Don McLean - Vincent ( Starry, Starry Night) With Lyrics

MALBA - Polesello joven - Buenos Aires

            Una exposición antológica de Rogelio Polesello (Buenos Aires, 1939-2014), dedicada a sus obras históricas, pinturas y acrílicos producidos desde fines de los años 50 hasta mediados de los 70. La muestra reúne una selección de 120 piezas, pertenecientes a numerosas colecciones públicas y privadas del país y del exterior, como el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), el Museo del Banco de la República de Bogotá, el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y el Museo de Bahía Blanca (MBA-MAC), entre otras.

        La exposición busca saldar una deuda pendiente en el estudio del desarrollo artístico de Polesello, focalizándose en los años fundacionales de su trayectoria y en categorías aún poco estudiadas, como su adscripción a la tríada arte-diseño-industria y la experimentación con las múltiples relaciones entre artes plásticas, arquitectura, diseño, cine y moda. A un año de su fallecimiento, MALBA rinde homenaje y reconoce así a una figura central de la escena artística y cultural argentina del siglo XX.

        “El joven Polesello se insertó dentro del desarrollo de la abstracción geométrica y óptica argentina de un modo autónomo y original, con ampliaciones libres de esas categorías. Su obra se destacaba por su búsqueda de movimiento en lo estático, por los desafíos a la percepción a través de las oscilaciones entre figura y fondo, por las combinaciones de orden y aleatoriedad y por la audacia en la utilización del color, una marca de originalidad constante a lo largo de toda su producción”, destaca Mercedes Casanegra, curadora de la exposición.

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Tras los pasos de Van Gogh, en el 125 aniversario de su muerte

        Ciento veinticinco años después de que Vincent van Gogh muriera en Auvers-sur-Oise, a las afueras de París, a causa de las heridas de un disparo, el pintor sigue despertando una enorme fascinación en el público y continúa siendo una fuente de inspiración para generaciones de artistas. Es un filón inagotable. Les proponemos, siguiendo sus pasos, un recorrido que nos lleva de su Holanda natal a Francia, donde terminó prematuramente sus días el 29 de julio de 1890, a los 37 años. Un viaje que nos permitirá ver con nuevos ojos a este artista único, que malvivió pobre y enfermo, rodeado de sus fantasmas personales y sus obsesiones y que, paradojas del destino, es hoy uno de los nombres más cotizados del mercado del arte.

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Teatro San Martín: reabrió una sala histórica y recupera toda su capacidad - Buenos Aires

 

           El Teatro General San Martín recuperó a pleno su capacidad. Se reinaguró la Sala Casacuberta tras una refacción integral, tal como se había hecho con las salas Martín Coronado y Leopoldo Lugones. La Casacuberta es la última del complejo que se restauró y reanudó sus funciones  recientemente. El espacio es un anfiteatro de 35 metros por 6 para 550 espectadores con una notable cercanía al escenario. Así, los porteños pueden volver a disfrutar un espacio artístico emblemático de la ciudad.
           Las obras en la Casacuberta son parte de un plan integral de recuperación del San Martín que comenzó en 2011. El proyecto de restauración a fondo ya está avanzado en un 52%. Todas las instalaciones a la vista del público ya fueron recuperadas, salvo el hall central, el de cada sala y los sanitarios. Lo que falta de la obra es “para adentro”: desde las instalaciones de servicios hasta los camarines y otros espacios. El proyecto incluyó el arreglo de la fachada y la construcción de una sala de ensayos para el Ballet Contemporáneo. En todos los casos, se respetó el diseño original del edificio creado por los arquitectos Mario Roberto Alvarez y Macedonio Ruiz, que fuera inaugurado en 1960.
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Van Gogh, 125 años después

           Vincent van Gogh murió el 29 de julio de 1890. Dos días después de pegarse (o recibir, según una teoría reciente) un tiro en uno de los campos de trigo que tantas veces retrató. Pudo pintar gracias a que su hermano Theo le mantenía económicamente; solo vendió un cuadro en vida. Ahora sus obras alcanzan cifras millonarias y este año, que se cumplen 125 de su muerte, se suceden exposiciones y actividades conmemorativas que recuerdan qué ha significado para la historia del arte ese a quien se le dio a conocer como el loco de pelo rojo y que no pudo ser testigo de la admiración que provocaría su obra 
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Autorretratos frente al espejo: así son los selfies de algunos maestros de la fotografía

 Fotografía: Man Ray, Self-Portrait (1932). Smithsonian American Art Museum

      Las selfies se pusieron de moda por el uso de los smartphones, pero, en realidad, los autorretratos fotográficos no son nada nuevo. Muchos profesionales de la fotografía llevan décadas practicándolos, aunque con una diferencia importante con los selfies de hoy en día: no recurren a un «palo selfie» para conseguir la composición que buscan, sino a uno o varios espejos. 

      En este post presentamos algunos autorretratos realizados por grandes maestros de la fotografía, como Robert Doisneau, Stanley Kubrick, Nan Golding, Man Ray o Vivian Maier, entre muchos otros. Lo interesante es que todos ellos tienen algo en común: el uso del espejo como herramienta de composición. Algunos son relativamente modernos, pero otros se remontan a las décadas de los años 30 y 40 del siglo pasado.  Artículo completo

Fotografía: Vivian Maier, Untitled (1955)

Fotografía: Robert Doisneau, Self Portrait (1947)

Fotografía: Nan Goldin, Self-portrait in the mirror (1998)

Fotografía: Stanley Kubrick, Rosemary Williams showgirl with self portrait (1949). Museum of the City of New York

 

Poder y Pathos en el Museo Getty - Los Ángeles

           "Poder y Pathos" Escultura de Bronce del Periodo Helenístico' es la primera gran exposición internacional que reúne más de 50 bronces de la región del Mediterráneo, de los siglos IV a.c. al I d.c. en el Museo Getty.
           Durante la época helenística los artistas de alrededor del Mediterráneo crearon esculturas innovadoras y realistas, de gran poder físico e intensidad emocional. Fue el empleo del bronce -con su superficie reflectante, resistencia a la tracción, y su poder para expresar los detalles- lo que logró crear este deslumbrante despliegue de la representación de la forma humana.
           Las esculturas de bronce de gran escala están entre los supervivientes más apreciados de la antigüedad; su valioso metal fue típicamente derretido y reutilizado. Filas de pedestales vacíos todavía apreciables en muchos sitios arqueológicos son un testimonio de la ubicuidad pasada de estatuas de bronce en la época helenística. Irónicamente, muchos bronces conocidos hoy en día han logrado sobrevivir porque una vez fueron perdidos en el mar, siglos sólo para ser recuperados siglos más tarde.
           "Poder y Pathos: Escultura de bronce de la época helenística" es especialmente notable por reunir obras de arte que normalmente se exponen de forma aislada. Cuando se ve en próximas entre sí, la variedad de estilos y técnicas empleadas por los escultores antiguos se acentúa con mayor eficacia, al igual que las diferentes funciones e historias de las esculturas de bronce. El bronce, fundido en moldes, era un material muy adecuado para la reproducción, y la exposición ofrece una oportunidad sin precedentes para comparar objetos del mismo tipo, salidos incluso del mismo taller, juntos por primera vez. Por ejemplo, dos hermas de Dionysos -una del Museo Nacional del Bardo, Túnez, y otra del Getty, creadas en el mismo taller, no se han mostrado juntas desde la antigüedad.
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La casa está donde está el arte - Galería Hirschl & Adler - New York

 

Cuando los pintores eligen sus hogares como tema
        Lo doméstico como jardín sagrado, refugio, celda, cuartel y residencia es la idea de la exposición colectiva de pintura "Home is Where the Art Is" (El hogar es donde habita el arte). Reúne obras pintadas desde el siglo XVIII al XXI por artistas que consideraron su casa como materia digna de ser llevada a lienzo o papel y se celebra en la galería Hirschl & Adler de Nueva York.
          La exposición exhibe  desde las casas campestres idealizadas de los EE UU de finales del XIX hasta fiestas en apartamentos urbanos. Agrupa cincuenta visiones artísticas variadas del hogar como refugio íntimo, lugar de reunión social y, sobre todo, como estado de ánimo. Se presentan  óleos, dibujos, grabados y acuarelas que ofrecen una "visión de la intimidad de la vida familiar" capturada en retratos, bodegones y escenas que exploran los diversos roles de la casa. Están representados el romántico Alfred Thompson Bricher, el 'outsider' Edward Deeds y el sensualista Fairfield Porter, entre otros.

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Yoko Ono: "One woman show” en el MOMA New York

            El Museo de Arte Moderno presenta su primera exposición dedicada exclusivamente a la obra de Yoko Ono, tomando como punto de partida su exposicion debut en el MoMA  a finales de 1971. Ahora, más de 40 años después, Yoko Ono: "One woman show”,  1960-1971 reúne  aproximadamente 125 de objetos, obras sobre papel, instalaciones, performances, grabaciones de audio y películas y  materiales de archivo.
             Yoko Ono, desde los primeros años de su extensa carrera, se movíó entre Nueva York, Tokio y Londres, ciudades que  tuvieron un importante papel innovador en el desarrollo internacional del arte conceptual, el cine experimental  y el arte del performance.
            En esta exposicion que ofrece el MoMA presenta un catálogo completamente ilustrado, con tres ensayos que evalúan el contexto cultural de los primeros años de Ono, y cinco secciones que reflejan el trabajo durante este período y la evolución y desarrollo de su práctica artística. Cada capítulo incluye una introducción de un especialista invitado, las descripciones de las obras de arte, documentos primarios extraídos de periódicos y revistas, y una selección de la obra de sus textos y dibujos.
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Caprichos de Dalí-Goya en el Centro Cultural Español (CCE) de Miami

         La muestra 'Caprichos de Dalí-Goya', compuesta por 40 grabados, se inaugurará el próximo 10 de septiembre en el Centro Cultural Español (CCE) de Miami, una exposición que invita al público a "descubrir con inteligencia y humor" a los dos grandes maestros.
          La exposición de cuarenta grabados, 17 de Goya y 23 de Dalí, recorre los trabajos que plasmó Salvador Dalí (1904-1989) inspirado por la serie de grabados 'Los Caprichos', de Francisco de Goya (1746-1828).
              Dalí muestra a través de esta obra su visión de un "arte total, coherente con el ideario de Goya, marcado por el carácter pragmático e ilustrado que concilia los saberes procedentes de la tradición barroca, el mundo clásico y el enciclopedismo francés", destacó el Centro Cultural Español en un comunicado.La exposición gira en torno a tres fechas: 1797, año en que Goya data los 'Sueños'; 1799, fecha en la que se editan por primera vez los 'Caprichos', y 1973, año en que Dalí comenzó la tarea de trabajar directamente sobre la obra del pintor aragonés.

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Basquiat: Ahora es el momento - Museo Guggenheim - Bilbao

     

       Jean - Michel Basquiat fue uno de los artistas más revolucionarios de la década de los ochenta. Nació y creció en Brooklyn, Nueva York, y desde niño destacó por sus habilidades intelectuales y artísticas, que su madre fomentó.

       La fama de Basquiat fue creciendo a medida que realizaba exposiciones en Norteamerica y Europa; en poco tiempo se convirtió en un artista prolífico y un personaje mediático del ámbito cultural. Cuando recibía a alguien en su casa o en su estudio, utilizaba las ideas que surgían a su

alrededor como inspiración: pintaba al tiempo que charlaba, escuchaba música o veía televisión con sus invitados.

       Basquiat abrió nuevos caminos en el arte contemporáneo. Su innovadora perspectiva artística sigue inspirando a artistas de nuestros días y plantea cuestiones que aún hoy son relevantes. En una misma pintura, Basquiat podía hacer referencia a numerosas ideas, a través de símbolos,imágenes o textos, que a veces guardaban relación entre sí y otras, no. Trasladaba el contexto en el que vivía el lienzo sin narrativas definidas, anticipando la era de internet e invitando al espectador a reflexionar de manera  critica sobre el mundo circundante.

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FAN : Nora Lezano es rock - Centro Cultural Recoleta -Buenos Aires

Nota en Fuera de Agenda

          Un inodoro en un baño mugriento y una invitación escrita en la tapa: Bésame… es rock. Charly García, acostado en un sofá blanco con pantys negras de mujer, rotas, o sobre la mugre de su cama y 

con sus piernas cruzadas… es rock. Alguien volando sobre el escenario mientras hace un riff en la guitarra o trasladado horizontal en medio del público por manos anónimas… es rock.
            Nora Lezano es rock. Su muestra FAN con más de 300 fotografías en el Centro Cultural Recoleta, lo confirman. Ella lo explica también cuando dice: Yo no elegí la fotografía, yo elegí el rock. Siempre fue así, la fotografía era una excusa para estar cerca de toda esa gente que me movilizaba tanto. Esa es la verdad. De fotografía, nada. Hice un curso, después un taller, pero no me importaba nada.

La poesía y el color de Joan Miró llegan a Colombia

      

             En el Centro Cultural Gabriel García Márquez, estará abierta al público la exposición Miró: pintor, poeta del 9 de julio al 23 de agosto de 2015. La muestra forma parte de las colecciones de arte de la Fundación Universitaria Iberoamericana (FUNIBER) y está compuesta por dos series de obras gráficas de Joan Miró: El Cántico del Sol y Las Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró. En total serán 52 piezas.
             El Cántico del sol está conformada por treinta y dos aguafuertes y aguatintas en color, editadas en 1975, para ilustrar una selección de textos de san Francisco de Asís, escogidos por el poeta catalán Marià Manent.
             La segunda serie, Las Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró, está compuesta por un conjunto de veinte litografías, editadas en un libro-carpeta con poemas de Rafael Alberti, en 1975.
            En la serie El Cántico del sol, Miró, uno de los máximos representantes del surrealismo, plasma su devoción por la naturaleza, los paisajes y los animales.
            En Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró, los versos de los poemas de Rafael Alberti se inspiran en la vida de Miró y de su compañera Pilar.

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Salta - El Tren a las Nubes recibió la distinción de Marca País Argentina

 

          En una ceremonia que se desarrolló en la estación de trenes de San Antonio de los Cobres, en el departamento Los Andes, en plena puna salteña, el Tren a las Nubes recibió la distinción Marca País Argentina. Allí, turistas de distintas provincias argentinas y también extranjeros celebraron la distinción que recibió el tren, y participaron además del comienzo formal de la temporada de turismo invernal en Salta.
        La entrega de la distinción estuvo a cargo de Agustín Díaz Vega, que es el coordinador ejecutivo de la Marca País del Ministerio de Turismo de la Nación, quien destacó las características del Tren, el paisaje y las increíbles bellezas que muestra en todo su recorrido. Por otra parte, el ministro de Turismo y Cultura salteño, Mariano Ovejero se refirió al gran trabajo realizado desde la provincia y en conjunto con los municipios, para la elaboración de un importante calendario de actividades que podrán disfrutas tanto turistas como salteños.
         La Marca País Argentina consiste en un plan rector según el cual el país coordina sus factores

diferenciales para posicionarse con éxito en los mercados del mundo, fomentando el crecimiento del turismo y las inversiones, difundiendo eficientemente sus mejores atributos relacionados con la cultura, las tradiciones, la ciencia y el deporte.

Entre los nuevos servicios que brinda el tren se destaca el coche comedor totalmente renovado, como así también el coche bar y la sala de primeros auxilios, donde un equipo compuesto por un médico y tres enfermeros asiste a quienes lo requieran.

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National Portrait Gallery Audrey Hepburn: Retratos de un icono.

 

             La National Portrait Gallery de Londres exhibe una muestra fotográfica de Audrey Hepburn, ángel de Hollywood y efigie de la elegancia. Como homenaje a la actriz, se exhiben imágenes desconocidas hasta ahora, descubriendo el lado más humano de la estrella
           La belleza serena de Audrey Hepburn y su infinita elegancia son imposibles de olvidar. Las cámaras cinematográficas se enamoraron de su candidez y autenticidad y las instantáneas que protagonizó han fomentado la leyenda de la actriz. Icono de moda, símbolo del cine de una época y mujer muy comprometida con la solidaridad, su figura vuelve a estar de actualidad veinte años después de su fallecimiento con la muestra Audrey Hepburn: Retratos de un icono. La National Portrait Gallery londinense acoge algunas de las imágenes menos conocidas de la popular actriz, como vestigio de la familiaridad del mito detrás de la pantalla. No obstante, algunas de ellas son inevitablemente famosas, pues su imagen se ha convertido en una de las más reproducidas y legendarias de la historia de la moda y el cine.
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