Un día como hoy, nacía en Albi, Francia, el reconocido pintor posimpresionista, litógrafo e ilustrador Henri de Toulouse-Lautrec. Fue famoso por pintar la vida urbana Parisina de finales del siglo XIX. Influido por las estampas japonesas construyó un nuevo estilo con las características líneas de contorno y manchas de colores planimétricas. Lautrec retrató con frecuencia escenas de burdeles y cabarets, como el Moulin Rouge, donde tenía un asiento reservado después de producir una serie de carteles publicitando la apertura del club en 1888. Recibió influencia de sus contemporáneos franceses Edgar Degas y Édouard Manet, y compartió con ellos un gran interés por la observación de la cultura social. Además es considerado uno de los precursores del diseño gráfico. Falleció en Saint-André-du-Bois,el 9 de septiembre de 1901.
martes, 24 de noviembre de 2015
miércoles, 18 de noviembre de 2015
Un día como hoy, 18 de noviembre, fallecía en Paris Man Ray
Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18 de noviembre de 1976) fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París. Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos.
martes, 17 de noviembre de 2015
Madrid - Museo Thyssen Bornemisza - Picasso y el cubismo en la Colección de Arte ABANCA
El Museo presenta una selección de doce obras de la colección ABANCA. Con el título Picasso y el cubismo, la muestra reúne un conjunto de cinco piezas del maestro malagueño, además de otras tres de los pintores que, junto a él, formaron el núcleo central del cubismo: Braque, Juan Gris y Léger. La selección se completa con dos pinturas de Metzinger y María Blanchard, también pertenecientes al movimiento francés, un lienzo de Manuel Ángeles Ortiz y una escultura de Julio González.
La exposición abarca un arco cronológico que se extiende desde 1895 hasta 1963. Comienza con una escena popular y una caricatura pintadas por un jovencísimo Picasso en 1895, así como un dibujo realizado en París en 1901 –ciudad a la que el pintor se había traslado ese mismo año para exponer en la Galería Vollard-, continúa con una selección de obras cubistas de las décadas de 1910 a 1930, entre las que destacan Composición cubista con botellas (c.1918) de María Blanchard,Paquete de tabaco y vaso (1922) de Picasso, La uva negra (1923) de Juan Gris o Vaso y uvas(1930) de Braque, para terminar con un lienzo de la serie “El pintor y su modelo” (1963-1965), en la que Picasso reflexiona sobre el proceso creativo en sí mismo.
Creada a partir del interés por conservar y divulgar obras de artistas gallegos, la Colección de Arte ABANCA fue ampliándose con la compra de piezas de ámbito español e internacional. Así, hoy cuenta con 1.348 obras de 239 artistas, entre los que se encuentran figuras del renombre de Picasso, Braque, Léger, Miró, Dalí, Tàpies, Chillida o Barceló, entre otros.
Fuente y Visita virtual
La exposición abarca un arco cronológico que se extiende desde 1895 hasta 1963. Comienza con una escena popular y una caricatura pintadas por un jovencísimo Picasso en 1895, así como un dibujo realizado en París en 1901 –ciudad a la que el pintor se había traslado ese mismo año para exponer en la Galería Vollard-, continúa con una selección de obras cubistas de las décadas de 1910 a 1930, entre las que destacan Composición cubista con botellas (c.1918) de María Blanchard,Paquete de tabaco y vaso (1922) de Picasso, La uva negra (1923) de Juan Gris o Vaso y uvas(1930) de Braque, para terminar con un lienzo de la serie “El pintor y su modelo” (1963-1965), en la que Picasso reflexiona sobre el proceso creativo en sí mismo.
Creada a partir del interés por conservar y divulgar obras de artistas gallegos, la Colección de Arte ABANCA fue ampliándose con la compra de piezas de ámbito español e internacional. Así, hoy cuenta con 1.348 obras de 239 artistas, entre los que se encuentran figuras del renombre de Picasso, Braque, Léger, Miró, Dalí, Tàpies, Chillida o Barceló, entre otros.
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lunes, 16 de noviembre de 2015
Francia - Claude Monet, homenaje al instante y la luz
Pintor del agua y de lo efímero, maestro del color, Claude Monet liberó la pintura de convencionalismos y rigideces academicistas con su deseo de plasmar el instante, la atmósfera y la interacción de la luz y las formas. Recordamos al impresionista por excelencia
Monet cumpliría el 14 de noviembre 176 años. Aprovechamos el aniversario para recordar al impresionista por excelencia y precursor de la pintura abstracta. El francés nunca se apartó del impresionismo, movimiento al que, sin pretenderlo, cedió el nombre de una de las obras: Impresión. Sol naciente que mostró en la exposición del 15 de abril de 1874 (la primera impresionista) en el estudio del fotógrafo Nadar. El crítico Louis Leroy hizo suyo el término impresionismo en una demoledora crítica y de esta forma dio nombre a un movimiento que revolucionaría la pintura.La intención de Claude Monet (París, 1840-Giverny. 1926) era plasmar la experiencia, por eso se apoyó en una pincelada muy libre y abrió su paleta a un nuevo colorido convirtiéndose en uno de los grandes maestros del color de la vida moderna. Francisco J. R. Chaparro, en un artículo publicado en Descubrir el Arte 178, defiende con claridad su trascendencia: “El decurso del arte no habría sido el mismo sin él. Reivindica por primera vez –y por encima del resto de impresionistas– la fluidez del tiempo, así como la idea de repetición y, sobre todo, la percepción ‘retiniana’ de la luz y sus reflejos”.
Monet cumpliría el 14 de noviembre 176 años. Aprovechamos el aniversario para recordar al impresionista por excelencia y precursor de la pintura abstracta. El francés nunca se apartó del impresionismo, movimiento al que, sin pretenderlo, cedió el nombre de una de las obras: Impresión. Sol naciente que mostró en la exposición del 15 de abril de 1874 (la primera impresionista) en el estudio del fotógrafo Nadar. El crítico Louis Leroy hizo suyo el término impresionismo en una demoledora crítica y de esta forma dio nombre a un movimiento que revolucionaría la pintura.La intención de Claude Monet (París, 1840-Giverny. 1926) era plasmar la experiencia, por eso se apoyó en una pincelada muy libre y abrió su paleta a un nuevo colorido convirtiéndose en uno de los grandes maestros del color de la vida moderna. Francisco J. R. Chaparro, en un artículo publicado en Descubrir el Arte 178, defiende con claridad su trascendencia: “El decurso del arte no habría sido el mismo sin él. Reivindica por primera vez –y por encima del resto de impresionistas– la fluidez del tiempo, así como la idea de repetición y, sobre todo, la percepción ‘retiniana’ de la luz y sus reflejos”.
sábado, 14 de noviembre de 2015
Rijkmuseum - Amsterdam - Un flashmob recrea "La Ronda nocturna" de Rembrandt
Un vistoso
flashmob que recrea la obra maestra de Rembrandt, "La Ronda nocturna" fue organizado en un shopping de la capital holandesa con el fin de promocionar la reapertura del Museo Nacional de
Ámsterdam, después de una década de reformas.
Ante la sorpresa de las personas que compraban y paseaban por el recinto, a modo de representación teatral, los actores recrearon una escena del siglo XVII en la que la policía persigue a un ladrón por las calles, para finalmente acabar el espectáculo con la composición más "realista" que la obra ha tenido hasta ahora.
"La Ronda Nocturna" fue pintada por el artista holandés entre 1640 y 1642 y es una de la joyas de la exposición permanente del Museo Nacional de Ámsterdam, también conocido como Rijksmuseum.
La pintura, terminada en 1642, representa el capitán Frans Banning Cocq y su lugarteniente, Willem Van Ruytenburch, junto a la Compañía que protege el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses.
En una recreación estilo épico del siglo XVII, treinta caballeros vestidos como miembros de la Compañía de disparo de Cocq inundaron el piso del centro comercial sorperendiendo a los presentes. ¡Vale la pena volver a verlo!
"La Ronda Nocturna" fue pintada por el artista holandés entre 1640 y 1642 y es una de la joyas de la exposición permanente del Museo Nacional de Ámsterdam, también conocido como Rijksmuseum.
La pintura, terminada en 1642, representa el capitán Frans Banning Cocq y su lugarteniente, Willem Van Ruytenburch, junto a la Compañía que protege el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses.
En una recreación estilo épico del siglo XVII, treinta caballeros vestidos como miembros de la Compañía de disparo de Cocq inundaron el piso del centro comercial sorperendiendo a los presentes. ¡Vale la pena volver a verlo!
viernes, 13 de noviembre de 2015
Viena - Pabellon de la Secesión - La sensualidad real de las obras de Gustav Klimt
El edificio de la Secesión, lugar fundamental para el
movimiento de Klimt, realizó este años una colecta de fondos para apoyar al SIDA y
el VIH, y entre las actividades se encontró una sesión fotográfica de
Inge Prader, en la que como homenaje a las obras del pintor, les dio
vida e imaginó la mezcla perfecta de modelos y colores para lograr un
absoluto realismo.
El pintor es uno de los personajes más importantes de la Secesión de Viena. Con Oskar Kokoschka y Koloman Moser, realizó obras con elementos de Art Nouveau y Art Decó para crear una de las vanguardias más vistosas y luminosas de todos los tiempos. La Secesión buscaba la ruptura de los estilos anteriores con base en la inspiración en elementos naturales como piedras preciosas, flora, fauna y sobre todo, formas redondeadas. Según estos artistas no debían existir líneas rectas en sus cuadros porque en la naturaleza no los encontramos; nada es totalmente simétrico y perfecto.
Prader les da un nuevo respiro a sus imágenes y transgrede disciplinas mezclando la fotografía, la pintura y el diseño, con un esfuerzo por preservar la pintura, la oscuridad y la decadencia de la obra de Klimt.
La fotógrafa logró lo que por muchos años buscó la pintura: la imagen en tercera dimensión; admirar la totalidad del lienzo y no sólo la superficie plana del cuadro. Inge Prader tuvo la maestría de recrear la obra de Klimt de manera espectacular gracias al maquillaje y la ropa perfecta para la ocasión.
Inge Prader es una fotógrafa vienesa de moda que ha participado en múltiples trabajos fotográficos al lado de Madonna, y ha trabajado para Visa, Henkel, Financial Times y otras decenas de empresas austriacas. Tiene una gran trayectoria y reconocimiento mundial.
Las mujeres fatales y la sensualidad desbordante traspasan el lienzo de Gustav Klimt y se convierte en parte de la vida real, de lo tangible y el ya nada imaginario dorado eterno que englobaron sus obras hace más de un siglo. Klimt tuvo su inspiración en el desnudo femenino, que cubierto de oro y piedras preciosas, lo convirtieron en uno de los artistas de la secesión más populares.
Durante su fase dorada, de 1899 a 1910, Klimt tuvo el éxito que la riqueza y abundancia de sus pinturas parecía pronosticar. Su estilo se convirtió en un ícono de Viena, sus pinturas un recuerdo de que no todo en exceso se ve mal. Su famosa pintura El beso y el Portarretrato de Adele fueron hechas en este periodo.
Mas informacion y fotos
El pintor es uno de los personajes más importantes de la Secesión de Viena. Con Oskar Kokoschka y Koloman Moser, realizó obras con elementos de Art Nouveau y Art Decó para crear una de las vanguardias más vistosas y luminosas de todos los tiempos. La Secesión buscaba la ruptura de los estilos anteriores con base en la inspiración en elementos naturales como piedras preciosas, flora, fauna y sobre todo, formas redondeadas. Según estos artistas no debían existir líneas rectas en sus cuadros porque en la naturaleza no los encontramos; nada es totalmente simétrico y perfecto.
Prader les da un nuevo respiro a sus imágenes y transgrede disciplinas mezclando la fotografía, la pintura y el diseño, con un esfuerzo por preservar la pintura, la oscuridad y la decadencia de la obra de Klimt.
La fotógrafa logró lo que por muchos años buscó la pintura: la imagen en tercera dimensión; admirar la totalidad del lienzo y no sólo la superficie plana del cuadro. Inge Prader tuvo la maestría de recrear la obra de Klimt de manera espectacular gracias al maquillaje y la ropa perfecta para la ocasión.
Inge Prader es una fotógrafa vienesa de moda que ha participado en múltiples trabajos fotográficos al lado de Madonna, y ha trabajado para Visa, Henkel, Financial Times y otras decenas de empresas austriacas. Tiene una gran trayectoria y reconocimiento mundial.
Las mujeres fatales y la sensualidad desbordante traspasan el lienzo de Gustav Klimt y se convierte en parte de la vida real, de lo tangible y el ya nada imaginario dorado eterno que englobaron sus obras hace más de un siglo. Klimt tuvo su inspiración en el desnudo femenino, que cubierto de oro y piedras preciosas, lo convirtieron en uno de los artistas de la secesión más populares.
Durante su fase dorada, de 1899 a 1910, Klimt tuvo el éxito que la riqueza y abundancia de sus pinturas parecía pronosticar. Su estilo se convirtió en un ícono de Viena, sus pinturas un recuerdo de que no todo en exceso se ve mal. Su famosa pintura El beso y el Portarretrato de Adele fueron hechas en este periodo.
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jueves, 12 de noviembre de 2015
Buenos Aires- La Abadía, Centro de Artes y Estudios Latinoamericanos
Desde octubre quedó inaugurado el nuevo centro cultural “La Abadía, Centro de Artes y Estudios Latinoamericanos”, gracias a la recuperación que se llevó adelante sobre el histórico monasterio Abadía de San Benito, ubicado en el barrio porteño de Palermo.
El terreno ocupa 5.000 m2 sobre la barranca de Gorostiaga y Luis María Campos. Su edificación fue realizada en 1929, destinada al retiro de monjes benedictinos, que luego se mudaron a Lujan dejando vacío el lugar. La construcción fue durante un tiempo sede de Casa FOA, para que luego del proceso de recuperación, quede lista para su nueva apertura.
“Hubo que refuncionalizar el edificio, pero con intervenciones mínimas para que no olvidemos que era un monasterio”, contó a Guillermo Alonso, director de Relaciones Públicas de La Abadía.
Las obras constaron de la recuperación los pisos de pinotea y los techos abovedados. Además se rehicieron tanto la instalación eléctrica, como también la iluminación.
Uno de los desafíos de los restauradores, fue la de mantener el clima monástico del edificio, pese a su transformación. En el refectorio del ex monasterio, por ejemplo, se instaló el auditorio que, junto a la biblioteca monseñor Eugenio Guasta, serán sede del Centro de Estudios Latinoamericanos.
“Tierra de encuentros, cielos y colores. Arte de Sudamérica hoy y ayer” es la primera muestra exhibida, en donde se pueden encontrar piezas de platería mapuche, del Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti y máscaras del Perú.
Más información
El terreno ocupa 5.000 m2 sobre la barranca de Gorostiaga y Luis María Campos. Su edificación fue realizada en 1929, destinada al retiro de monjes benedictinos, que luego se mudaron a Lujan dejando vacío el lugar. La construcción fue durante un tiempo sede de Casa FOA, para que luego del proceso de recuperación, quede lista para su nueva apertura.
“Hubo que refuncionalizar el edificio, pero con intervenciones mínimas para que no olvidemos que era un monasterio”, contó a Guillermo Alonso, director de Relaciones Públicas de La Abadía.
Las obras constaron de la recuperación los pisos de pinotea y los techos abovedados. Además se rehicieron tanto la instalación eléctrica, como también la iluminación.
Uno de los desafíos de los restauradores, fue la de mantener el clima monástico del edificio, pese a su transformación. En el refectorio del ex monasterio, por ejemplo, se instaló el auditorio que, junto a la biblioteca monseñor Eugenio Guasta, serán sede del Centro de Estudios Latinoamericanos.
“Tierra de encuentros, cielos y colores. Arte de Sudamérica hoy y ayer” es la primera muestra exhibida, en donde se pueden encontrar piezas de platería mapuche, del Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti y máscaras del Perú.
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lunes, 9 de noviembre de 2015
Avellaneda -Buenos Aires - El Centro Municipal de Arte de Avellaneda se pone en marcha
La antigua Casa de la Cultura de Avellaneda donde antes funcionaban talleres de arte, fue remodelada bajo el nombre de Centro Municipal de Arte, como una gran galería cultural de dos pisos que alberga salas de ensayo, de grabacion y seis espacios identificados por colores y destinados a exposiciones de arte.
Gigantescas esculturas móviles, otras realizadas con materiales no convencionales, murales y fotografías de la ciudad a principios de siglo son algunas de las propuestas que sorprenden a los más de 200 visitantes que a diario visitan el edificio de Alsina y San Martín, en pleno centro de esa localidad bonaerense.
Fotogramas en blanco y negro de calles renovadas, algunos edificios olvidados y otros demolidos donde hoy se encuentran modernas construcciones son algunas de las imágenes montadas en la sala Violeta.
Este paseo interior por Avellaneda se completa en la Sala Roja en marco de la exhibición "Colores Maestros-Pintores Argentinos del Siglo XX", que despliega obras de artistas como Benito Quinquela Martí¬n, Raúl Soldi, Juan Vaidaillac, José Arcidiácono, José Luis Menghi, Fernando Pascual Ayllón y Germán Leonetti.
sábado, 7 de noviembre de 2015
New York - MoMA - Retrospectiva del artista uruguayo Joaquín Torres-García
El MoMA presenta la gran retrospectiva de Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874 -1949) que cuenta con obras que van desde finales del siglo XIX hasta la década de 1940, incluidos los dibujos, pinturas, objetos, esculturas y cuadernos originales del artista y otras publicaciones. La exposición combina una presentación cronológica con un enfoque temático, estructurado en una serie de importantes capítulos de la carrera del artista, con énfasis en dos momentos clave: el período 1923-1933, cuando Torres-García participó en varios movimientos europes de vanguardia, mientras establecia su propio estilo constructivista; y 1935 a 1943, cuando, después de haber vuelto a Uruguay, produjo uno de los repertorios más llamativos de la abstracción sintética.
Torres-García es uno de los artistas más complejos e importantes de la primera mitad del siglo XX, y su obra abrió caminos de transformación para el arte moderno en ambos lados del Atlántico. Su implicación personal en un número significativo de movimientos -desde el Novecentismo Catalán al Cubismo, Ultraísmo, Vibracionismo, y Neo Plasticismo, hicieron de él, una incomparable figura sin precedentes, madura para nueva evaluación crítica en los EE.UU.
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viernes, 30 de octubre de 2015
El talismán - Paul Serusier
| El talismán - Paul Serusier |
Con esta definición desemboca el arte abstracto. Relativiza el tema convirtiéndolo en algo secundario y prescindible porque dice que lo que importa es trabajar con los recursos específicamente pictóricos, con los colores y el plano en este caso. Es el germen de la pintura del siglo XX.
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viernes, 23 de octubre de 2015
Buenos Aires - Nace FOLA, la fototeca latinoamericana dedicada a la fotografía
Una coleccion de 250 fotografías de arte latinoamericano de los ultimos quince años conforman el acervo de la naciente Fototeca Latinoamericana, se inauguró recientemente un espacio inédito para esta disciplina con tres exposiciones temporales.
"Fola es el primer museo en América latina dedicado exclusivamente a la fotografía latinoamericana contemporánea. Queremos que sea la casa de los fotógrafos, que sea referente latinoamericano en la disciplina", cuenta a la agencia Télam Gastón Deleau, director del flamante espacio y apasionado de la fotografía, sobre su primer proyecto en solitario luego de haber catapultado desde Arte al Día grandes eventos como Gallery Nights, Buenos Aires Photo, Impact Art y la Semana del Arte.
jueves, 22 de octubre de 2015
Madrid - Centro Centro Cibeles: Kandinsky la matemática de la emoción
La lógica de Kandinsky, alguien que en Múnich, Moscú o París conmocionó el mundo del arte aplicando criterios objetivos para suscitar las más profundas emociones, queda enmarcada para la posteridad en la exposición que sobre la trayectoria del artista y profesor franco-ruso-alemán albergan las salas del Centro Centro Cibeles de Madrid.
El centenar de obras –óleos, tintas, gouaches, grabados…- procedentes del Fondo Kandinsky del Museo Nacional de Arte Moderno-Centro Pompidou de París se despliega en cinco grandes salas sobre la base de una sobria escenografía de fondos blancos, azules y negros. Los paisajes posimpresionistas primero, las frías geometrías después, y los inquietantes elementos zoomórficos por fin, asaltan y desasosiegan al visitante que se preste al juego, en lo que supone la mayor exposición celebrada en España sobre uno de los grandes tótems de la abstracción y, por elevación, de la Historia del arte. Kandinsky. Una retrospectiva, que antes pasó por Milán, Milwaukee y Nashville, es un verdadero acontecimiento en la temporada de exposiciones. España tardó algo más de lo conveniente -1978, en la Fundación Juan March- en dar a conocer al maestro de la abstracción.
El viaje propuesto por la curadora Angela Lampe, responsable de las colecciones modernas del Centro Pompidou, es escrupulosamente cronológico y abarca lo que podríamos llamar el todo Kandinsky: Múnich (1896-1914), Moscú (1914-1921), los años de la Bauhaus (1921-1933) y París (1933-1944, año de su muerte). Es la vida de un hombre de lejanías, siempre dispuesto, llegado el momento, a marcharse como llegó, aferrado a la única patria para él posible, el arte, alérgico cual pelo de gato al dogma artístico y político y a cualquier atisbo nacionalista.
El centenar de obras –óleos, tintas, gouaches, grabados…- procedentes del Fondo Kandinsky del Museo Nacional de Arte Moderno-Centro Pompidou de París se despliega en cinco grandes salas sobre la base de una sobria escenografía de fondos blancos, azules y negros. Los paisajes posimpresionistas primero, las frías geometrías después, y los inquietantes elementos zoomórficos por fin, asaltan y desasosiegan al visitante que se preste al juego, en lo que supone la mayor exposición celebrada en España sobre uno de los grandes tótems de la abstracción y, por elevación, de la Historia del arte. Kandinsky. Una retrospectiva, que antes pasó por Milán, Milwaukee y Nashville, es un verdadero acontecimiento en la temporada de exposiciones. España tardó algo más de lo conveniente -1978, en la Fundación Juan March- en dar a conocer al maestro de la abstracción.
El viaje propuesto por la curadora Angela Lampe, responsable de las colecciones modernas del Centro Pompidou, es escrupulosamente cronológico y abarca lo que podríamos llamar el todo Kandinsky: Múnich (1896-1914), Moscú (1914-1921), los años de la Bauhaus (1921-1933) y París (1933-1944, año de su muerte). Es la vida de un hombre de lejanías, siempre dispuesto, llegado el momento, a marcharse como llegó, aferrado a la única patria para él posible, el arte, alérgico cual pelo de gato al dogma artístico y político y a cualquier atisbo nacionalista.
miércoles, 21 de octubre de 2015
Las estatuas más impactantes de San Petersburgo
Las estatuas de San Petersburgo han sido testigos mudos de la fascinante historia de la Venecia del Norte.
San Petersburgo es el escenario de numerosos eventos históricos de gran relevancia. Se hizo historia en las mismas calles donde hoy paramos a tomar un café o salimos a dar un paseo nocturno. Nadie se acuerda ya de los tiempos de Pedro el Grande, la revolución rusa o la familia imperial, y pocos pueden recordar el sitio de Leningrado durante la Segunda Guerra Mundial.
Pero la ciudad alberga sus propios testigos, las estatuas de piedra que coronan edificios, catedrales, puentes y calles. Su visión de los acontecimientos es única.
San Petersburgo es el escenario de numerosos eventos históricos de gran relevancia. Se hizo historia en las mismas calles donde hoy paramos a tomar un café o salimos a dar un paseo nocturno. Nadie se acuerda ya de los tiempos de Pedro el Grande, la revolución rusa o la familia imperial, y pocos pueden recordar el sitio de Leningrado durante la Segunda Guerra Mundial.
Pero la ciudad alberga sus propios testigos, las estatuas de piedra que coronan edificios, catedrales, puentes y calles. Su visión de los acontecimientos es única.
martes, 20 de octubre de 2015
Madrid - Fundación Juan March: Retrospectiva del artista suizo Max Bill fundador de la "Nueva Bauhaus"
La Fundación Juan March presenta la primera "retrospectiva concentrada" del artista suizo Max Bill en España. La exposición recoge 170 piezas que recorren transversalmente diversas disciplinas: pintura, escultura, arquitectura, diseño de libros, diseño industrial y de mobiliario, y grafismo publicitario. "Es un artista extremadamente plural. Sería incompleto centrarse sólo en su obra de 'formato clásico'. En esta exposición también se pueden encontrar manifestaciones del genio creador del artista en otras disciplinas", ha explicado durante la presentación Javier Goma, director de la Fundación.
Las piezas de la exposición han sido cedidas por Jakob Bill, hijo del artista y administrador de su legado, y por colecciones e instituciones públicas y privadas, europeas y americanas, como el Museo de Harvard. Hasta el momento, la obra de este artista suizo ha podido verse en España como parte de exposiciones colectivas y en la muestra individual que le fue dedicada en el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid y la Fundació Joan Miró de Barcelona en 1980.
Las piezas de la exposición han sido cedidas por Jakob Bill, hijo del artista y administrador de su legado, y por colecciones e instituciones públicas y privadas, europeas y americanas, como el Museo de Harvard. Hasta el momento, la obra de este artista suizo ha podido verse en España como parte de exposiciones colectivas y en la muestra individual que le fue dedicada en el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid y la Fundació Joan Miró de Barcelona en 1980.
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lunes, 19 de octubre de 2015
Colombia - Cali - Segunda Bienal Internacional de Danzas
Durante nueve días, Cali será escenario de las mejores compañías de danza a nivel nacional e internacional, que será la posibilidad de demostrar el talento y las nuevas tendencias de la danza contemporánea
frente otros países. Esta disciplina logrará convocar a diversas asociaciones de danza del país las cuales mostrarán sobre distintos escenarios, la contemporaneidad, tradiciones culturales y encuentros que pretenden crear una marca para la valoración de la danza en la ciudad.
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