegatina de Fragile, procedente de Córcega, donde el servicio de Aduanas francés lo requisó el pasado 31 de julio del velero Adix, con bandera británica y propiedad de Botín.
Un portavoz de los agentes informó de que hasta la isla francesa se desplazaron ocho miembros del grupo de Patrimonio Histórico de la Unidad Central Operativa de la Guardia Civil, una conservadora del Reina Sofía experto en Picasso y un representante del Ministerio de Cultura. El óleo quedará en custodia en el museo hasta que culmine la investigación sobre su supuesta exportación ilícita. Si el cuadro se declara como no exportable entonces comenzarían los trámites para que pasara a titularidad del Estado.
El Kunstmuseum Basel está considerado el primer museo público municipal del mundo. Los dos ejes fundamentales de su colección los constituyen obras que datan de los siglos XV y XVI, por un lado, y el arte de los siglos XIX al XXI, por otro, conjunto este último que lo convierte en una de las más importantes colecciones de arte contemporáneo de Europa.
Coincidiendo con el cierre temporal del Kunstmuseum Basel para la renovación de sus instalaciones se mostrará una selección de más de cien obras maestras de su colección (pinturas, esculturas, collages, fotografías y vídeos) en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Este conjunto, que abarca desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, tratará de ofrecer un amplio panorama del tránsito del arte moderno al contemporáneo, incluyendo ejemplos de movimientos tan diversos como el expresionismo, el cubismo, el purismo, la abstracción, el constructivismo, el minimalismo, el post-expresionismo alemán, la abstracción estadounidense de postguerra o el Pop art.
Estarán representados, entre otros muchos reconocidos artistas, Edvar Munch, Vassily Kandinsky, Pablo Picasso, Juan Gris, Fernand Léger, Georges Braque, Le Corbusier, Dubuffet, Alberto Giacometti, Yves Tanguy, Hans Arp, André Masson, Max Ernst, Paul Klee, Piet Mondrian, László Moholy-Nagy, Gerhard Richter, Mark Rothko, Donald Judd, Andy Warhol, Francis Picabia o Pierre Huyghe. Más información
Quelqu'un M'a Dit de Carla Bruni
Interpretado por: Francis Cabrel (guitarra), Zazie, Marc Lavoine, Patrick Bruel, Raphael Haroche
On me dit que nos vies ne valent pas grand chose Elles passent en un instant comme fanent les roses On me dit que le temps qui glisse est un salaud Que de nos chagrins il s'en fait des manteaux
Pourtant quelqu'un m'a dit Que tu m'aimais encore C'est quelqu'un qui m'a dit que tu m'aimais encore Serait ce possible alors
On dit que le destin se moque bien de nous Qu'il ne nous donne rien et qu'il nous promet tout Parait qu'le bonheur est à portée de main Alors on tend la main et on se retrouve fou
Pourtant quelqu'un m'a dit Que tu m'aimais encore C'est quelqu'un qui m'a dit que tu m'aimais encore Serait ce possible alors
Mais qui est ce qui m'a dit que toujours tu m'aimais Je ne me souviens plus c'était tard dans la nuit J'entend encore la voix, mais je ne vois plus les traits Il vous aime, c'est secret, lui dites pas que j'vous l'ai dit
Tu vois quelqu'un m'a dit Que tu m'aimais encore, me l'a t'on vraiment dit Que tu m'aimais encore, serais ce possible alors
On me dit que nos vies ne valent pas grand chose Elles passent en un instant comme fanent les roses On me dit que le temps qui glisse est un salaud Que de nos tristesses il s'en fait des manteaux
Pourtant quelqu'un m'a dit Que tu m'aimais encore C'est quelqu'un qui m'a dit que tu m'aimais encore Serait ce possible alors
El Museo Efímero del Olvido abrió sus puertas el pasado 5 de agosto y
desaparecerá, al menos tal y como está concebido, el 5 de septiembre.
Hasta entonces, 46 proyectos del Salón Regional de Artistas Zona Centro,
que engloba creadores, en su mayoría jóvenes, de los departamentos de
Bogotá, Cundinamarca y Boyacá, se muestran en la Universidad Nacional,
en Bogotá y en la ciudad de Duitama, en Boyacá. Cada uno de ellos
plantea la relación con el pasado y el futuro de una manera diferente,
con formatos heterogéneos. Mientras que algunos resultan pedagógicos,
con otros se tiene la sensación de que lo mejor transcurrió durante el
proceso de la obra.
En un momento en el que la memoria se ha vuelto una obsesión para Colombia, ansiosa como anda por poner punto y aparte a un conflicto con la guerrilla de las FARC de más de 50 años y siete millones de víctimas, la apuesta por lo efímero y el olvido, la gran crítica, por otra parte, que siempre ha recibido el país, marca una de las propuestas más interesantes del momento artístico. Enfrentarse a la relación con el pasado, a sabiendas que nunca se podrá recuperar tal como fue, es el eje sobre el que se ha construido un particular Museo Efímero del Olvido. “La memoria se convirtió en un receptáculo de todo, como si solo fuésemos a pasar a otro estado si empezamos a recoger todo. Tenemos una angustia generalizada. La intención era dar otra dimensión a la memoria, ampliar las formas en que podemos pensarla”, explica una de las curadoras de la muestra, Cristina Lleras, que durante años trabajó al frente de la curaduría del Museo Nacional. “Se trata de una atención entre olvido y recuerdo y no solo una acumulación de testimonios que luego nadie sabe interpretar o qué hacer con ellos. El olvido, pensado como el que necesitas para recordar, puede ser útil”.
En abril se cumplieron 78 años del bombardeo llevado a cabo en 1937 por la legión Condor alemana y la Aviación Legionaria italiana sobre el pueblo de Guernica en el marco de la llamada “Operación Rügen”, un ataque aéreo que buscaba apoyar al bando fascista que combatía contra el gobierno democrático y constitucional de la Segunda República Española. El 70% de los edificios de la ciudad fue totalmente destruido por el incendio, que no se pudo apagar hasta el día siguiente, y el 20% gravemente dañados (el arquitecto general de Regiones Devastadas contabilizó 271 edificios demolidos, lo que suponía el 74,4 por ciento de los existentes en la villa de Guernica y el barrio de Rentería). La repercusión internacional que alcanzó este bombardeo ha hecho que sea una masacre mundialmente conocida y considerada como un icono antifascista, la masacre de Guernica.
A principios del 1937 el Gobierno de la República Española encargó a Pablo Picasso, por entonces director del Museo Nacional del Prado, un lienzo para decorar el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de Artes y Técnicas, que tendría lugar ese mismo año en París. Pocos días después del encargo ocurrieron los hechos. El día 1 de mayo de 1937, en la manifestación del Día de los Trabajadores, un millón de personas salieron a las calles de París para mostrar su repulsa por el bombardeo de Guernica.
Ese día Picasso contempló por primera vez una imagen del desastre. Era una fotografía en blanco y negro de un periódico francés en la que se observaba la ciudad vasca destruida. Fue su inspiración. A partir de entonces realizó decenas de bocetos del cuadro en un taller situado en la rue des Grans Agustins de París, hasta que terminó la obra. La obra de Picasso nació de su dolor, de la ira y de la pasión, fue una acusación terrible contra el intento de establecer en Europa el dominio de la negación del hombre. En el Bombardeo de Guernica aparece un nuevo espíritu que no actúa desde el exterior del espíritu creativo sino desde el interior, es decir desde la vivencia específica del artista; actúa desde el interior de las maneras intelectuales cubistas, de la simbología del surrealismo, de las deformaciones expresionistas, refundiendo esta materia en una síntesis poética-formal superior. En Guernica cada signo, cada figuración tiende a la expresión del hecho; la deformación acentúa una verdad de las cosas. El toro, el caballo, la lámpara, el cuchillo, la flor, los personajes emblemáticos del drama, en la dilatada tensión de la imagen, asumen un sentido de implacable, universal condena de cualquier poder que destruye la integridad de la persona humana.
El MAT, el museo ubicado frente al Río Luján exhibe más de 35 acuarelas, fotografías y objetos realizados por el artista en el Delta, donde se instaló en la década de 1950.
Desde fines de la década de 1950, el Tigre fue el lugar elegido por Xul para vivir. En Villa La Ñata, próxima al muelle Los Ciruelos, en 1954 ubicó su casa, que llamó Li-Tao. Es decir, le dio su pertenencia a su esposa, Lita (Micaela Cadenas), a quien asoció con su propia búsqueda de un único camino, el camino del conocimiento. Conviene señalar ciertas cosas antes de avanzar sobre este punto, eje de la exposición Xul Solar: un imaginero en el Delta, inaugurada recientemente en el Museo de Arte Tigre (MAT).
ARQUITECTURA
El Tigre ha quedado estrechamente ligado a su obra. Durante 1954 realizó allí pinturas en las que propuso una nueva arquitectura para el Delta. Una arquitectura para él posible y deseable, que eleva sobre palafitos las construcciones en medio del agua que rodea a las islas. El entorno lo constituye una vegetación más presentida que vista. Pero no se trata sólo de pensar en términos arquitectónicos, aun cuando se puedan reconocer ciertas convenciones en la representación, como la presencia de la figura humana para dar la escala; el desarrollo en altura de los edificios en distintos niveles, el trabajo bidimensional en las fachadas -las cuales ocasionalmente buscan desplegarse en profundidad-, espacios con diferentes funciones, definidos a partir de planos de colores, y la utilización de madera y vidrio, que no sólo propone interiores luminosos sino que además trabaja sobre una calidad lumínica inestable por el reflejo de la luz en el agua.
¿Cómo puede alguien austero que vendió dos cuadros en vida consagrarse con una muestra en el Panorama de Ámsterdam a solo dos años de morir? La respuesta no tardó en llegar. “Apareció Johanna Van Gogh Borger, un personaje que me encandiló y que fue la que permitió el andamiaje del mito”, dijo el escritor argentino Camilo Sánchez sobre la cuñada de Vincent Van Gogh y escribió la novela que hoy es furor en Europa.
Al cumplirse 125 años de la muerte del artista holandés, pionero del
arte moderno, con una obra de 850 cuadros y casi mil 300 dibujos que hoy
se venden por sumas astronómicas, Edhasa reedita la novela de Sánchez
(Mar del Plata, 1958), quien investigó durante cinco años la influencia
de la cuñada del artista en la difusión de la obra
"La viuda de los Van Gogh", que narra la historia hasta ahora poco conocida de Johanna, cuñada de Vincent y esposa de Théo Van Gogh, que rescató tras la muerte del artista su legado pictórico y en solo dos años logró exhibir esas pinturas en una muestra en el Panorama de Ámsterdam, con gran recepción del público.
“Sobre Van Gogh estaba todo dicho, por eso arranco a partir de su muerte
y lo que pasó en los dos años siguientes. Para mí fue antes que nada un
escritor y empecé a ver la relación de sus textos y sus cuadros. Es lo
que Johanna también vio al leer las cartas. Ella entra en la obra a
través del cuerpo teórico de las cartas”, explicó sobre las 651 misivas
entre el pintor y su hermano, agrupadas según lugares de residencia,
desde una inicial, en Londres, en 1873, hasta la última que tenía entre
sus ropas la noche de su muerte, que la viuda publicaría recién en 1914.
La mayor exposición celebrada en España sobre la obra de Wassily Kandinsky (Moscú, 1866 - Nanterre, Francia, 1944) llegará proximamente al CentroCentro Cibeles (Madrid). Organizada junto con el Centre Pompidou de París y Arthemisia Group, 'Kandinsky. Una retrospectiva' recorrerá su trayectoria artística y espiritual a través de cerca de cien de sus obras.
A punto de cumplirse 150 años del nacimiento de este pionero del arte abstracto y uno de los pintores vanguardistas más destacados de todos los tiempos, la muestra, comisariada por Angela Lampe, se adentrará en la carrera artística de Kandinsky a través de lienzos, acuarelas y grabados procedentes de la colección del Pompidou.
La exposición recorrerá los periodos clave de su vida, desde los primeros años en Alemania, pasando por sus años en Rusia y finalizando con su estancia en Francia, a través de obras fundamentales como Alte Stadt II (1902), Lied (1906), Improvisation III (1909), Im Grau ( 1919), Gelb-Rot-Blau (1925) o Bleu de ciel (1940). Más informacion
Una exposición antológica de Rogelio Polesello (Buenos Aires,
1939-2014), dedicada a sus obras históricas, pinturas y acrílicos
producidos desde fines de los años 50 hasta mediados de los 70. La
muestra reúne una selección de 120 piezas, pertenecientes a numerosas
colecciones públicas y privadas del país y del exterior, como el Museo
de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), el Museo del Banco de la República de
Bogotá, el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Museo de Arte
Moderno de Buenos Aires (MAMBA), el Museo de Arte Contemporáneo de
Buenos Aires (MACBA) y el Museo de Bahía Blanca (MBA-MAC), entre otras.
La
exposición busca saldar una deuda pendiente en el estudio del
desarrollo artístico de Polesello, focalizándose en los años
fundacionales de su trayectoria y en categorías aún poco estudiadas,
como su adscripción a la tríada arte-diseño-industria y la
experimentación con las múltiples relaciones entre artes plásticas,
arquitectura, diseño, cine y moda. A un año de su fallecimiento, MALBA
rinde homenaje y reconoce así a una figura central de la escena
artística y cultural argentina del siglo XX.
“El joven Polesello se
insertó dentro del desarrollo de la abstracción geométrica y óptica
argentina de un modo autónomo y original, con ampliaciones libres de
esas categorías. Su obra se destacaba por su búsqueda de movimiento en
lo estático, por los desafíos a la percepción a través de las
oscilaciones entre figura y fondo, por las combinaciones de orden y
aleatoriedad y por la audacia en la utilización del color, una marca de
originalidad constante a lo largo de toda su producción”, destaca
Mercedes Casanegra, curadora de la exposición.
Y señaló que "incluso debería ser mas grande, por eso es muy bueno que se amplíe. Como el Pabellón de Venecia, el Centro Cultural Kirchner, son todas cosas buenísimas que deberían quedar. Todos los gobiernos deberían hacer cosas como esta, porque la política pasa y el arte queda".
La Sala Argentina albergará recitales y clases magistrales, con la participación de
artistas de primer nivel, además de obras de teatro infantiles, presentaciones de discos y otros
espectáculos. De esta forma, el Centro Cultural Kirchner suma una sala
más a las que ya se encuentran en funcionamiento, y que reciben a miles
de visitantes durante los fines de semana, con entrada libre y gratuita.
"La viuda de los Van Gogh", que narra la historia hasta ahora poco conocida de Johanna, cuñada de Vincent y esposa de Théo Van Gogh, que rescató tras la muerte del artista su legado pictórico y en solo dos años logró exhibir esas pinturas en una muestra en el Panorama de Ámsterdam, con gran recepción del público.
