Quelqu'un M'a Dit - Cuarteto

Quelqu'un M'a Dit de Carla Bruni
Interpretado por:  Francis Cabrel (guitarra), Zazie,  Marc Lavoine,  Patrick Bruel,  Raphael Haroche

On me dit que nos vies ne valent pas grand chose
Elles passent en un instant comme fanent les roses
On me dit que le temps qui glisse est un salaud
Que de nos chagrins il s'en fait des manteaux

Pourtant quelqu'un m'a dit
Que tu m'aimais encore
C'est quelqu'un qui m'a dit que tu m'aimais encore
Serait ce possible alors

On dit que le destin se moque bien de nous
Qu'il ne nous donne rien et qu'il nous promet tout
Parait qu'le bonheur est à portée de main
Alors on tend la main et on se retrouve fou

Pourtant quelqu'un m'a dit
Que tu m'aimais encore
C'est quelqu'un qui m'a dit que tu m'aimais encore
Serait ce possible alors

Mais qui est ce qui m'a dit que toujours tu m'aimais
Je ne me souviens plus c'était tard dans la nuit
J'entend encore la voix, mais je ne vois plus les traits
Il vous aime, c'est secret, lui dites pas que j'vous l'ai dit

Tu vois quelqu'un m'a dit
Que tu m'aimais encore, me l'a t'on vraiment dit
Que tu m'aimais encore, serais ce possible alors

On me dit que nos vies ne valent pas grand chose
Elles passent en un instant comme fanent les roses
On me dit que le temps qui glisse est un salaud
Que de nos tristesses il s'en fait des manteaux

Pourtant quelqu'un m'a dit
Que tu m'aimais encore
C'est quelqu'un qui m'a dit que tu m'aimais encore
Serait ce possible alors

Colombia expone el olvido - Universidad Nacional de Bogotá

 

       El Museo Efímero del Olvido abrió sus puertas el pasado 5 de agosto y desaparecerá, al menos tal y como está concebido, el 5 de septiembre. Hasta entonces, 46 proyectos del Salón Regional de Artistas Zona Centro, que engloba creadores, en su mayoría jóvenes, de los departamentos de Bogotá, Cundinamarca y Boyacá, se muestran en la Universidad Nacional, en Bogotá y en la ciudad de Duitama, en Boyacá. Cada uno de ellos plantea la relación con el pasado y el futuro de una manera diferente, con formatos heterogéneos. Mientras que algunos resultan pedagógicos, con otros se tiene la sensación de que lo mejor transcurrió durante el proceso de la obra.
     En un momento en el que la memoria se ha vuelto una obsesión para Colombia, ansiosa como anda por poner punto y aparte a un conflicto con la guerrilla de las FARC de más de 50 años y siete millones de víctimas, la apuesta por lo efímero y el olvido, la gran crítica, por otra parte, que siempre ha recibido el país, marca una de las propuestas más interesantes del momento artístico. Enfrentarse a la relación con el pasado, a sabiendas que nunca se podrá recuperar tal como fue, es el eje sobre el que se ha construido un particular Museo Efímero del Olvido.
     “La memoria se convirtió en un receptáculo de todo, como si solo fuésemos a pasar a otro estado si empezamos a recoger todo. Tenemos una angustia generalizada. La intención era dar otra dimensión a la memoria, ampliar las formas en que podemos pensarla”, explica una de las curadoras de la muestra, Cristina Lleras, que durante años trabajó al frente de la curaduría del Museo Nacional. “Se trata de una atención entre olvido y recuerdo y no solo una acumulación de testimonios que luego nadie sabe interpretar o qué hacer con ellos. El olvido, pensado como el que necesitas para recordar, puede ser útil”.

Guernica y la acusación de Picasso - España

       En abril se cumplieron 78 años del bombardeo llevado a cabo en 1937 por la legión Condor alemana y la Aviación Legionaria italiana sobre el pueblo de Guernica en el marco de la llamada “Operación Rügen”, un ataque aéreo que buscaba apoyar al bando fascista que combatía contra el gobierno democrático y constitucional de la Segunda República Española. El 70% de los edificios de la ciudad fue totalmente destruido por el incendio, que no se pudo apagar hasta el día siguiente, y el 20% gravemente dañados (el arquitecto general de Regiones Devastadas contabilizó 271 edificios demolidos, lo que suponía el 74,4 por ciento de los existentes en la villa de Guernica y el barrio de Rentería). La repercusión internacional que alcanzó este bombardeo ha hecho que sea una masacre mundialmente conocida y considerada como un icono antifascista, la masacre de Guernica.
         A principios del 1937 el Gobierno de la República Española encargó a Pablo Picasso, por entonces director del Museo Nacional del Prado, un lienzo para decorar el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de Artes y Técnicas, que tendría lugar ese mismo año en París. Pocos días después del encargo ocurrieron los hechos. El día 1 de mayo de 1937, en la manifestación del Día de los Trabajadores, un millón de personas salieron a las calles de París para mostrar su repulsa por el bombardeo de Guernica.              

         Ese día Picasso contempló por primera vez una imagen del desastre. Era una fotografía en blanco y negro de un periódico francés en la que se observaba la ciudad vasca destruida. Fue su inspiración. A partir de entonces realizó decenas de bocetos del cuadro en un taller situado en la rue des Grans Agustins de París, hasta que terminó la obra. La obra de Picasso nació de su dolor, de la ira y de la pasión, fue una acusación terrible contra el intento de establecer en Europa el dominio de la negación del hombre. En el Bombardeo de Guernica aparece un nuevo espíritu que no actúa desde el exterior del espíritu creativo sino desde el interior, es decir desde la vivencia específica del artista; actúa desde el interior de las maneras intelectuales cubistas, de la simbología del surrealismo, de las deformaciones expresionistas, refundiendo esta materia en una síntesis poética-formal superior. En Guernica cada signo, cada figuración tiende a la expresión del hecho; la deformación acentúa una verdad de las cosas. El toro, el caballo, la lámpara, el cuchillo, la flor, los personajes emblemáticos del drama, en la dilatada tensión de la imagen, asumen un sentido de implacable, universal condena de cualquier poder que destruye la integridad de la persona humana.

Xul Solar conquista el Tigre - Buenos Aires

          El MAT, el museo ubicado frente al Río Luján exhibe más de 35 acuarelas, fotografías y objetos realizados por el artista en el Delta, donde se instaló en la década de 1950.
Desde fines de la década de 1950, el Tigre fue el lugar elegido por Xul para vivir. En Villa La Ñata, próxima al muelle Los Ciruelos, en 1954 ubicó su casa, que llamó Li-Tao. Es decir, le dio su pertenencia a su esposa, Lita (Micaela Cadenas), a quien asoció con su propia búsqueda de un único camino, el camino del conocimiento. Conviene señalar ciertas cosas antes de avanzar sobre este punto, eje de la exposición Xul Solar: un imaginero en el Delta, inaugurada recientemente en el Museo de Arte Tigre (MAT).

ARQUITECTURA
El Tigre ha quedado estrechamente ligado a su obra. Durante 1954 realizó allí pinturas en las que propuso una nueva arquitectura para el Delta. Una arquitectura para él posible y deseable, que eleva sobre palafitos las construcciones en medio del agua que rodea a las islas. El entorno lo constituye una vegetación más presentida que vista. Pero no se trata sólo de pensar en términos arquitectónicos, aun cuando se puedan reconocer ciertas convenciones en la representación, como la presencia de la figura humana para dar la escala; el desarrollo en altura de los edificios en distintos niveles, el trabajo bidimensional en las fachadas -las cuales ocasionalmente buscan desplegarse en profundidad-, espacios con diferentes funciones, definidos a partir de planos de colores, y la utilización de madera y vidrio, que no sólo propone interiores luminosos sino que además trabaja sobre una calidad lumínica inestable por el reflejo de la luz en el agua.

La viuda de los Van Gogh. Novela del argentino Camilo Sanchez que es furor en Europa

 

       ¿Cómo puede alguien austero que vendió dos cuadros en vida consagrarse con una muestra en el Panorama de Ámsterdam a solo dos años de morir?  La respuesta no tardó en llegar. “Apareció Johanna Van Gogh Borger, un personaje que me encandiló y que fue la que permitió el andamiaje del mito”, dijo el escritor argentino Camilo Sánchez sobre la cuñada de Vincent Van Gogh y escribió la novela que hoy es furor en Europa.

      Al cumplirse 125 años de la muerte del artista holandés, pionero del arte moderno, con una obra de 850 cuadros y casi mil 300 dibujos que hoy se venden por sumas astronómicas, Edhasa reedita la novela de Sánchez (Mar del Plata, 1958), quien investigó durante cinco años la influencia de la cuñada del artista en la difusión de la obra

         "La viuda de los Van Gogh", que narra la historia hasta ahora poco conocida de Johanna, cuñada de Vincent y esposa de Théo Van Gogh, que rescató tras la muerte del artista su legado pictórico y en solo dos años logró exhibir esas pinturas en una muestra en el Panorama de Ámsterdam, con gran recepción del público.

         “Sobre Van Gogh estaba todo dicho, por eso arranco a partir de su muerte y lo que pasó en los dos años siguientes. Para mí fue antes que nada un escritor y empecé a ver la relación de sus textos y sus cuadros. Es lo que Johanna también vio al leer las cartas. Ella entra en la obra a través del cuerpo teórico de las cartas”, explicó sobre las 651 misivas entre el pintor y su hermano, agrupadas según lugares de residencia, desde una inicial, en Londres, en 1873, hasta la última que tenía entre sus ropas la noche de su muerte, que la viuda publicaría recién en 1914.

Kandinsky, retrospectiva en Centro Centro Cibeles - Madrid

        

           La mayor exposición celebrada en España sobre la obra de Wassily Kandinsky (Moscú, 1866 - Nanterre, Francia, 1944) llegará proximamente al CentroCentro Cibeles (Madrid). Organizada junto con el Centre Pompidou de París y Arthemisia Group, 'Kandinsky. Una retrospectiva' recorrerá su trayectoria artística y espiritual a través de cerca de cien de sus obras.
           A punto de cumplirse 150 años del nacimiento de este pionero del arte abstracto y uno de los pintores vanguardistas más destacados de todos los tiempos, la muestra, comisariada por Angela Lampe, se adentrará en la carrera artística de Kandinsky a través de lienzos, acuarelas y grabados procedentes de la colección del Pompidou.
          La exposición recorrerá los periodos clave de su vida, desde los primeros años en Alemania, pasando por sus años en Rusia y finalizando con su estancia en Francia, a través de obras fundamentales como Alte Stadt II (1902), Lied (1906), Improvisation III (1909), Im Grau ( 1919), Gelb-Rot-Blau (1925) o Bleu de ciel (1940).
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Don McLean - Vincent ( Starry, Starry Night) With Lyrics

MALBA - Polesello joven - Buenos Aires

            Una exposición antológica de Rogelio Polesello (Buenos Aires, 1939-2014), dedicada a sus obras históricas, pinturas y acrílicos producidos desde fines de los años 50 hasta mediados de los 70. La muestra reúne una selección de 120 piezas, pertenecientes a numerosas colecciones públicas y privadas del país y del exterior, como el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), el Museo del Banco de la República de Bogotá, el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y el Museo de Bahía Blanca (MBA-MAC), entre otras.

        La exposición busca saldar una deuda pendiente en el estudio del desarrollo artístico de Polesello, focalizándose en los años fundacionales de su trayectoria y en categorías aún poco estudiadas, como su adscripción a la tríada arte-diseño-industria y la experimentación con las múltiples relaciones entre artes plásticas, arquitectura, diseño, cine y moda. A un año de su fallecimiento, MALBA rinde homenaje y reconoce así a una figura central de la escena artística y cultural argentina del siglo XX.

        “El joven Polesello se insertó dentro del desarrollo de la abstracción geométrica y óptica argentina de un modo autónomo y original, con ampliaciones libres de esas categorías. Su obra se destacaba por su búsqueda de movimiento en lo estático, por los desafíos a la percepción a través de las oscilaciones entre figura y fondo, por las combinaciones de orden y aleatoriedad y por la audacia en la utilización del color, una marca de originalidad constante a lo largo de toda su producción”, destaca Mercedes Casanegra, curadora de la exposición.

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Tras los pasos de Van Gogh, en el 125 aniversario de su muerte

        Ciento veinticinco años después de que Vincent van Gogh muriera en Auvers-sur-Oise, a las afueras de París, a causa de las heridas de un disparo, el pintor sigue despertando una enorme fascinación en el público y continúa siendo una fuente de inspiración para generaciones de artistas. Es un filón inagotable. Les proponemos, siguiendo sus pasos, un recorrido que nos lleva de su Holanda natal a Francia, donde terminó prematuramente sus días el 29 de julio de 1890, a los 37 años. Un viaje que nos permitirá ver con nuevos ojos a este artista único, que malvivió pobre y enfermo, rodeado de sus fantasmas personales y sus obsesiones y que, paradojas del destino, es hoy uno de los nombres más cotizados del mercado del arte.

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Teatro San Martín: reabrió una sala histórica y recupera toda su capacidad - Buenos Aires

 

           El Teatro General San Martín recuperó a pleno su capacidad. Se reinaguró la Sala Casacuberta tras una refacción integral, tal como se había hecho con las salas Martín Coronado y Leopoldo Lugones. La Casacuberta es la última del complejo que se restauró y reanudó sus funciones  recientemente. El espacio es un anfiteatro de 35 metros por 6 para 550 espectadores con una notable cercanía al escenario. Así, los porteños pueden volver a disfrutar un espacio artístico emblemático de la ciudad.
           Las obras en la Casacuberta son parte de un plan integral de recuperación del San Martín que comenzó en 2011. El proyecto de restauración a fondo ya está avanzado en un 52%. Todas las instalaciones a la vista del público ya fueron recuperadas, salvo el hall central, el de cada sala y los sanitarios. Lo que falta de la obra es “para adentro”: desde las instalaciones de servicios hasta los camarines y otros espacios. El proyecto incluyó el arreglo de la fachada y la construcción de una sala de ensayos para el Ballet Contemporáneo. En todos los casos, se respetó el diseño original del edificio creado por los arquitectos Mario Roberto Alvarez y Macedonio Ruiz, que fuera inaugurado en 1960.
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Van Gogh, 125 años después

           Vincent van Gogh murió el 29 de julio de 1890. Dos días después de pegarse (o recibir, según una teoría reciente) un tiro en uno de los campos de trigo que tantas veces retrató. Pudo pintar gracias a que su hermano Theo le mantenía económicamente; solo vendió un cuadro en vida. Ahora sus obras alcanzan cifras millonarias y este año, que se cumplen 125 de su muerte, se suceden exposiciones y actividades conmemorativas que recuerdan qué ha significado para la historia del arte ese a quien se le dio a conocer como el loco de pelo rojo y que no pudo ser testigo de la admiración que provocaría su obra 
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Autorretratos frente al espejo: así son los selfies de algunos maestros de la fotografía

 Fotografía: Man Ray, Self-Portrait (1932). Smithsonian American Art Museum

      Las selfies se pusieron de moda por el uso de los smartphones, pero, en realidad, los autorretratos fotográficos no son nada nuevo. Muchos profesionales de la fotografía llevan décadas practicándolos, aunque con una diferencia importante con los selfies de hoy en día: no recurren a un «palo selfie» para conseguir la composición que buscan, sino a uno o varios espejos. 

      En este post presentamos algunos autorretratos realizados por grandes maestros de la fotografía, como Robert Doisneau, Stanley Kubrick, Nan Golding, Man Ray o Vivian Maier, entre muchos otros. Lo interesante es que todos ellos tienen algo en común: el uso del espejo como herramienta de composición. Algunos son relativamente modernos, pero otros se remontan a las décadas de los años 30 y 40 del siglo pasado.  Artículo completo

Fotografía: Vivian Maier, Untitled (1955)

Fotografía: Robert Doisneau, Self Portrait (1947)

Fotografía: Nan Goldin, Self-portrait in the mirror (1998)

Fotografía: Stanley Kubrick, Rosemary Williams showgirl with self portrait (1949). Museum of the City of New York

 

Poder y Pathos en el Museo Getty - Los Ángeles

           "Poder y Pathos" Escultura de Bronce del Periodo Helenístico' es la primera gran exposición internacional que reúne más de 50 bronces de la región del Mediterráneo, de los siglos IV a.c. al I d.c. en el Museo Getty.
           Durante la época helenística los artistas de alrededor del Mediterráneo crearon esculturas innovadoras y realistas, de gran poder físico e intensidad emocional. Fue el empleo del bronce -con su superficie reflectante, resistencia a la tracción, y su poder para expresar los detalles- lo que logró crear este deslumbrante despliegue de la representación de la forma humana.
           Las esculturas de bronce de gran escala están entre los supervivientes más apreciados de la antigüedad; su valioso metal fue típicamente derretido y reutilizado. Filas de pedestales vacíos todavía apreciables en muchos sitios arqueológicos son un testimonio de la ubicuidad pasada de estatuas de bronce en la época helenística. Irónicamente, muchos bronces conocidos hoy en día han logrado sobrevivir porque una vez fueron perdidos en el mar, siglos sólo para ser recuperados siglos más tarde.
           "Poder y Pathos: Escultura de bronce de la época helenística" es especialmente notable por reunir obras de arte que normalmente se exponen de forma aislada. Cuando se ve en próximas entre sí, la variedad de estilos y técnicas empleadas por los escultores antiguos se acentúa con mayor eficacia, al igual que las diferentes funciones e historias de las esculturas de bronce. El bronce, fundido en moldes, era un material muy adecuado para la reproducción, y la exposición ofrece una oportunidad sin precedentes para comparar objetos del mismo tipo, salidos incluso del mismo taller, juntos por primera vez. Por ejemplo, dos hermas de Dionysos -una del Museo Nacional del Bardo, Túnez, y otra del Getty, creadas en el mismo taller, no se han mostrado juntas desde la antigüedad.
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La casa está donde está el arte - Galería Hirschl & Adler - New York

 

Cuando los pintores eligen sus hogares como tema
        Lo doméstico como jardín sagrado, refugio, celda, cuartel y residencia es la idea de la exposición colectiva de pintura "Home is Where the Art Is" (El hogar es donde habita el arte). Reúne obras pintadas desde el siglo XVIII al XXI por artistas que consideraron su casa como materia digna de ser llevada a lienzo o papel y se celebra en la galería Hirschl & Adler de Nueva York.
          La exposición exhibe  desde las casas campestres idealizadas de los EE UU de finales del XIX hasta fiestas en apartamentos urbanos. Agrupa cincuenta visiones artísticas variadas del hogar como refugio íntimo, lugar de reunión social y, sobre todo, como estado de ánimo. Se presentan  óleos, dibujos, grabados y acuarelas que ofrecen una "visión de la intimidad de la vida familiar" capturada en retratos, bodegones y escenas que exploran los diversos roles de la casa. Están representados el romántico Alfred Thompson Bricher, el 'outsider' Edward Deeds y el sensualista Fairfield Porter, entre otros.

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Yoko Ono: "One woman show” en el MOMA New York

            El Museo de Arte Moderno presenta su primera exposición dedicada exclusivamente a la obra de Yoko Ono, tomando como punto de partida su exposicion debut en el MoMA  a finales de 1971. Ahora, más de 40 años después, Yoko Ono: "One woman show”,  1960-1971 reúne  aproximadamente 125 de objetos, obras sobre papel, instalaciones, performances, grabaciones de audio y películas y  materiales de archivo.
             Yoko Ono, desde los primeros años de su extensa carrera, se movíó entre Nueva York, Tokio y Londres, ciudades que  tuvieron un importante papel innovador en el desarrollo internacional del arte conceptual, el cine experimental  y el arte del performance.
            En esta exposicion que ofrece el MoMA presenta un catálogo completamente ilustrado, con tres ensayos que evalúan el contexto cultural de los primeros años de Ono, y cinco secciones que reflejan el trabajo durante este período y la evolución y desarrollo de su práctica artística. Cada capítulo incluye una introducción de un especialista invitado, las descripciones de las obras de arte, documentos primarios extraídos de periódicos y revistas, y una selección de la obra de sus textos y dibujos.
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