Catedral de Notre Dame, la mejor representación del Estilo Gótico

 

Francia alberga una de las catedrales más hermosas e imponentes del mundo, La Catedral de Notre Dame, uno de los edificios más señoriales e icónicos que se construyeron en estilo gótico. Millones de personas viajan hasta aquí para poder apreciarla de cerca.
Creada para rendir honor a la Virgen María, madre de Jesucristo, se encuentra ubicada en la pequeña isla de la Cité; rodeada por el río Sena en París.
Debido a la Revolución Francesa la catedral sufrió considerables deterioros, lo que obligó a realizar grandes restauraciones, las cuales además de reconstruir gran parte de la escultura perdida,  modificaron y añadieron diversas partes, siendo la más destacada la célebre aguja del cimborrio.
Posteriormente se dieron otros acontecimientos que causaron nuevamente un deterioro de la misma, en una oportunidad trataron de incendiarla, debido a todo esto, en 1991 se volvió a trabajar en su restauración, con un margen de tiempo para culminarla de 10 años.
En ella se han realizado acontecimientos importantes como la coronación de Napoleón Bonaparte, la beatificación de Juana de Arco y la coronación de Enrique VI de Inglaterra.
Notre Dame está conformado por dos torres de 69 metros, accediendo a la parte superior de ellas las personas, además de poder apreciar la hermosa vista de la ciudad, podrán conocer el famoso campanario donde vivió el mítico jorobado de Notre Dame, de igual forma podrán ver las distintas gárgolas del lugar.
Entre los tesoros de la catedral que pueden apreciarse están el mobiliario, la vestimenta y objetos relacionados con la Liturgia, algunos de ellos son considerados verdaderas obras de arte de los siglos XVII y XVIII.
La cripta arqueológica es otra de las grandes atracciones de Notre Dame, descubierta durante las excavaciones realizadas en 1965, aunque no se encuentra bajo la Catedral, sino más bien en la Plaza de Notre Dame.
Más información

Museo Guggenheim Bilbao: Panoramas de la ciudad: la Escuela de París, 1900–1945

 

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Panoramas de la ciudad: la Escuela de París, 1900–1945, una exposición integrada por más de 50 obras maestras procedentes de la Colección del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, que podrá contemplarse hasta el 23 de octubre de 2016. Esta es la primera de las muestras que se enmarcan dentro de la renovación del Acuerdo de Gestión con la Solomon R. Guggenheim Foundation (SRGF). Entre las iniciativas que  refuerzan esta asociación se encuentra el compromiso del Solomon R. Guggenheim Museum de presentar en el  Museo Guggenheim Bilbao una exposición con obras clave de su Colección cada dos años.
A comienzos del siglo XX, París era la capital de la vanguardia. Artistas llegados de todo el mundo se asentaron en la Ciudad de la Luz, donde crearon nuevas formas de arte y literatura, y reaccionaron ante el rápido desarrollo económico, social y tecnológico que estaba cambiando profundamente la vida urbana. Fue en París donde Picasso y Georges Braque transformaron radicalmente las convenciones de la pintura, Robert Delaunay creó sus armoniosas composiciones de color, Vasily Kandinsky abrió nuevos caminos en la abstracción y Constantin Brancusi reinventó el modo de presentar la escultura en el espacio. La exposición Panoramas de la ciudad, curada por Lauren Hikson, Curadora Adjunta de Colecciones del Solomon R. Guggenheim Museum, reúne una selección de obras maestras de sus fondos, ofreciendo un recorrido apasionante por este momento de efusión creativa, a través de algunas de las pinturas y esculturas más importantes del siglo pasado, que continúan ejerciendo su influencia en el arte actual. Abarcando un período comprendido entre los comienzos del siglo XX y la Segunda Guerra Mundial, la muestra se centra en los movimientos fundamentales del arte moderno —desde el Cubismo hasta el Orfismo y el Surrealismo— y en los artistas englobados en la Escuela de París (École de Paris). Las diversas visiones artísticas que presenta la muestra manifiestan el impulso común de romper con estéticas conservadoras y transformar la percepción de la vida cotidiana en la ciudad moderna.
Más información

Kigali - Ruanda - África - La Bauhaus africana y la arquitectura que viene

 

Christian Benimana, arquitecto ruandés, tuvo que trasladarse a Shangai, China, para poder cursar sus estudios en arquitectura. La falta de facultades con estudios de diseño urbano adecuados a los retos que vive hoy el continente, fue lo que lo hizo migrar en busca de una formación. Después de licenciarse, en 2008, quiso volver a Kigali, donde se encontró con problemas como el desalojo de tierras para la inversión inmobiliaria, que se estaban reproduciendo en toda la ciudad. Así que decidió unirse al colectivo de arquitectos de MASS, un grupo de diseño que nació en 2010 y que está cambiando el rumbo de la arquitectura en África. Desde entonces se ha convertido en uno de los arquitectos más reconocidos de todo el continente, por su esfuerzo en poner la arquitectura al servicio de la necesidades humanas.
“Precisamente por esto hemos creado una escuela. La Bauhaus nació en Alemania en un momento de auge económico con el objetivo de demostrar que con el diseño podemos mejorar la vida de las personas. El African Design Center se asemeja a la Bauhaus en la idea de que con el diseño se pueden transformar vidas“, dice sobre esta nueva escuela que nace en Kigali, conocida como la “Singapur de África”. “Si no aprovechamos el poder del diseño para generar un impacto duradero, el crecimiento poblacional del continente nos llevará directamente a la fatalidad“, advierte Benimana.
El African Design Center, o la Bauhaus Africana, como le gusta llamarla a Christian es un centro de investigación y formación que nace con la idea de poner la investigación en el centro del debate y antes de cualquier tipo de construcción. Situada en la capital de Ruanda, Kigali, la escuela emerge con la intención de encontrar soluciones a problemas habitacionales como el acceso a la vivienda asequible que afectan a la población local.

Madrid - Museo Thyssen-Bornemisza - Caillebotte: Pintor y jardinero

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en colaboración con el Musée des Impresionnismes Giverny esta exposición dedicada al artista Gustave Caillebotte (París, 1848 - Petit Gennevilliers, 1894), una de las figuras menos conocidas y a la vez más originales del movimiento impresionista. Caillebotte, pintor y jardinero muestra la evolución temática y estilística del pintor francés, desde sus inicios en el París moderno de Haussmann hasta su pintura de jardines, que ocupará una parte muy importante de su producción artística.
Curada por Marina Ferretti, directora de Exposiciones e Investigación del Musée des Impresionnismes Giverny, la muestra presenta un total de 64 obras procedentes de colecciones privadas y museos internacionales como el Marmottan Monet de París, el Brooklyn Museum de Nueva York y la National Gallery of Art de Washington D.C, divididas en cuatro etapas vitales: El París de Haussmann, un universo mineral; Vacaciones en Yerres; El Sena y los viajes a Normandía y El jardín de Petit Gennevilliers.
Mas informacion

#Rio16 - El pebetero olímpico: una fascinante escultura cinética de Anthony Howe

 

El espectacular pebetero de los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro 2016 es obra de Anthony Howe, un escultor norteamericano conocido por sus trabajos de esculturas cinéticas.

Muchas de sus obras pueden considerarse casi precursoras del pebetero, con el que comparten ciertas características, aunque la obra olímpica tiene un tamaño y un mecanismo aparentemente mucho más grande y elaborado.
Howe trabaja en su estudio en la Isla de las Orcas, entre Seattle (Estados Unidos) y Vancouver (Canadá). El precio de sus trabajos –no acepta encargos– comienza a partir de los 250.000 dólares, cifra que sin duda se incrementará ahora que ha realizado un trabajo tan prestigioso.
Más información

Marilyn - Museo de la moda - Santiago de Chile

                                       
     A 90 años del nacimiento y con la más grande muestra sobre Marilyn Monroe que se haya realizado en Chile, se exhiben más de 200 artículos de la colección del Museo de la Moda, entre objetos personales, libros, discos, reconocimientos, adornos de su casa y, tambien trajes emblemáticos.
      La exhibición da cuenta del éxito de Marilyn Monroe en los medios y por ende en la audiencia, siendo rostro de tapas de revistas, afiches y calendarios, causando gran fervor entre sus fans, que le escribían cartas sin parar.

     Con esta exposición se muestra una Marilyn Monroe que la gente no está acostumbrada a ver; sus constantes ganas de aprender y estudiar, su inquietud intelectual, su desarrollo cultural y su sencillez en la intimidad de su hogar.
     “Marilyn” también muestra algunos vestidos icónicos, como el de terciopelo de seda rojo, modelo sirena, strapless, que la actriz usó en 1956 para asistir al estreno de la obra de teatro “Panorama desde el puente”, de Arthur Miller, quien entonces era su marido. Así como los que utilizó en películas que protagonizó, entre ellas Vidas rebeldes (1961), Los hombres las prefieren rubias (1953), Niágara (1953) y La comezón del séptimo año (1957).

Fue descubierto un cuaderno de bocetos de Van Gogh

       La editorial francesa Seuil anunció el descubrimiento de un cuaderno de bocetos del pintor holandés Vicent Van Gogh, que será publicado simultánea en varios países el próximo mes de noviembre. "El cuaderno de dibujos inéditos solo es conocido por su propietario, por el editor y por mí", explicó Bernard Comment, responsable de la edición de la obra, que llevará el título Vincent Van Gogh, Le brouillard d'Arles, carnet retrouvé (Vicent Van Gogh, la niebla de Arles, cuaderno encontrado). "Es increíble, brillante", dijo.
       El origen de este libro, el número de dibujos, la paginación del libro o su precio no ha sido especificado. Se trata de un libro excepcional que "se presentará simultáneamente en noviembre en Francia, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Países Bajos y  Japón y, más tarde, en otros países", agregó el editor."
       Explicó que el cuaderno contiene más de una decena de dibujos y también que hubo un gran trabajo científico "para certificar que se trataba de un libro de Van Gogh".
      Por su parte, el Museo Van Gogh de Ámsterdam y el Museo de Orsay, de París, rehusaron pronunciarse sobre la dimensión de este hallazgo. 

         Van Gogh, con problemas de alcoholismo y enfermedades mentales, se suicidó a los 37 años en julio de 1890, pobre y desconocido. Su obra ha sido encumbrada posteriormente. Retrato del doctor Gachet (1890) alcanzó los 82,5 millones de dólares (unos 74 millones de euros) en una subasta en Nueva York en 1990. Por otra parte, respecto a sus dibujos, se conocen cerca de un millar.

Fuente

MNBA Buenos Aires - Orozco, Rivera y Siqueiros: La exposición pendiente y La conexión sur

        

        El Museo Nacional de Bellas Artes presenta, por primera vez en la Argentina, una exposición de los grandes maestros mexicanos José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, integrada por obras provenientes de uno de los acervos más importantes de Latinoamérica: la colección del Museo de Arte Carrillo Gil, de México.
         La muestra se despliega en dos grandes núcleos: “La exposición pendiente”, del curador del Museo de Arte Carrillo Gil, Carlos Palacios, y “La conexión sur”, a cargo de Cristina Rossi. En el primero, se expone una selección de 76 obras que formaron parte de “Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura mexicana”, la muestra organizada por el museógrafo mexicano Fernando Gamboa que debió inaugurarse en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile el 13 de septiembre de 1973, y que, dos días antes de su apertura al público, fue cancelada por el golpe militar de Augusto Pinochet. Embaladas nuevamente, las piezas fueron depositadas en el museo, que se suponía un lugar seguro, pero el 15 de septiembre el edificio fue ametrallado por cuatro tanques del ejército. Milagrosamente, las obras no sufrieron daños y gracias a la eficaz gestión de Gamboa, el 26 de septiembre pudieron regresar a México.
         Luego de la reanudación de las relaciones diplomáticas entre México y Chile en 1990, hubo varios intentos para llevar a cabo la muestra. Finalmente, el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile presentó “La exposición pendiente” entre noviembre de 2015 y febrero de 2016, con la curaduría de Palacios, quien realizó un nuevo armado de la muestra original, compuesto por setenta y seis obras.
         Este primer núcleo abarca un período histórico que recorre desde las primeras décadas del siglo XX hasta 1973, cuando el quiebre del sistema democrático chileno impidió la presentación de la muestra e imprimió este episodio sobre las obras de la Colección Carrillo Gil. Además, en Buenos Aires, se organiza en cuatro momentos, que abordan las diferentes interpretaciones sobre el retrato, los horrores de la guerra, la mirada social y las experiencias muralistas.
Del 3 de mayo al 7 de agosto de 2016, en el Museo Nacional de Bellas Artes

Fuente

Impresionismo - La donación de Gustave Caillebotte

       

       En  1874 Gustave Caillebotte recibe una herencia que le permite no tener que vivir de la venta de susu obras. Comienza a compara obras de algunos de sus compañeros impreionistas: Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne y Degas. No compra obras de otros artistas como Seurat, Gauguin o Morisot. 

       Escribe en su testamento en 1876 donando su coleccion al gobierno francés. Estipula en el testamento que las obras de su coleccion deben exponerse en el Palacio de Luxemburgo y luego en el Museo del Loyvre. 

       Caillebote muere en el invierno de 1894 a los 45 añso de edad. La Academia de Bellas Artes protesta oficialment en contra la entrada de esas obras en el Museo de Luxemburgo. Jean-Leon Gérome, máximo exponente del  academicismo, escribe en el Journal des Artistes: 

       "Estamos en un siglo de decadencia e imbecilidad. Se necesita una gran desvergüenza moral para que el Estado haya aceptado esta montaña de basura". El gobierno francés hace una seleccion de algunas de las obras de la coleccion: del total, 67, rechaza 29. Sólo 38 serán las afortunadas  que se expondrían en los rincones más alejados del Museo de Luxemburgo recién en 1987.

Bologna - Palacio Fava - Edward Hopper

       Óleos, acuarelas, carbonillas y tizas de la Nueva York de Edward Hopper, uno de los pintores más influyentes del siglo XX  y  famoso por sus retratos de la soledad en la vida norteamericana contemporánea.

La exposición da cuenta de todo el período de producción de Edward Hopper, acuarelas de paisajes parisinos y retratos de ciudadanos de los años 50 y 60, a través de aproximadamente 60 obras. 

       Incluye también  las famosas Mañana en Carolina del Sur (1955), Luz del sol en el segundo piso (1960), Nueva York Interior (1921), Tienda de vinos o Le Bistró (1909), Verano interior  (1909),  y otros estudios  interesantes (como el estudio de Girlie Show 1941) que celebra la mano de Hopper, un excelente diseñador. Constituye una ruta a través de su producción y todas las técnicas de un artista ya un clásico de la pintura del siglo XX.

Fuente

Barcelona - La Fundación Joan Miró renueva su exposicion permanente

         Como culminación de su 40 aniversario, la Fundación Joan Miró actualiza su exposición permanente para ofrecer una aproximación poliédrica al artista. El visitante descubrirá la complejidad creativa de su obra, que, partiendo de un fuerte vínculo con sus orígenes, deviene universal.
         La colección se enriquece con la incorporación de nuevos depósitos de obra procedentes principalmente de la familia Miró, la integración de la colección Kazumasa Katsuta, hasta ahora alojada en una sala específica, y la recuperación de algunas piezas clave de los fondos de la Fundació, como los trípticos Pintura sobre fondo blanco para la celda de un solitario (1968) y La esperanza del condenado a muerte (1974), o la Serie Barcelona, entre otras novedades. La muestra incluye un total de 150 obras y se presenta en ocho ámbitos que recogen los aspectos que marcaron la investigación creativa del artista. Cierra la muestra una nueva sala multimedia que profundiza en el universo mironiano mediante un mural en forma de constelación conceptual.
          La exposición ocupa una superficie de 1.558 m2 y se ubica en las salas que Joan Miró y el arquitecto Josep Lluís Sert proyectaron para acoger la colección, ampliadas en 1988 por Jaume Freixa. El planteamiento potencia el diálogo único entre arte, arquitectura y paisaje que caracteriza la Fundación.

Fuente

Londres: remodelan la Tate Modern Gallery

           La Tate Modern de Londres, el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo, abrirá las puertas de sus nuevas instalaciones el próximo 17 de junio, con un 60 % más de espacio y una presentación innovadora de sus colecciones. El director del grupo Tate, Nicholas Serota, señaló que "la nueva" Tate Modern es un instrumento que permite "ofrecer una rica variedad de experiencias" a sus visitantes, y a los artistas "la oportunidad" de mostrar sus creaciones de "diferente manera".

           Con la renovación, el museo, que recibe cada año a 5 millones de visitantes, se convertirá en el edificio cultural más importante del Reino Unido de los últimos 20 años
          El museo, cuya remodelación ha costado 260 millones de libras (327 millones de euros) exhibirá las creaciones de más de 250 artistas de cerca de 50 países. En la exposición se mostrará la evolución del modernismo, desde los salones en los que nació, hasta los proyectos y espectáculos en vivo que interactúan con la sociedad actual.

Mas informacion

Buenos Aires. El MAMBA cumplió 60 años

        El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) cumplió 60 años y decidió celebrarlo con un extenso cronograma de actividades que incluyó la participación de artistas, historiadores, intelectuales y, especialmente, del público.
       Bajo el lema “El Museo soy yo”, a lo largo de 2016 ofrecerá una programación especial, tanto dentro como fuera de sus puertas, que se sumará a su agenda tradicional. Esta “casa de los artistas” fue fundada en 1956 por Rafael Squirru, su primer director, quien acompañó a los artistas de su tiempo abriendo puertas para el desarrollo de la cultura argentina tanto en el país como en el exterior.
        A lo largo del año, la institución organizará un programa de actividades que tendrán lugar tanto dentro de su edificio como en diferentes espacios de Buenos Aires, con el fin de rememorar diversas acciones que se realizaron a lo largo de su historia y debatir sobre la actualidad del arte y el rol de los museos en la Argentina y el mundo.
       La programación incluye intervenciones en el espacio público, acciones con artistas jóvenes, conciertos al aire libre y en instituciones que antiguamente fueron sedes del espacio –como el Museo Sívori-; campañas de comunicación en la vía pública para acercar las obras del patrimonio al público general y programas abiertos a la comunidad.
       También se realizarán cursos y jornadas con intelectuales de diferentes campos para reflexionar sobre el pasado, presente y futuro del Moderno.
Las actividades con motivo del aniversario contó con un acto inaugural el sábado 23 de abril con una actividad titulada "El Museo soy Yo". Allí, durante toda la tarde, 60 artistas dibujaron el Museo del futuro. 

Edouard León Cortés (1882-1969): El poeta de la pintura parisina

        Edouard León Cortés fue un artista francés de ascendencia española, considerado impresionista del SXX.  Se le conoce como "Le Parisien Poete de la Peinture" o "el poeta de la pintura parisina" debido a que prácticamente la totalidad de su producción fueron escenas desarrolladas en paisajes urbanos de París, en todas sus variantes, de luz del día, condiciones climatológicas y estaciones del año.

Alma Tadema por Rosemary Barrow

 

     "En la medida en que podemos suponerlo, no existe gran diferencia entre los antiguos y modernos. Tal es la verdad que siempre me he esforzado por expresar en mis cuadros: que los antiguos romanos, al igual que nosotros, eran seres humanos de carne y hueso movidos por las mismas pasiones y emociones". Así se expresaba Alma-Tadema en 1899. En éstos últimos tiempos, en que su obra fue olvidada, los historiadores y críticos han utilizado esta reflexion para apoyar la idea de que en las representaciones del mund antiguo de Alma-Tadema no vemos sino "victorianos con toga". Y es que , la percepcion de la antiguedad dice mucho sobre la época en la que se inscribe dicha percepción. Solo los impresionistas franceses, sus propios contemporáneos y máximos opositores, fueron capaces de salir de la encrucijada. Rosemary Barrow, 2004.