Viena - Pabellon de la Secesión - La sensualidad real de las obras de Gustav Klimt

    

      El edificio de la Secesión, lugar fundamental para el movimiento de Klimt, realizó este años una colecta de fondos para apoyar al SIDA y el VIH, y entre las actividades se encontró una sesión fotográfica de Inge Prader, en la que como homenaje a las obras del pintor, les dio vida e imaginó la mezcla perfecta de modelos y colores para lograr un absoluto realismo.
       El pintor es uno de los personajes más importantes de la Secesión de Viena. Con Oskar Kokoschka y Koloman Moser, realizó obras con elementos de Art Nouveau y Art Decó para crear una de las vanguardias más vistosas y luminosas de todos los tiempos. La Secesión buscaba la ruptura de los estilos anteriores con base en la inspiración en elementos naturales como piedras preciosas, flora, fauna y sobre todo, formas redondeadas. Según estos artistas no debían existir líneas rectas en sus cuadros porque en la naturaleza no los encontramos; nada es totalmente simétrico y perfecto.

     Prader les da un nuevo respiro a sus imágenes y transgrede disciplinas mezclando la fotografía, la pintura y el diseño, con un esfuerzo por preservar la pintura, la oscuridad y la decadencia de la obra de Klimt.
     La fotógrafa logró lo que por muchos años buscó la pintura: la imagen en tercera dimensión; admirar la totalidad del lienzo y no sólo la  superficie plana del cuadro. Inge Prader tuvo la maestría de recrear la obra de Klimt de manera espectacular gracias al maquillaje y la ropa perfecta para la ocasión.
    Inge Prader es una fotógrafa vienesa de moda que ha participado en múltiples trabajos fotográficos al lado de Madonna, y ha trabajado para Visa, Henkel, Financial Times y otras decenas de empresas austriacas. Tiene una gran trayectoria y reconocimiento mundial.

     Las mujeres fatales y la sensualidad desbordante traspasan el lienzo de Gustav Klimt y se convierte en parte de la vida real, de lo tangible y el ya nada imaginario dorado eterno que englobaron sus obras hace más de un siglo. Klimt tuvo su inspiración en el desnudo femenino, que cubierto de oro y piedras preciosas, lo convirtieron en uno de los artistas de la secesión más populares.
     Durante su fase dorada, de 1899 a 1910, Klimt tuvo el éxito que la riqueza y abundancia de sus pinturas parecía pronosticar. Su estilo se convirtió en un ícono de Viena, sus pinturas un recuerdo de que no todo en exceso se ve mal. Su famosa pintura El beso y el Portarretrato de Adele fueron hechas en este periodo.
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Buenos Aires- La Abadía, Centro de Artes y Estudios Latinoamericanos

 

        Desde octubre quedó  inaugurado el nuevo centro cultural “La Abadía, Centro de Artes y Estudios Latinoamericanos”, gracias a la recuperación que se llevó adelante sobre el histórico monasterio Abadía de San Benito, ubicado en el barrio porteño de Palermo.
        El terreno ocupa 5.000 m2 sobre la barranca de Gorostiaga y Luis María Campos. Su edificación fue realizada en  1929, destinada al retiro de monjes benedictinos, que luego se mudaron a Lujan dejando vacío el lugar. La construcción fue durante un tiempo sede de Casa FOA, para que luego del proceso de recuperación, quede lista para su nueva apertura.
       “Hubo que refuncionalizar el edificio, pero con intervenciones mínimas para que no olvidemos que era un monasterio”, contó a  Guillermo Alonso, director de Relaciones Públicas de La Abadía.
Las obras constaron de la recuperación los pisos de pinotea y los techos abovedados. Además se rehicieron tanto la instalación eléctrica, como también la iluminación.
       Uno de los desafíos de los restauradores, fue la de mantener el clima monástico del edificio, pese a su transformación. En el refectorio del ex monasterio, por ejemplo, se instaló el auditorio que, junto a la biblioteca monseñor Eugenio Guasta, serán sede del Centro de Estudios Latinoamericanos.
     “Tierra de encuentros, cielos y colores. Arte de Sudamérica hoy y ayer” es la primera muestra exhibida, en donde se pueden encontrar piezas de platería mapuche, del Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti y máscaras del Perú.
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Avellaneda -Buenos Aires - El Centro Municipal de Arte de Avellaneda se pone en marcha

        La antigua Casa de la Cultura de Avellaneda donde antes funcionaban talleres de arte, fue remodelada bajo el nombre de Centro Municipal de Arte, como una gran galería cultural de dos pisos que alberga salas de ensayo, de grabacion y seis espacios identificados por colores y destinados a exposiciones de arte.
        Gigantescas esculturas móviles, otras realizadas con materiales no convencionales, murales y fotografías de la ciudad a principios de siglo son algunas de las propuestas que sorprenden a los más de 200 visitantes que a diario visitan el edificio de Alsina y San Martín, en pleno centro de esa localidad bonaerense.
        Fotogramas en blanco y negro de calles renovadas, algunos edificios olvidados y otros demolidos donde hoy se encuentran modernas construcciones son algunas de las imágenes montadas en la sala Violeta.
        Este paseo interior por Avellaneda se completa en la Sala Roja en marco de la exhibición "Colores Maestros-Pintores Argentinos del Siglo XX", que despliega obras de artistas como Benito Quinquela Martí¬n, Raúl Soldi, Juan Vaidaillac, José Arcidiácono, José Luis Menghi, Fernando Pascual Ayllón y Germán Leonetti.

New York - MoMA - Retrospectiva del artista uruguayo Joaquín Torres-García

 

              El MoMA presenta la gran retrospectiva de Joaquín Torres-García (Uruguay, 1874 -1949) que cuenta con obras que van desde finales del siglo XIX hasta la década de 1940, incluidos los dibujos, pinturas, objetos, esculturas y cuadernos originales del artista y otras publicaciones. La exposición combina una presentación cronológica con un enfoque temático, estructurado en una serie de importantes capítulos de la carrera del artista, con énfasis en dos momentos clave: el período 1923-1933, cuando Torres-García participó en varios movimientos europes de vanguardia,  mientras establecia su propio estilo constructivista; y 1935 a 1943, cuando, después de haber vuelto a Uruguay, produjo uno de los repertorios más llamativos de la abstracción sintética.

              Torres-García es uno de los artistas más complejos e importantes de la primera mitad del siglo XX, y su obra abrió caminos de transformación para el arte moderno en ambos lados del Atlántico. Su implicación personal en un número significativo de movimientos -desde el Novecentismo Catalán al Cubismo, Ultraísmo, Vibracionismo, y Neo Plasticismo,  hicieron de él,  una  incomparable figura sin precedentes, madura para nueva evaluación crítica en los EE.UU.

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El talismán - Paul Serusier

El talismán - Paul Serusier

"Un cuadro, antes que un caballo de guerra, un desnudo femenino o cualquier otra anécdota, antes que un tema es, esencialmente, una superficie plana cubierta de colores distribuidos en un orden determinado". Maurice Denis.

Con esta definición  desemboca el arte abstracto. Relativiza el tema convirtiéndolo en algo secundario y prescindible porque dice que lo que importa es trabajar con los recursos específicamente pictóricos, con los colores y el plano en este caso. Es el germen de la pintura del siglo XX.

Buenos Aires - Nace FOLA, la fototeca latinoamericana dedicada a la fotografía

 Una coleccion de 250 fotografías de arte latinoamericano de los ultimos quince años conforman el acervo de la naciente Fototeca Latinoamericana, se inauguró recientemente un espacio inédito para esta disciplina con tres exposiciones temporales.

"Fola es el primer museo en América latina dedicado exclusivamente a la fotografía latinoamericana contemporánea. Queremos que sea la casa de los fotógrafos, que sea referente latinoamericano en la disciplina", cuenta a la agencia Télam Gastón Deleau, director del flamante espacio y apasionado de la fotografía, sobre su primer proyecto en solitario luego de haber catapultado desde Arte al Día grandes eventos como Gallery Nights, Buenos Aires Photo, Impact Art y la Semana del Arte.

Madrid - Centro Centro Cibeles: Kandinsky la matemática de la emoción

        La lógica de Kandinsky, alguien que en Múnich, Moscú o París conmocionó el mundo del arte aplicando criterios objetivos para suscitar las más profundas emociones, queda enmarcada para la posteridad en la exposición que sobre la trayectoria del artista y profesor franco-ruso-alemán albergan las salas del Centro Centro Cibeles de Madrid.
       El centenar de obras –óleos, tintas, gouaches, grabados…- procedentes del Fondo Kandinsky del Museo Nacional de Arte Moderno-Centro Pompidou de París se despliega en cinco grandes salas sobre la base de una sobria escenografía de fondos blancos, azules y negros. Los paisajes posimpresionistas primero, las frías geometrías después, y los inquietantes elementos zoomórficos por fin, asaltan y desasosiegan al visitante que se preste al juego, en lo que supone la mayor exposición celebrada en España sobre uno de los grandes tótems de la abstracción y, por elevación, de la Historia del arte. Kandinsky. Una retrospectiva, que antes pasó por Milán, Milwaukee y Nashville, es un verdadero acontecimiento en la temporada de exposiciones.  España tardó algo más de lo conveniente -1978, en la Fundación Juan March- en dar a conocer al maestro de la abstracción.

    El viaje propuesto por la curadora Angela Lampe, responsable de las colecciones modernas del Centro Pompidou, es escrupulosamente cronológico y abarca lo que podríamos llamar el todo Kandinsky: Múnich (1896-1914), Moscú (1914-1921), los años de la Bauhaus (1921-1933) y París (1933-1944, año de su muerte). Es la vida de un hombre de lejanías, siempre dispuesto, llegado el momento, a marcharse como llegó, aferrado a la única patria para él posible, el arte, alérgico cual pelo de gato al dogma artístico y político y a cualquier atisbo nacionalista.

Las estatuas más impactantes de San Petersburgo

Las estatuas de San Petersburgo han sido testigos mudos de la fascinante historia de la Venecia del Norte.

San Petersburgo es el escenario de numerosos eventos históricos de gran relevancia. Se hizo historia en las mismas calles donde hoy paramos a tomar un café o salimos a dar un paseo nocturno. Nadie se acuerda ya de los tiempos de Pedro el Grande, la revolución rusa o la familia imperial, y pocos pueden recordar el sitio de Leningrado durante la Segunda Guerra Mundial.

 

 Pero la ciudad alberga sus propios testigos, las estatuas de piedra que coronan edificios, catedrales, puentes y calles. Su visión de los acontecimientos es única.

Madrid - Fundación Juan March: Retrospectiva del artista suizo Max Bill fundador de la "Nueva Bauhaus"

 

       La Fundación Juan March presenta la primera "retrospectiva concentrada" del artista suizo Max Bill en España. La exposición recoge 170 piezas que recorren transversalmente diversas disciplinas: pintura, escultura, arquitectura, diseño de libros, diseño industrial y de mobiliario, y grafismo publicitario. "Es un artista extremadamente plural. Sería incompleto centrarse sólo en su obra de 'formato clásico'. En esta exposición también se pueden encontrar manifestaciones del genio creador del artista en otras disciplinas", ha explicado durante la presentación Javier Goma, director de la Fundación.

        Las piezas de la exposición han sido cedidas por Jakob Bill, hijo del artista y administrador de su legado, y por colecciones e instituciones públicas y privadas, europeas y americanas, como el Museo de Harvard. Hasta el momento, la obra de este artista suizo ha podido verse en España como parte de exposiciones colectivas y en la muestra individual que le fue dedicada en el Museo Español de Arte    Contemporáneo de Madrid y la Fundació Joan Miró de Barcelona en 1980.

Colombia - Cali - Segunda Bienal Internacional de Danzas

         Durante nueve días, Cali será escenario de las mejores compañías de danza a nivel nacional e internacional, que será la posibilidad de demostrar el talento y las nuevas tendencias de la danza contemporánea frente otros países. Esta disciplina logrará convocar a diversas asociaciones de danza del país las cuales mostrarán sobre distintos escenarios, la contemporaneidad, tradiciones culturales y encuentros que pretenden crear una marca para la valoración de la danza en la ciudad.

Sudáfrica - La transformación del arte Ndebele: de arte tradicional a arte contemporáneo

        Una sola imagen es suficiente saber para saber a qué nos referimos cuando hablamos del arte Ndebele y para dar muestra de la popularidad de unos patrones que cada vez son más conocidos en Occidente. Y con esta imagen, no nos referimos únicamente a los murales pintados de los propios pueblos Ndebeles que podemos visitar cuando viajamos al norte de Sudáfrica. Nos referimos a las pasarelas de moda, a los escaparates primavera-verano 2014,decoración de interiores, a los coches y a exposiciones y galerías de arte en varios puntos de planeta. El llamado “estilo étnico” bebe principalmente del arte Ndebele, aunque no lo sepamos. Lo hemos visto, lo conocemos y hasta lo vestimos, pero ¿cuál es su historia?

Museo Larreta - Santa Teresa de Jesús: Viñetas del alma - Buenos Aires

 

       Hace 500 años nacía en Ávila Santa Teresa de Jesús, una de las mujeres más extraordinarias de la historia. Figura esencial del Siglo de Oro español, su obra literaria marcó un punto sobresaliente en la mística cristiana. Revolucionaria, indómita y andariega, fue una luchadora que rompió con la cultura de la época, aún cuando la Inquisición la persiguiera por no someterse a sus rígidos preceptos.
      Enmarcada dentro de los actos conmemorativos del V Centenario de su nacimiento, la exposición que presentamos está formada por los dibujos realizados por nueve artistas para el libro Las Moradas, adaptado al formato de la historieta.
     Un relato gráfico que con libertad creativa y una relectura desde el presente, interpreta el texto primitivo, logrando que la transposición del mismo refuerce su frescura original. La muestra se completa con un conjunto de objetos, fotografías y documentos que reflejan la admiración de Enrique Larreta por la figura de la Santa.

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Nueva York - El Museo Guggenheim

 

           El museo Guggenheim de Nueva York, diseñado por Frank Lloyd Wright, es uno de los hitos arquitectónicos más importantes del siglo XX. Situado en el Upper East Side, justo al lado de Central Park, el museo Guggenheim, con su característica silueta en espiral, se ha convertido en uno de los emblemas de la ciudad de Nueva York.
          El museo abrió sus puertas por primera vez el 21 de octubre de 1959, seis meses después de la muerte de Frank Lloyd Wright y diez años después de la muerte del fundador Solomon Guggenheim.
          El museo debe su nombre a su fundador, Solomon R. Guggenheim, un magnate americano que, alentado y guiado por la artista y asesora de arte Hilla Rebay, inició una colección de arte a finales de los años veinte. Rebay era seguidora del pintor de origen ruso Vasily Kandinsky, por lo que animó a Guggenheim a coleccionar la obra de Kandinsky (más de cien cuadros en la colección del museo), así como la de otros artistas, como Rudolf Bauer y László Moholy-Nagy.
         Al principio, la propia suite de Guggenheim en el Hotel Plaza de Nueva York servía como espacio de exposición para su colección de arte. Más adelante, en 1937, cuando su colección había crecido demasiado para albergarla en su apartamento, Guggenheim creó la Fundación Solomon R. Guggenheim.

Amsterdam - El Rijksmuseum, mejor museo de Europa

             

         El Rijksmuseum de Ámsterdam  fue recientemente elegido como el mejor museo de Europa por su restauración, obra de los arquitectos españoles Antonio Ortiz y Antonio Cruz.

         El premio, concedido por el Foro Europeo de Museos, organización auspiciada por el Consejo de Europa, destacó la calidad de los programas educativos y la información en varias lenguas destinada a los visitantes extranjeros, además de su sitio web, que ofrece una visita virtual por el centro.
         Además del certificado del premio, el Foro Europeo de Museos entregó al Rijksmuseum una escultura de Henry Moore, titulada “El Huevo”, que podrá exhibirla durante un año, cuando pasará a manos del siguiente galardonado. El jurado expresó que “la restauración del edificio, en particular las pinturas y decoraciones originales de sus paredes, la elegancia con que se colgaron sus famosas pinturas (entre ellas La Ronda de Noche) y la forma en que se integraron en el conjunto el pabellón dedicado al arte de Asia y la galería medieval, resalta la categoría de la colección misma”.
        El Rijksmuseum posee la mejor colección de obras de Rembrandt y Vermeer, dos de los pilares del Siglo de Oro de la pintura holandesa, y permaneció cerrado durante nueve años para poner al día sus instalaciones.
         El museo fue abierto en 2013, y la cifra récord de afluencia de público la alcanzó con su última exposición, dedicada a la obra tardía de Rembrandt (1606-1669).

 
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El boom de la moda "Made in Africa"

 

          Los tejidos y estilos procedentes de África están cada vez más en boga en las colecciones de los diseñadores más reconocidos en el panorama internacional.Basta con hacer una búsqueda rápida en Internet con las palabras “moda tribal” o “moda étnica” para obtener como resultados unos coloridos estampados procedentes de África lucidos por despampanantes modelos que representan prestigiosas firmas de moda europeas o estadounidenses. Recientemente Louis Vuitton y Thakoon utilizaron en sus colecciones 2011-2012 tejidos procedentes de Kenia, concretamente tejido Maasai, extendiéndose como la pólvora. John Galliano, Dior, Jean Paul Gaultier o Juanjo Oliva, son algunos de los diseñadores que desde hace años se inspiran en el estilo y tejidos del continente para diseñar sus colecciones, ganándose así el aplauso de los críticos de moda que consideran esta iniciativa como un símbolo de multiculturalidad.