Río de Janeiro inaugura el Museo del Mañana

          Abrirá sus puertas el Museo del Mañana, un imponente edificio diseñado por el arquitecto español Santiago Calatrava que busca poner en valor el área portuaria de Río de Janeiro. Este centro cultural de motivación científica, con alrededor de 30.000 metros cuadrados de salas, jardines, espejos de agua y áreas de ocio, mostrará al público el poder del hombre para cambiar el mundo, ya sea mediante la alteración del clima, la degradación de los ecosistemas o la interferencia en la naturaleza, así como el legado que está dejando de cara al futuro.
           “La idea es que el museo no sea una casa que recolecta obras de arte sino un centro que investiga y profundiza en las ciencias que miran hacia el mañana y muestran los distintos escenarios a los visitantes, para provocarles una reflexión sobre las acciones de ellos hoy”, explicó la gerente del proyecto, Deca Farroco.
          El museo será una de las principales atracciones en la remodelada Plaza Mauá, ubicada en el centro de Río de Janeiro, junto al puerto de la ciudad y el Museo de Arte de Río (MAR). Su edificación proyectada hacia el mar forma parte del proyecto Puerto Maravilla con el que el Ayuntamiento carioca se propuso revitalizar la terminal portuaria, de cara a los Juegos Olímpicos que organizará en agosto de 2016.

Buenos Aires - El fileteado porteño fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

 

           El arte del fileteado porteño fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por el Comité Intergubernamental para la Salvaguarda de la Unesco que se encuentra reunido en Namibia. Así lo confirmaron  fuentes del Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires. La práctica, considerada la pintura argentina que nació a principio de 1900, recibió así el mismo reconocimiento que obtuvo el tango en 2009.

Buenos Aires - Museo Sivori : Estados de conciencia de Gaby Herbstein

 

       La exposición fotográfica compuesta por 35 fotografíaas, 70 objetos y diversos materiales de producción que develan la totalidad del proceso creativo detrás de cada imagen se podrá visitar hasta el 7 de febrero en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori.

"Esta muestra tiene que ver con un recorrido interior y es el corolario de los trabajos que vengo realizando desde 1998 con distintas fundaciones sobre temas de ecología y unicidad", expresó  Herbstein sobre el trabajo exhibido con el marco del Rosedal de Palermo, donde se sitúa el museo, y galardonado con el "Prix de la Photographie de Paris Oro", en la categoría "Fine Art".

     "Siento que lo que expongo es la consecuencia del exterior al interior. También está influenciada por el aprendizaje de distintas corrientes espirituales y el trabajo de conceptos de conciencia que se van sucediendo en el camino de la vida", sostuvo la fotógrafa

Los cazadores en la nieve - Pieter Brueguel - El viejo

        Fundador de una importante familia de pintores, Pieter Bruegel “el Viejo” es uno de los primeros maestros de la pintura flamenca, un talento a menudo comparado con el de El Bosco, aunque la paranoia moralizante de éste último se ve sustituida por una irónica crítica social y un no disimulado amor por la vida campesina. Al igual que Patinir, no es un paisajista puro, en el sentido que sus paisajes siempre son un fondo para desarrollar una obra de temática popular o religiosa. Sus paisajes más importantes son los que aparecen en una serie de seis pinturas que representan diferentes épocas del año, de la cual “Los cazadores en la nieve” es la obra más conocida.
        Esta pintura es uno de los primeros paisajes invernales de la historia de la pintura occidental. La obra capta el momento en el que tres cazadores, acompañados por sus perros, regresan a su pueblo tras una expedición de caza. Bruegel ha situado al observador en una posición muy cercana a la de los agotados cazadores, cuya visión del paisaje sería muy similar a la nuestra.
        La composición es un complejo juego de líneas diagonales y horizontales. En primer plano predominan las líneas diagonales, destacando la diagonal principal, marcada por la base de los árboles y las figuras de los expedicionarios, que continúa hasta el fondo de la composición. El contrapunto lo pone otra diagonal casi perpendicular a ésta, que parte de la esquina inferior derecha hasta las casas del extremo izquierdo de la pintura. Sin embargo, en el fondo de la pintura destacan las líneas horizontales de los canales helados, otorgándole al paisaje una gélida placidez.
         El blanco de la nieve domina la escena, sobre el cual las oscuras figuras destacan sobremanera, sensación incrementada por la ausencia total de sombras. “Los cazadores en la nieve” es una obra maestra absoluta que influiría en pintores posteriores como Hendrick Avercamp.
Fuente

Japón - Hokusai - Viento del Sur, Cielo despejado (Fuji Rojo)

         La colosal figura de Katsushika Hokusai no es solo la más importante de la escuela Ukiyo-e del periodo Edo, sino también la cumbre de la pintura japonesa de cualquier época. Artista enormemente prolífico, se calcula que creó unos 30.000 grabados. Además, pintó hasta el último día de su vida, y abordó multitud de géneros, desde el retrato hasta el paisaje, pasando por las obras de carácter erótico. De joven trabajó como librero y como aprendiz de grabador en un taller, lo que le permitió aprender con maestría la técnica del grabado ukiyo-e.
Su obra magna es la serie de 36 vistas del monte Fuji. Estos grabados de la montaña sagrada de Japón gozaron de una enorme popularidad en su época, por lo que posteriormente Hokusai añadió 10 vistas más a la serie. Además, años más tarde el propio artista inició una serie aún más numerosa, las “100 vistas del monte Fuji”.
        La serie incluye tanto vistas cercanas en la que el Monte Fuji es el único protagonista de la composición (“Fuji rojo” o “Tempestad bajo la cima”) como vistas algo más lejanas que permiten representar la vida y paisajes de sus alrededores (“La costa de Kamakura” o “Molino en Onden) e incluso vistas tan lejanas que resulta difícil advertir la presencia de la montaña sagrada (“Bajo Meguro” o “Lago Suwa en la Provincia de Shinano”). La obra más famosa de la serie, “La Ola”, fue escogida en 2006 como una de las 50 obras maestras de la pintura por theartwolf.com.
         Todos y cada uno de los grabados son auténticas obras magistrales con identidad propia. En conjunto, las 36 vistas del monte Fuji representan una de las cumbres de la pintura de paisajes de cualquier era. Estos grabados fueron enormemente admirados por los pintores impresionistas y post-impresionistas, desde Claude Monet hasta Vincent van Gogh.
Fuente

Feliz cumpleaños a Henri de Toulouse-Lautrec, nació hoy en 1864

 

          Un día como hoy, nacía en Albi, Francia, el reconocido pintor posimpresionista, litógrafo  e ilustrador Henri de Toulouse-Lautrec. Fue famoso por pintar la vida urbana Parisina de finales del siglo XIX. Influido por las estampas japonesas construyó un nuevo estilo con las características líneas de contorno y manchas de colores planimétricas. Lautrec retrató con frecuencia escenas de burdeles y cabarets, como el Moulin Rouge, donde tenía un asiento reservado después de producir una serie de carteles publicitando la apertura del club en 1888. Recibió influencia de sus contemporáneos franceses  Edgar Degas y Édouard Manet, y compartió con ellos un gran interés por la observación de la cultura social. Además es considerado uno de los precursores del diseño gráfico. Falleció en Saint-André-du-Bois,el 9 de septiembre de 1901.

Más información

Un día como hoy, 18 de noviembre, fallecía en Paris Man Ray

 

              Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18 de noviembre de 1976) fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París. Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos.

Madrid - Museo Thyssen Bornemisza - Picasso y el cubismo en la Colección de Arte ABANCA

 

         El Museo presenta  una selección de doce obras de la colección ABANCA. Con el título Picasso y el cubismo, la muestra reúne un conjunto de cinco piezas del maestro malagueño, además de otras tres de los pintores que, junto a él, formaron el núcleo central del cubismo: Braque, Juan Gris y Léger. La selección se completa con dos pinturas de Metzinger y María Blanchard, también pertenecientes al movimiento francés, un lienzo de Manuel Ángeles Ortiz y una escultura de Julio González.
          La exposición abarca un arco cronológico que se extiende desde 1895 hasta 1963. Comienza con una escena popular y una caricatura pintadas por un jovencísimo Picasso en 1895, así como un dibujo realizado en París en 1901 –ciudad a la que el pintor se había traslado ese mismo año para exponer en la Galería Vollard-, continúa con una selección de obras cubistas de las décadas de 1910 a 1930, entre las que destacan Composición cubista con botellas (c.1918) de María Blanchard,Paquete de tabaco y vaso (1922) de Picasso, La uva negra (1923) de Juan Gris o Vaso y uvas(1930) de Braque, para terminar con un lienzo de la serie “El pintor y su modelo” (1963-1965), en la que Picasso reflexiona sobre el proceso creativo en sí mismo.
       Creada a partir del interés por conservar y divulgar obras de artistas gallegos, la Colección de Arte ABANCA fue ampliándose con la compra de piezas de ámbito español e internacional. Así, hoy cuenta con 1.348 obras de 239 artistas, entre los que se encuentran figuras del renombre de Picasso, Braque, Léger, Miró, Dalí, Tàpies, Chillida o Barceló, entre otros.
Fuente y Visita virtual

Francia - Claude Monet, homenaje al instante y la luz

 

              Pintor del agua y de lo efímero, maestro del color, Claude Monet liberó la pintura de convencionalismos y rigideces academicistas con su deseo de plasmar el instante, la atmósfera y la interacción de la luz y las formas. Recordamos al impresionista por excelencia
Monet cumpliría el 14 de noviembre 176 años. Aprovechamos el aniversario para recordar al impresionista por excelencia y precursor de la pintura abstracta. El francés nunca se apartó del impresionismo, movimiento al que, sin pretenderlo, cedió el nombre de una de las obras: Impresión. Sol naciente que mostró en la exposición del 15 de abril de 1874 (la primera impresionista) en el estudio del fotógrafo Nadar. El crítico      Louis Leroy hizo suyo el término impresionismo en una demoledora crítica y de esta forma dio nombre a un movimiento que revolucionaría la pintura.La intención de Claude Monet (París, 1840-Giverny. 1926) era plasmar la experiencia, por eso se apoyó en una pincelada muy libre y abrió su paleta a un nuevo colorido convirtiéndose en uno de los grandes maestros del color de la vida moderna. Francisco J. R. Chaparro, en un artículo publicado en Descubrir el Arte 178, defiende con claridad su trascendencia: “El decurso del arte no habría sido el mismo sin él. Reivindica por primera vez –y por encima del resto de impresionistas– la fluidez del tiempo, así como la idea de repetición y, sobre todo, la percepción ‘retiniana’ de la luz y sus reflejos”.  

Rijkmuseum - Amsterdam - Un flashmob recrea "La Ronda nocturna" de Rembrandt

       Un vistoso flashmob que recrea la obra maestra de Rembrandt, "La Ronda nocturna" fue organizado en un shopping de la capital holandesa con el fin de promocionar la reapertura del Museo Nacional de Ámsterdam, después de una década de reformas.

      Ante la sorpresa de las personas que compraban y paseaban por el recinto, a modo de representación teatral, los actores recrearon una escena del siglo XVII en la que la policía persigue a un ladrón por las calles, para finalmente acabar el espectáculo con la composición más "realista" que la obra ha tenido hasta ahora.
         "La Ronda Nocturna" fue pintada por el artista holandés entre 1640 y 1642 y es una de la joyas de la exposición permanente del Museo Nacional de Ámsterdam, también conocido como Rijksmuseum.

         La pintura, terminada en 1642, representa el capitán Frans Banning Cocq y su lugarteniente, Willem Van Ruytenburch, junto a la Compañía que protege el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses.
           En una recreación estilo épico del siglo XVII, treinta caballeros vestidos como miembros de la Compañía de disparo de Cocq inundaron el piso del centro comercial sorperendiendo a los presentes. ¡Vale la pena volver a verlo!

Viena - Pabellon de la Secesión - La sensualidad real de las obras de Gustav Klimt

    

      El edificio de la Secesión, lugar fundamental para el movimiento de Klimt, realizó este años una colecta de fondos para apoyar al SIDA y el VIH, y entre las actividades se encontró una sesión fotográfica de Inge Prader, en la que como homenaje a las obras del pintor, les dio vida e imaginó la mezcla perfecta de modelos y colores para lograr un absoluto realismo.
       El pintor es uno de los personajes más importantes de la Secesión de Viena. Con Oskar Kokoschka y Koloman Moser, realizó obras con elementos de Art Nouveau y Art Decó para crear una de las vanguardias más vistosas y luminosas de todos los tiempos. La Secesión buscaba la ruptura de los estilos anteriores con base en la inspiración en elementos naturales como piedras preciosas, flora, fauna y sobre todo, formas redondeadas. Según estos artistas no debían existir líneas rectas en sus cuadros porque en la naturaleza no los encontramos; nada es totalmente simétrico y perfecto.

     Prader les da un nuevo respiro a sus imágenes y transgrede disciplinas mezclando la fotografía, la pintura y el diseño, con un esfuerzo por preservar la pintura, la oscuridad y la decadencia de la obra de Klimt.
     La fotógrafa logró lo que por muchos años buscó la pintura: la imagen en tercera dimensión; admirar la totalidad del lienzo y no sólo la  superficie plana del cuadro. Inge Prader tuvo la maestría de recrear la obra de Klimt de manera espectacular gracias al maquillaje y la ropa perfecta para la ocasión.
    Inge Prader es una fotógrafa vienesa de moda que ha participado en múltiples trabajos fotográficos al lado de Madonna, y ha trabajado para Visa, Henkel, Financial Times y otras decenas de empresas austriacas. Tiene una gran trayectoria y reconocimiento mundial.

     Las mujeres fatales y la sensualidad desbordante traspasan el lienzo de Gustav Klimt y se convierte en parte de la vida real, de lo tangible y el ya nada imaginario dorado eterno que englobaron sus obras hace más de un siglo. Klimt tuvo su inspiración en el desnudo femenino, que cubierto de oro y piedras preciosas, lo convirtieron en uno de los artistas de la secesión más populares.
     Durante su fase dorada, de 1899 a 1910, Klimt tuvo el éxito que la riqueza y abundancia de sus pinturas parecía pronosticar. Su estilo se convirtió en un ícono de Viena, sus pinturas un recuerdo de que no todo en exceso se ve mal. Su famosa pintura El beso y el Portarretrato de Adele fueron hechas en este periodo.
Mas informacion y fotos

Buenos Aires- La Abadía, Centro de Artes y Estudios Latinoamericanos

 

        Desde octubre quedó  inaugurado el nuevo centro cultural “La Abadía, Centro de Artes y Estudios Latinoamericanos”, gracias a la recuperación que se llevó adelante sobre el histórico monasterio Abadía de San Benito, ubicado en el barrio porteño de Palermo.
        El terreno ocupa 5.000 m2 sobre la barranca de Gorostiaga y Luis María Campos. Su edificación fue realizada en  1929, destinada al retiro de monjes benedictinos, que luego se mudaron a Lujan dejando vacío el lugar. La construcción fue durante un tiempo sede de Casa FOA, para que luego del proceso de recuperación, quede lista para su nueva apertura.
       “Hubo que refuncionalizar el edificio, pero con intervenciones mínimas para que no olvidemos que era un monasterio”, contó a  Guillermo Alonso, director de Relaciones Públicas de La Abadía.
Las obras constaron de la recuperación los pisos de pinotea y los techos abovedados. Además se rehicieron tanto la instalación eléctrica, como también la iluminación.
       Uno de los desafíos de los restauradores, fue la de mantener el clima monástico del edificio, pese a su transformación. En el refectorio del ex monasterio, por ejemplo, se instaló el auditorio que, junto a la biblioteca monseñor Eugenio Guasta, serán sede del Centro de Estudios Latinoamericanos.
     “Tierra de encuentros, cielos y colores. Arte de Sudamérica hoy y ayer” es la primera muestra exhibida, en donde se pueden encontrar piezas de platería mapuche, del Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti y máscaras del Perú.
Más información

Avellaneda -Buenos Aires - El Centro Municipal de Arte de Avellaneda se pone en marcha

        La antigua Casa de la Cultura de Avellaneda donde antes funcionaban talleres de arte, fue remodelada bajo el nombre de Centro Municipal de Arte, como una gran galería cultural de dos pisos que alberga salas de ensayo, de grabacion y seis espacios identificados por colores y destinados a exposiciones de arte.
        Gigantescas esculturas móviles, otras realizadas con materiales no convencionales, murales y fotografías de la ciudad a principios de siglo son algunas de las propuestas que sorprenden a los más de 200 visitantes que a diario visitan el edificio de Alsina y San Martín, en pleno centro de esa localidad bonaerense.
        Fotogramas en blanco y negro de calles renovadas, algunos edificios olvidados y otros demolidos donde hoy se encuentran modernas construcciones son algunas de las imágenes montadas en la sala Violeta.
        Este paseo interior por Avellaneda se completa en la Sala Roja en marco de la exhibición "Colores Maestros-Pintores Argentinos del Siglo XX", que despliega obras de artistas como Benito Quinquela Martí¬n, Raúl Soldi, Juan Vaidaillac, José Arcidiácono, José Luis Menghi, Fernando Pascual Ayllón y Germán Leonetti.

New York - MoMA - Retrospectiva del artista uruguayo Joaquín Torres-García

 

              El MoMA presenta la gran retrospectiva de Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874 -1949) que cuenta con obras que van desde finales del siglo XIX hasta la década de 1940, incluidos los dibujos, pinturas, objetos, esculturas y cuadernos originales del artista y otras publicaciones. La exposición combina una presentación cronológica con un enfoque temático, estructurado en una serie de importantes capítulos de la carrera del artista, con énfasis en dos momentos clave: el período 1923-1933, cuando Torres-García participó en varios movimientos europes de vanguardia,  mientras establecia su propio estilo constructivista; y 1935 a 1943, cuando, después de haber vuelto a Uruguay, produjo uno de los repertorios más llamativos de la abstracción sintética.

              Torres-García es uno de los artistas más complejos e importantes de la primera mitad del siglo XX, y su obra abrió caminos de transformación para el arte moderno en ambos lados del Atlántico. Su implicación personal en un número significativo de movimientos -desde el Novecentismo Catalán al Cubismo, Ultraísmo, Vibracionismo, y Neo Plasticismo,  hicieron de él,  una  incomparable figura sin precedentes, madura para nueva evaluación crítica en los EE.UU.

Más información

El talismán - Paul Serusier

El talismán - Paul Serusier

"Un cuadro, antes que un caballo de guerra, un desnudo femenino o cualquier otra anécdota, antes que un tema es, esencialmente, una superficie plana cubierta de colores distribuidos en un orden determinado". Maurice Denis.

Con esta definición  desemboca el arte abstracto. Relativiza el tema convirtiéndolo en algo secundario y prescindible porque dice que lo que importa es trabajar con los recursos específicamente pictóricos, con los colores y el plano en este caso. Es el germen de la pintura del siglo XX.