Buenos Aires - MAMBA - Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña

 

       "Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña", la primera exposición individual en un museo argentino del artista tucumano afincado en Berlín, una constelación de kilómetros de telas de araña fabricada en los últimos meses por 7.000 arañas de la especie Parawixia bistriata, se inaugura este viernes a las 19 en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
       La ciencia y el arte se balancean con total naturalidad en la obra de este arquitecto nacido en 1973, al punto de que sus singulares creaciones llaman la atención por igual tanto desde la Bienal de Venecia como del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), y desde el Museo Metropolitano de Nueva York hasta la Nasa, siempre a raíz de sus investigaciones en torno a las telas de arañas, un proyecto que ya lleva casi diez años y que lo convirtió en la única persona en el mundo que posee una colección de telas de arañas.
       Cuando el Museo invitó a Saraceno a realizar su primera exposición en una institución de la Argentina, él a su vez -al mejor estilo Peter Parker- invitó a miles de arañas a que lo acompañen, y así la muestra se despliega en dos salas y cuenta con el apoyo del Museo Argentino de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia y el Max Planck Institute.
      En la primera sala, miles de arañas -que ya no están- han tejido kilómetros de telas de finísimos hilos de seda que prácticamente brillan en la sala casi en penumbras, una pieza rara de describir y clasificar. Hay que moverse con cuidado y observar detenidamente para no perderse los detalles de esta construcción original.  En tanto, en el subsuelo, los visitantes pueden asistir a una suerte de concierto cósmico, protagonizado por una araña, su fascinante tela y las partículas de polvo presentes en el espacio cuyos movimientos producen un sonido que amplificado retumba en el ambiente.

Cuba - Bienal de humorismo gráfico

 

                         Bienal de humorismo gráfico reúne a artistas de 20 países en Cuba        Se está realizando esta Bienal, que incluye el concurso de 133 obras de 79 autores procedentes de 20 países, con mayor participación de autores de Cuba, Irán y Brasil en categorías como humor general y sátira política.
        El género en el que más se compite es el humor general (44 obras), pero también están la sátira política (40) y la fotografía humorística (20), e incluso se incrementa la participación en historieta, y se concursa también en caricatura personal.
        Un jurado encabezado por Carlos David Fuentes Hierrezuelo, ganador en dos ocasiones del certamen e integrado también por el norteamericano John Lent; el colombiano Orlando Morales; Cristina Sampaio, de Portugal; Marilena Nardi, de Italia; la especialista del museo del Humor María Elena Arango; y el Héroe de la República de Cuba Gerardo Hernández Nordelo, es el responsable de seleccionar las obras ganadoras. El resultado se dará a conocer en la última de las jornadas después de que el humor haya tomado las calles de San Antonio de los Baños, conocida como la Capital del Humor.
           Los trabajos escogidos integran el Salón Internacional de la Bienal de Humorismo Gráfico, y allí, el público tiene ocasión de votar por el más popular. También se realizan homenajes al historietista Rafael Fornés y al caricaturista Lázaro Fernández.
          Hay también expos personales de Yaimel López, en el Estudio Ares, y de Ramiro Zardoya, en el Centro de Artes Visuales de San Antonio. Yaimel y Ramiro son jóvenes exponentes de la caricatura, según confirmó el consagrado Arístides Hernández, miembro del comité organizador y del jurado de admisión.
        Ares también se refirió a que en las últimas ediciones de la Bienal se viene dando un fenómeno para el cual el Museo del Humor, de San Antonio de los Baños, debe prepararse y es la recepción de obras en formato digital, para lo cual hay que dotar a esa institución de tecnología adecuada para atesorar esas obras que llegan en alta resolución.
       Aunque La Habana es subsede de la Bienal, con algunas actividades, el resto de los eventos transcurrirán en la villa del río Ariguanabo, donde se considera al certamen como una fiesta de pueblo que se extiende hasta el 9 de abril con la realización de conciertos de orquestas bailables, exposiciones y fiestas para niños.
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Madrid - Museo del Prado: Tesoros de la Hispanic Society of America

     

        El Museo del Prado, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, ofrece al público la excepcional oportunidad de disfrutar de más de doscientas obras pertenecientes a Hispanic Society, institución con sede en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos de América.
        La Hispanic Society posee la más importante colección de arte hispano fuera de nuestro país, con más de 18.000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros raros, entre los que se incluyen 250 incunables. Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura.
          Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se muestran en un recorrido cronológico y temático donde la pintura española, con obras tan relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, entabla un fascinante diálogo con las colecciones del Prado.

Buenos Aires - Xul Solar. Panactivista - Museo Nacional de Bellas Artes

  

         El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición Xul Solar. Panactivista, a 130 años del nacimiento del artista. Curada por Cecilia Rabossi, la muestra recorre la obra de Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari (1887-1963), uno de los protagonistas de la vanguardia argentina del siglo XX. La muestra presenta su figura en múltiples dimensiones —artista, músico, astrólogo y “escribidor”—, y analiza el carácter místico y utó¬pico que atraviesa toda su producción.

        Xul Solar. Panactivista reúne más de 180 obras, entre acuarelas, témperas, objetos, máscaras, manuscri¬tos, ilustraciones y documentos personales, pertenecientes al Museo Nacional de Bellas Artes, la Fun¬dación Pan Klub-Museo Xul Solar y colecciones particulares. “Arte y literatura: Xul y sus amigos”, “Músico visual”, “El mundo de las lenguas”, “Espacios habitables”, “Lo místico, lo esotérico y lo oculto” y “Grafías plastiútiles. Una escritura plástica” son los seis núcleos temáticos en los que se despliega la propuesta.

          La exposición también explora su vínculo fraternal con el pintor Emilio Pettoruti y con Jorge Luis Borges, y a través de estas relaciones, se detiene en su estadía en Europa, el regreso a la Argentina, en 1924, y su inserción en el medio artístico y literario local.

        “Para el Museo Nacional de Bellas Artes es un honor abrir la temporada 2017 con una exposición del gran artista argentino Xul Solar, dueño de un lenguaje visual y verbal propio, concebido al calor de una inquie¬tud constante. Xul Solar es un eslabón ineludible para comprender el derrotero de las vanguardias locales durante las primeras décadas del siglo XX. Su espíritu de recreación de las palabras y las cosas hizo que difuminara los límites entre las disciplinas. Sus piezas, de factura indudablemente personal, y sus proyec¬tos, que le hablan al universo, son ejemplos del humor, la candidez y la frescura con la que actuó en la escena artística nacional”, sostiene Andrés Duprat, director del Bellas Artes.

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Buenos Aires - Usina del Arte - Henri Cartier-Bresson, Fotógrafo.

          La Usina del Arte presenta esta exposición que reúne más de 100 fotografías del célebre artista francés considerado precursor del fotorreportaje y el documentalismo. Se compone de una selección de 133 fotografías, desde su más temprano período surrealista pasando por su trabajo documental en París, así como series e imágenes de sus viajes durante los agitados años 60’ y 70’. La obra de Cartier-Bresson se caracteriza por la idea de atrapar el instante decisivo: poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción. Es una figura mítica en la fotografía del siglo XX, apodado “el ojo del siglo” y su obra fue expuesta en el Palais du Louvre, el MoMA (2010) y el Centre Pompidou (2014) entre otros.

Henri Cartier-Bresson
       Nacido en Chanteloup, Seine-et-Marne, Henri Cartier-Bresson desarrolló una temprana y fuerte fascinación por la pintura, y particularmente por el surrealismo. En 1932, después de pasar un año en Costa de Marfil, descubrió la Leica -su cámara elegida desde entonces- y comenzó una pasión de por vida por la fotografía. En 1933 tuvo su primera exposición en la Julien Levy Gallery en Nueva York. Más tarde hizo películas con Jean Renoir. Tomado prisionero de guerra en 1940, escapó en su tercer intento en 1943 y posteriormente se unió a una organización subterránea para ayudar a prisioneros y fugitivos.     
        En 1945 fotografió la liberación de París con un grupo de periodistas profesionales y luego filmó el documental Le Retour (El Regreso).En 1947 junto a Robert Capa, George Rodger y David “Chim” Seymour fundó la agencia Magnum Photos. Después de tres años viajando por el Este, en 1952 volvió a Europa, donde publicó su primer libro, Images à la Sauvette (publicado en inglés como The Decisive Moment).
          Explicó su enfoque de la fotografía en estos términos: "Para mí la cámara es un bloc de notas, un instrumento de la intuición y la espontaneidad, el dueño del instante que, en términos visuales, pregunta y responde simultáneamente. Es por la economía de medios que se llega a la sencillez de expresión".A partir de 1968 comenzó a restringir sus actividades fotográficas, prefiriendo concentrarse en el dibujo y la pintura. En 2003, con su esposa e hija, creó la Fundación Henri Cartier-Bresson en París para la preservación de su obra. Cartier-Bresson recibió un número extraordinario de premios, reconocimientos y doctorados honorarios. Murió en su hogar en Provence, Francia el 3 de agosto de 2004, algunas semanas después de su cumpleaños 96.

Del 21.02 al 02.04 | Horarios: martes a jueves de 14 a 19 h; viernes de 12 a 21 h; sábados, domingos y feriados de 10 a 21 h 

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Museo Giverny - Estruendo! Instrumentos musicales en el arte

 

Los comienzos del impresionismo coinciden con la aparición de nuevos instrumentos musicales y con una presencia cada vez mayor de la música en la vida cotidiana: se inauguran cafés concierto, salones de baile y salas de ópera. Manet, Degas, Renoir, Morisot, Whistler, Toulouse-Lautrec y Bonnard son a la vez testigos y actores de esos cambios que suponen el nacimiento del ocio moderno.

En paralelo a esa «nueva pintura» surge  también, a finales del siglo XIX, una «nueva música». Se rompe con los códigos tradicionales, y vientos de modernidad y libertad soplan en el mundo musical. Los pintores defienden en sus cuadros esa evolución.

         Las casi sesenta obras de esta muestra que se realizará hasta el 2 de julio en el Museo de los Impresionistas de Giverny,  cuentan la historia de una música cada vez más presente en la pintura. A las representaciones públicas –fanfarrias, circos, cabarets, orquestas, óperas, fiestas– se suman otras escenas más íntimas, como las de la música en el salón o las clases de música. Esta exposición pone de manifiesto las estrechas relaciones que en esta época se establecen entre los pintores y los músicos. Cuenta con la curaduria de Frédéric Frank y  Belinda Thomson y con el apoyo excepcional del Museo d'Orsey y de l'Orangerie

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Centro Cultural Borges - Steve McCurry - Sin Fronteras

       Una selección de 120 imágenes inéditas pertenecientes al archivo del fotógrafo norteamenricano Steve McCurry. En años marcados por un cambio de rumbo a nivel mundial en relación al problema de los inmigrantes, la muestra plantea un mundo sin divisiones geográficas marcadas por la diversidad.
       Por primera vez en nuestro país se verán imágenes tomadas por McCurry en los Estados Unidos y en América Latina, siendo que la carrera de este mítico fotógrafo, autor de la imagen de "La Niña Afgana", la  portada más famosa de National Geographic, se desarrolló fundamentalmente en países de Asia y el Medio Oriente. Se verán en el recorrido imágenes del mundo que marcaron hitos en su carrera, como las fotos de la invasión Rusa en Afganistán en 1979 y documentación que da cuenta de su trabajo para grandes revistas en el mundo. Auspicia la Embajada de los Estados Unidos.
Biografía
          Durante más de treinta años ha sido una de las figuras icónicas del arte contemporáneo. Nacido en Pensilvania, McCurry realizó innumerables viajes a la India, atraído por su cultura. En 1979 cruzó la frontera hacia Afganistán para documentar la invasión rusa en ese país. Luego de meses de convivir con los Mujaidines, atravesó la frontera con Pakistán con los rollos cosidos en su ropa. Sus imágenes fueron las primeras en mostrar al mundo la brutalidad de la invasión rusa. Desde entonces, realizó inolvidables imágenes en seis continentes y numerosos países. El cuerpo de su obra abarca por igual conflictos, culturas evanescentes, antiguas tradiciones y culturas contemporáneas, si bien siempre conserva el elemento humano,  que transformó la célebre imagen de la Niña Afgana en una imagen poderosa. McCurry fue reconocido con algunos de los premios más prestigiosos, incluyendo la Medalla de Oro Robert Capa y obtuvo cuatro primeros premios del Concurso World Press Photo, entre decenas de otros.

Curadora Virginia Fabri
Auspicia: Embajada de Estados Unidos
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Museo Reina Sofía Madrid - Picasso "reinará" en 2017 con el 80 aniversario del "Guernica"

        Cerca de 150 obras de Picasso, procedentes de más de 30 instituciones de todo el mundo, se podrán ver en 2017 en el Reina Sofía, que ha preparado la exposición "Piedad y terror" para conmemorar el 80 aniversario de la creación del "Guernica", que cuelga en sus paredes desde hace un cuarto de siglo.
         En 2017, el Reina Sofía tiene proyectadas 16 exposiciones temporales, entre ellas "Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica", una gran muestra que servirá precisamente para celebrar el citado 80 aniversario, así como también los 25 años de la llegada del simbólico cuadro al Reina Sofía.
        En ella, se podrán contemplar cerca de 150 obras maestras del artista, procedentes de los fondos de la colección del museo y de más de 30 instituciones de todo el mundo, entre ellas el Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou, de París, la Tate Modern de Londres, el MoMA y el Metropolitan Museum, de Nueva York, o la Fundación Beyeler, de Basilea.
         Esta retrospectiva, según informa el museo en una nota, "pondrá su foco en la evolución del universo pictórico de Picasso, con el 'Guernica' como epicentro, desde finales de los años 20 a mediados de los años 40 del siglo pasado, periodo en el que el artista imprimió un cambio radical en su obra".
         Además, el Reina Sofía ha programado una exposición dedicada a la obra de Bruce Conner, uno de los artistas norteamericanos más importantes de la posguerra, y otra al alemán Franz Erhard Walther, uno de los creadores más influyentes del siglo XX.
         En el apartado de actividades públicas se hará referencia también al aniversario del "Guernica" con una serie de conferencias maestras con especialistas como T.J. Clark y un espectáculo de danza de la compañía de Martha Graham.
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MAMBA - El tesoro del Museo Picasso de Paris en Buenos Aires. Por Mariela Paesani

        Ver el paso del tiempo sobre los dibujos. Los bordes irregulares de los originales y hasta con pequeñísimas roturas. Ver el papel ya en tonos sepia y los recortes de diario de los collages amarillentos. Descubrir el dibujo en lápiz de una sola línea, o los trazos del grueso grafito y hasta algunos borrones. Ver originales de Picasso, no es lo único importante. El valor de esta muestra reside en que se trata de una selección de dibujos de la única colección pública en el mundo que abarca la totalidad de la producción de Picasso, con un patrimonio de más de 5000 obras, entre ellas pinturas, esculturas, dibujos, grabados y documentos. Y por otra parte, revela una manera diferente de pensar las etapas por las que transitó a lo largo de su productiva vida.

    La exposición Pablo Picasso: Más Allá de la semejanza, del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) presenta 74 dibujos o bocetos, elaborados por el artista desde los 16 años hasta su muerte, del patrimonio del Museo Nacional Picasso de París. La muestra curada por la directora del MAMBA, Victoria Noorthoorn, y por Emilia Philippot del museo francés como curadora asociada, está planteada de una manera cronológica y permite comprobar la importancia que el pintor malagueño le concedía al dibujo como lugar de experimentación y exploración.

Werner Bischof: precisión suiza y mirada sensible - por Mariela Paesani

 

        Miradas. Miradas ocultas, cómplices, perdidas… y muchas tomas con las personas de espaldas o distraídos en sus actividades. En la muestra de Werner Bischof, un fotógrafo considerado artista de culto y de fama mundial, llama la atención las miradas de los retratados. Se puede pensar que el suizo usa lentes potentes para pasar desapercibido y registrar de lejos, y que, en un sentido metafórico, roba las imágenes.

       Las fotografías que presenta el Museo Isaac Fernández Blanco en la exposición “Fotografías de América – Werner Bischof” muestran el viaje último e interior que emprendió el suizo por México, Panamá, Perú y Chile. Cansado del fotoperiodismo y después de registrar el mundo de la posguerra, a los 37 años emprende este proyecto en donde también encontró trágicamente la muerte en un accidente, en la cordillera de los Andes.

       Bischof retrata niños: niños hablando y de espaldas, niños observando unas fotos de corridas de toros, niños jugando en la vereda con un camión de madera, niños que viajan colgados en la parte trasera de un tranvía, niños, niños. Quizás lo haga pensando en su segundo hijo por el cual su esposa Rosellina debió dejar de acompañarlo en el viaje para dar a luz. O quizás no, tal vez sea por pura sensibilidad y estética. Como escribe su amigo, el fotógrafo Eugene Harris, “No olvidaré jamás un consejo que me dio: Fotografía con tu corazón”.

Museo Sivori: Igualdad y diversidad en el arte argentino - por Mariela Paesani

       ¿Qué tienen en común el paisaje  de la “Pampa” que Eduardo Sívori pintó en 1902 con el cuadro hecho con recortes de diarios “Nosotros no sabíamos”  (1976-87) de León Ferrari? En qué pueden coincidir el colorido retrato “Por mis pueblos” (1927) de Alfredo Gramajo Gutiérrez con el telar “El vuelo” (2005) realizado por Silvia Millet con hierro, algodón y boletos de subte, en una representación evidente de los vuelos de la muerte de la última dictadura? ¿Cuál es el hilo conductor que recorre tan diferentes artistas como Pío Collivadino, Antonio Berni, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Alfredo Gramajo, Luis Felipe Noé, Pablo Suarez y  Norberto Gómez nombrando solamente unos pocos, con tan variadas técnicas: pinturas, dibujos, esculturas, xilografías, litografías, collages, esgrafiados y telares? El Museo Sivori pretende responder estas preguntas que se plantea el visitante de la exposición “Representaciones de identidades en tensión”, curada por Graciela Limardo y Silvia Marrube. Una muestra extensa y rica, pero que  resulta confusa de seguir - tal vez por la cantidad de obras que propone y los pocos carteles explicativos-  y en donde se relaciona de una manera muy cercana la crueldad con la belleza.

Buenos Aires - Palais de Glace - Julio Lavallen: Un murmullo de colores - por Mariela Paesani

Entre la explosión del color del fauvismo y la pincelada evidente de los autorretratos de Van Gogh, entre las manchas y salpicaduras del arte abstracto y la expresión más acabada del personaje, se  pueden  encontrar los seis retratos  que Julio Lavallen expone en el Palais de Glace.

En la muestra Retrato Tratado/Dar la Cara: Pinturas sonoras, Lavallen presenta los rostros de Carlos Alonso, Carlos Gorriarena y Luis Felipe Noé, pintados en España en 1998 y Hermenegildo Sabat, Roberto Fontanarrosa e Isabel Sarli creados en Buenos Aires diez años después. Cada obra está acompañada por la voz del personaje con la idea de generar un clima de mayor cercanía al espectador. Aunque las grabaciones de las entrevistas a los protagonistas se escuchan muy tenues para entender lo que hablan y  generan  un confuso  murmullo. 

Museo Thyssen-Bornemisza - Madrid: 76 obras de Renoir

 

        El Museo Thyssen de Madrid reúne 76 obras de uno de los impresionistas más populares en una gran monográfica que reivindica su complejidad.
        Pierre Auguste Renoir (Limoges, 1841- Cagnes-sur-Mer, 1919) es el pintor más popular entre los impresionistas, el movimiento más conocido de la historia del arte. Sin embargo, más allá de media docena de obras míticas, es también el más desconocido, además del más criticado e incomprendido por sectores intelectuales que quizá confunden el gozo que desprenden sus cuadros con la facilidad y la simpleza. Pero la obra del artista francés va mucho más allá de sus desnudos o sus escenas campestres y festivas, tal como se puede ver en la gran retrospectiva de 76 obras titulada Intimidad que hasta el 22 de enero se puede ver en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid). La exposición, patrocinada por Japan Tobacco International (JTI) y con préstamos de varios países, estará en el Bellas Artes de Bilbao el 7 de febrero.
         Guillermo Solana, director artístico del museo y comisario de la exposiciónrecuerda que el Thyssen ha dedicado ya exposiciones monográficas a casi todas las figuras esenciales del impresionismo. “En apariencia, Renoir es el más fácil de todos ellos, pero en realidad es el más difícil y complejo. Creo que por eso lo hemos ido dejando para el final. Se escapa a todo patrón y es anticonceptual. Los intelectuales le han despreciado, pero ese desprecio era mutuo. Renoir, un hombre muy directo, opinaba públicamente que los intelectuales eran unos tarados incapacitados para el disfrute de los sentidos”.

Más información

Mark Rothko (Letonia 1903 - New York 1970)

      El arte es una aventura que nos lleva aun mundo desconocido... Nuestra tarea como artistas es hacer que la gente vea el mundo tal como lo vemos nosotros. Mark Rothko (1903 -1970)

Buenos Aires - Festival y Mundial de Tango 2016

 

Se está realizando en la ciudad de Buenos Aires la edicion 2016 del Festival Mundial de Tango  hasta el 31 de agosto
El Campeonato Mundial de Baile de Tango es una competencia internacional entre bailarines de tango que se realiza anualmente desde 2003, durante el mes de agosto, en Buenos Aires, Argentina. Se compite en dos categorías: tango escenario y tango de pista. El campeonato se realiza en el marco del evento Tango Buenos Aires Festival y Mundial.
Los bailarines representan ciudades o países y pueden inscribirse gratuitamente y sin ninguna exigencia de profesionalismo. El reglamento no establece ninguna restricción referida al género de los bailarines y bailarinas, ni en la composición de las parejas. La competencia consta de tres etapas: clasificatoria, semifinales y la final.