MAMBA - El tesoro del Museo Picasso de Paris en Buenos Aires. Por Mariela Paesani

        Ver el paso del tiempo sobre los dibujos. Los bordes irregulares de los originales y hasta con pequeñísimas roturas. Ver el papel ya en tonos sepia y los recortes de diario de los collages amarillentos. Descubrir el dibujo en lápiz de una sola línea, o los trazos del grueso grafito y hasta algunos borrones. Ver originales de Picasso, no es lo único importante. El valor de esta muestra reside en que se trata de una selección de dibujos de la única colección pública en el mundo que abarca la totalidad de la producción de Picasso, con un patrimonio de más de 5000 obras, entre ellas pinturas, esculturas, dibujos, grabados y documentos. Y por otra parte, revela una manera diferente de pensar las etapas por las que transitó a lo largo de su productiva vida.

    La exposición Pablo Picasso: Más Allá de la semejanza, del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) presenta 74 dibujos o bocetos, elaborados por el artista desde los 16 años hasta su muerte, del patrimonio del Museo Nacional Picasso de París. La muestra curada por la directora del MAMBA, Victoria Noorthoorn, y por Emilia Philippot del museo francés como curadora asociada, está planteada de una manera cronológica y permite comprobar la importancia que el pintor malagueño le concedía al dibujo como lugar de experimentación y exploración.

Werner Bischof: precisión suiza y mirada sensible - por Mariela Paesani

 

        Miradas. Miradas ocultas, cómplices, perdidas… y muchas tomas con las personas de espaldas o distraídos en sus actividades. En la muestra de Werner Bischof, un fotógrafo considerado artista de culto y de fama mundial, llama la atención las miradas de los retratados. Se puede pensar que el suizo usa lentes potentes para pasar desapercibido y registrar de lejos, y que, en un sentido metafórico, roba las imágenes.

       Las fotografías que presenta el Museo Isaac Fernández Blanco en la exposición “Fotografías de América – Werner Bischof” muestran el viaje último e interior que emprendió el suizo por México, Panamá, Perú y Chile. Cansado del fotoperiodismo y después de registrar el mundo de la posguerra, a los 37 años emprende este proyecto en donde también encontró trágicamente la muerte en un accidente, en la cordillera de los Andes.

       Bischof retrata niños: niños hablando y de espaldas, niños observando unas fotos de corridas de toros, niños jugando en la vereda con un camión de madera, niños que viajan colgados en la parte trasera de un tranvía, niños, niños. Quizás lo haga pensando en su segundo hijo por el cual su esposa Rosellina debió dejar de acompañarlo en el viaje para dar a luz. O quizás no, tal vez sea por pura sensibilidad y estética. Como escribe su amigo, el fotógrafo Eugene Harris, “No olvidaré jamás un consejo que me dio: Fotografía con tu corazón”.

Museo Sivori: Igualdad y diversidad en el arte argentino - por Mariela Paesani

       ¿Qué tienen en común el paisaje  de la “Pampa” que Eduardo Sívori pintó en 1902 con el cuadro hecho con recortes de diarios “Nosotros no sabíamos”  (1976-87) de León Ferrari? En qué pueden coincidir el colorido retrato “Por mis pueblos” (1927) de Alfredo Gramajo Gutiérrez con el telar “El vuelo” (2005) realizado por Silvia Millet con hierro, algodón y boletos de subte, en una representación evidente de los vuelos de la muerte de la última dictadura? ¿Cuál es el hilo conductor que recorre tan diferentes artistas como Pío Collivadino, Antonio Berni, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Alfredo Gramajo, Luis Felipe Noé, Pablo Suarez y  Norberto Gómez nombrando solamente unos pocos, con tan variadas técnicas: pinturas, dibujos, esculturas, xilografías, litografías, collages, esgrafiados y telares? El Museo Sivori pretende responder estas preguntas que se plantea el visitante de la exposición “Representaciones de identidades en tensión”, curada por Graciela Limardo y Silvia Marrube. Una muestra extensa y rica, pero que  resulta confusa de seguir - tal vez por la cantidad de obras que propone y los pocos carteles explicativos-  y en donde se relaciona de una manera muy cercana la crueldad con la belleza.

Buenos Aires - Palais de Glace - Julio Lavallen: Un murmullo de colores - por Mariela Paesani

Entre la explosión del color del fauvismo y la pincelada evidente de los autorretratos de Van Gogh, entre las manchas y salpicaduras del arte abstracto y la expresión más acabada del personaje, se  pueden  encontrar los seis retratos  que Julio Lavallen expone en el Palais de Glace.

En la muestra Retrato Tratado/Dar la Cara: Pinturas sonoras, Lavallen presenta los rostros de Carlos Alonso, Carlos Gorriarena y Luis Felipe Noé, pintados en España en 1998 y Hermenegildo Sabat, Roberto Fontanarrosa e Isabel Sarli creados en Buenos Aires diez años después. Cada obra está acompañada por la voz del personaje con la idea de generar un clima de mayor cercanía al espectador. Aunque las grabaciones de las entrevistas a los protagonistas se escuchan muy tenues para entender lo que hablan y  generan  un confuso  murmullo. 

Museo Thyssen-Bornemisza - Madrid: 76 obras de Renoir

 

        El Museo Thyssen de Madrid reúne 76 obras de uno de los impresionistas más populares en una gran monográfica que reivindica su complejidad.
        Pierre Auguste Renoir (Limoges, 1841- Cagnes-sur-Mer, 1919) es el pintor más popular entre los impresionistas, el movimiento más conocido de la historia del arte. Sin embargo, más allá de media docena de obras míticas, es también el más desconocido, además del más criticado e incomprendido por sectores intelectuales que quizá confunden el gozo que desprenden sus cuadros con la facilidad y la simpleza. Pero la obra del artista francés va mucho más allá de sus desnudos o sus escenas campestres y festivas, tal como se puede ver en la gran retrospectiva de 76 obras titulada Intimidad que hasta el 22 de enero se puede ver en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid). La exposición, patrocinada por Japan Tobacco International (JTI) y con préstamos de varios países, estará en el Bellas Artes de Bilbao el 7 de febrero.
         Guillermo Solana, director artístico del museo y comisario de la exposiciónrecuerda que el Thyssen ha dedicado ya exposiciones monográficas a casi todas las figuras esenciales del impresionismo. “En apariencia, Renoir es el más fácil de todos ellos, pero en realidad es el más difícil y complejo. Creo que por eso lo hemos ido dejando para el final. Se escapa a todo patrón y es anticonceptual. Los intelectuales le han despreciado, pero ese desprecio era mutuo. Renoir, un hombre muy directo, opinaba públicamente que los intelectuales eran unos tarados incapacitados para el disfrute de los sentidos”.

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Mark Rothko (Letonia 1903 - New York 1970)

      El arte es una aventura que nos lleva aun mundo desconocido... Nuestra tarea como artistas es hacer que la gente vea el mundo tal como lo vemos nosotros. Mark Rothko (1903 -1970)

Buenos Aires - Festival y Mundial de Tango 2016

 

Se está realizando en la ciudad de Buenos Aires la edicion 2016 del Festival Mundial de Tango  hasta el 31 de agosto
El Campeonato Mundial de Baile de Tango es una competencia internacional entre bailarines de tango que se realiza anualmente desde 2003, durante el mes de agosto, en Buenos Aires, Argentina. Se compite en dos categorías: tango escenario y tango de pista. El campeonato se realiza en el marco del evento Tango Buenos Aires Festival y Mundial.
Los bailarines representan ciudades o países y pueden inscribirse gratuitamente y sin ninguna exigencia de profesionalismo. El reglamento no establece ninguna restricción referida al género de los bailarines y bailarinas, ni en la composición de las parejas. La competencia consta de tres etapas: clasificatoria, semifinales y la final.

Catedral de Notre Dame, la mejor representación del Estilo Gótico

 

Francia alberga una de las catedrales más hermosas e imponentes del mundo, La Catedral de Notre Dame, uno de los edificios más señoriales e icónicos que se construyeron en estilo gótico. Millones de personas viajan hasta aquí para poder apreciarla de cerca.
Creada para rendir honor a la Virgen María, madre de Jesucristo, se encuentra ubicada en la pequeña isla de la Cité; rodeada por el río Sena en París.
Debido a la Revolución Francesa la catedral sufrió considerables deterioros, lo que obligó a realizar grandes restauraciones, las cuales además de reconstruir gran parte de la escultura perdida,  modificaron y añadieron diversas partes, siendo la más destacada la célebre aguja del cimborrio.
Posteriormente se dieron otros acontecimientos que causaron nuevamente un deterioro de la misma, en una oportunidad trataron de incendiarla, debido a todo esto, en 1991 se volvió a trabajar en su restauración, con un margen de tiempo para culminarla de 10 años.
En ella se han realizado acontecimientos importantes como la coronación de Napoleón Bonaparte, la beatificación de Juana de Arco y la coronación de Enrique VI de Inglaterra.
Notre Dame está conformado por dos torres de 69 metros, accediendo a la parte superior de ellas las personas, además de poder apreciar la hermosa vista de la ciudad, podrán conocer el famoso campanario donde vivió el mítico jorobado de Notre Dame, de igual forma podrán ver las distintas gárgolas del lugar.
Entre los tesoros de la catedral que pueden apreciarse están el mobiliario, la vestimenta y objetos relacionados con la Liturgia, algunos de ellos son considerados verdaderas obras de arte de los siglos XVII y XVIII.
La cripta arqueológica es otra de las grandes atracciones de Notre Dame, descubierta durante las excavaciones realizadas en 1965, aunque no se encuentra bajo la Catedral, sino más bien en la Plaza de Notre Dame.
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Museo Guggenheim Bilbao: Panoramas de la ciudad: la Escuela de París, 1900–1945

 

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Panoramas de la ciudad: la Escuela de París, 1900–1945, una exposición integrada por más de 50 obras maestras procedentes de la Colección del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, que podrá contemplarse hasta el 23 de octubre de 2016. Esta es la primera de las muestras que se enmarcan dentro de la renovación del Acuerdo de Gestión con la Solomon R. Guggenheim Foundation (SRGF). Entre las iniciativas que  refuerzan esta asociación se encuentra el compromiso del Solomon R. Guggenheim Museum de presentar en el  Museo Guggenheim Bilbao una exposición con obras clave de su Colección cada dos años.
A comienzos del siglo XX, París era la capital de la vanguardia. Artistas llegados de todo el mundo se asentaron en la Ciudad de la Luz, donde crearon nuevas formas de arte y literatura, y reaccionaron ante el rápido desarrollo económico, social y tecnológico que estaba cambiando profundamente la vida urbana. Fue en París donde Picasso y Georges Braque transformaron radicalmente las convenciones de la pintura, Robert Delaunay creó sus armoniosas composiciones de color, Vasily Kandinsky abrió nuevos caminos en la abstracción y Constantin Brancusi reinventó el modo de presentar la escultura en el espacio. La exposición Panoramas de la ciudad, curada por Lauren Hikson, Curadora Adjunta de Colecciones del Solomon R. Guggenheim Museum, reúne una selección de obras maestras de sus fondos, ofreciendo un recorrido apasionante por este momento de efusión creativa, a través de algunas de las pinturas y esculturas más importantes del siglo pasado, que continúan ejerciendo su influencia en el arte actual. Abarcando un período comprendido entre los comienzos del siglo XX y la Segunda Guerra Mundial, la muestra se centra en los movimientos fundamentales del arte moderno —desde el Cubismo hasta el Orfismo y el Surrealismo— y en los artistas englobados en la Escuela de París (École de Paris). Las diversas visiones artísticas que presenta la muestra manifiestan el impulso común de romper con estéticas conservadoras y transformar la percepción de la vida cotidiana en la ciudad moderna.
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Kigali - Ruanda - África - La Bauhaus africana y la arquitectura que viene

 

Christian Benimana, arquitecto ruandés, tuvo que trasladarse a Shangai, China, para poder cursar sus estudios en arquitectura. La falta de facultades con estudios de diseño urbano adecuados a los retos que vive hoy el continente, fue lo que lo hizo migrar en busca de una formación. Después de licenciarse, en 2008, quiso volver a Kigali, donde se encontró con problemas como el desalojo de tierras para la inversión inmobiliaria, que se estaban reproduciendo en toda la ciudad. Así que decidió unirse al colectivo de arquitectos de MASS, un grupo de diseño que nació en 2010 y que está cambiando el rumbo de la arquitectura en África. Desde entonces se ha convertido en uno de los arquitectos más reconocidos de todo el continente, por su esfuerzo en poner la arquitectura al servicio de la necesidades humanas.
“Precisamente por esto hemos creado una escuela. La Bauhaus nació en Alemania en un momento de auge económico con el objetivo de demostrar que con el diseño podemos mejorar la vida de las personas. El African Design Center se asemeja a la Bauhaus en la idea de que con el diseño se pueden transformar vidas“, dice sobre esta nueva escuela que nace en Kigali, conocida como la “Singapur de África”. “Si no aprovechamos el poder del diseño para generar un impacto duradero, el crecimiento poblacional del continente nos llevará directamente a la fatalidad“, advierte Benimana.
El African Design Center, o la Bauhaus Africana, como le gusta llamarla a Christian es un centro de investigación y formación que nace con la idea de poner la investigación en el centro del debate y antes de cualquier tipo de construcción. Situada en la capital de Ruanda, Kigali, la escuela emerge con la intención de encontrar soluciones a problemas habitacionales como el acceso a la vivienda asequible que afectan a la población local.

Madrid - Museo Thyssen-Bornemisza - Caillebotte: Pintor y jardinero

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en colaboración con el Musée des Impresionnismes Giverny esta exposición dedicada al artista Gustave Caillebotte (París, 1848 - Petit Gennevilliers, 1894), una de las figuras menos conocidas y a la vez más originales del movimiento impresionista. Caillebotte, pintor y jardinero muestra la evolución temática y estilística del pintor francés, desde sus inicios en el París moderno de Haussmann hasta su pintura de jardines, que ocupará una parte muy importante de su producción artística.
Curada por Marina Ferretti, directora de Exposiciones e Investigación del Musée des Impresionnismes Giverny, la muestra presenta un total de 64 obras procedentes de colecciones privadas y museos internacionales como el Marmottan Monet de París, el Brooklyn Museum de Nueva York y la National Gallery of Art de Washington D.C, divididas en cuatro etapas vitales: El París de Haussmann, un universo mineral; Vacaciones en Yerres; El Sena y los viajes a Normandía y El jardín de Petit Gennevilliers.
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#Rio16 - El pebetero olímpico: una fascinante escultura cinética de Anthony Howe

 

El espectacular pebetero de los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro 2016 es obra de Anthony Howe, un escultor norteamericano conocido por sus trabajos de esculturas cinéticas.

Muchas de sus obras pueden considerarse casi precursoras del pebetero, con el que comparten ciertas características, aunque la obra olímpica tiene un tamaño y un mecanismo aparentemente mucho más grande y elaborado.
Howe trabaja en su estudio en la Isla de las Orcas, entre Seattle (Estados Unidos) y Vancouver (Canadá). El precio de sus trabajos –no acepta encargos– comienza a partir de los 250.000 dólares, cifra que sin duda se incrementará ahora que ha realizado un trabajo tan prestigioso.
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Marilyn - Museo de la moda - Santiago de Chile

                                       
     A 90 años del nacimiento y con la más grande muestra sobre Marilyn Monroe que se haya realizado en Chile, se exhiben más de 200 artículos de la colección del Museo de la Moda, entre objetos personales, libros, discos, reconocimientos, adornos de su casa y, tambien trajes emblemáticos.
      La exhibición da cuenta del éxito de Marilyn Monroe en los medios y por ende en la audiencia, siendo rostro de tapas de revistas, afiches y calendarios, causando gran fervor entre sus fans, que le escribían cartas sin parar.

     Con esta exposición se muestra una Marilyn Monroe que la gente no está acostumbrada a ver; sus constantes ganas de aprender y estudiar, su inquietud intelectual, su desarrollo cultural y su sencillez en la intimidad de su hogar.
     “Marilyn” también muestra algunos vestidos icónicos, como el de terciopelo de seda rojo, modelo sirena, strapless, que la actriz usó en 1956 para asistir al estreno de la obra de teatro “Panorama desde el puente”, de Arthur Miller, quien entonces era su marido. Así como los que utilizó en películas que protagonizó, entre ellas Vidas rebeldes (1961), Los hombres las prefieren rubias (1953), Niágara (1953) y La comezón del séptimo año (1957).

Fue descubierto un cuaderno de bocetos de Van Gogh

       La editorial francesa Seuil anunció el descubrimiento de un cuaderno de bocetos del pintor holandés Vicent Van Gogh, que será publicado simultánea en varios países el próximo mes de noviembre. "El cuaderno de dibujos inéditos solo es conocido por su propietario, por el editor y por mí", explicó Bernard Comment, responsable de la edición de la obra, que llevará el título Vincent Van Gogh, Le brouillard d'Arles, carnet retrouvé (Vicent Van Gogh, la niebla de Arles, cuaderno encontrado). "Es increíble, brillante", dijo.
       El origen de este libro, el número de dibujos, la paginación del libro o su precio no ha sido especificado. Se trata de un libro excepcional que "se presentará simultáneamente en noviembre en Francia, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Países Bajos y  Japón y, más tarde, en otros países", agregó el editor."
       Explicó que el cuaderno contiene más de una decena de dibujos y también que hubo un gran trabajo científico "para certificar que se trataba de un libro de Van Gogh".
      Por su parte, el Museo Van Gogh de Ámsterdam y el Museo de Orsay, de París, rehusaron pronunciarse sobre la dimensión de este hallazgo. 

         Van Gogh, con problemas de alcoholismo y enfermedades mentales, se suicidó a los 37 años en julio de 1890, pobre y desconocido. Su obra ha sido encumbrada posteriormente. Retrato del doctor Gachet (1890) alcanzó los 82,5 millones de dólares (unos 74 millones de euros) en una subasta en Nueva York en 1990. Por otra parte, respecto a sus dibujos, se conocen cerca de un millar.

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MNBA Buenos Aires - Orozco, Rivera y Siqueiros: La exposición pendiente y La conexión sur

        

        El Museo Nacional de Bellas Artes presenta, por primera vez en la Argentina, una exposición de los grandes maestros mexicanos José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, integrada por obras provenientes de uno de los acervos más importantes de Latinoamérica: la colección del Museo de Arte Carrillo Gil, de México.
         La muestra se despliega en dos grandes núcleos: “La exposición pendiente”, del curador del Museo de Arte Carrillo Gil, Carlos Palacios, y “La conexión sur”, a cargo de Cristina Rossi. En el primero, se expone una selección de 76 obras que formaron parte de “Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura mexicana”, la muestra organizada por el museógrafo mexicano Fernando Gamboa que debió inaugurarse en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile el 13 de septiembre de 1973, y que, dos días antes de su apertura al público, fue cancelada por el golpe militar de Augusto Pinochet. Embaladas nuevamente, las piezas fueron depositadas en el museo, que se suponía un lugar seguro, pero el 15 de septiembre el edificio fue ametrallado por cuatro tanques del ejército. Milagrosamente, las obras no sufrieron daños y gracias a la eficaz gestión de Gamboa, el 26 de septiembre pudieron regresar a México.
         Luego de la reanudación de las relaciones diplomáticas entre México y Chile en 1990, hubo varios intentos para llevar a cabo la muestra. Finalmente, el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile presentó “La exposición pendiente” entre noviembre de 2015 y febrero de 2016, con la curaduría de Palacios, quien realizó un nuevo armado de la muestra original, compuesto por setenta y seis obras.
         Este primer núcleo abarca un período histórico que recorre desde las primeras décadas del siglo XX hasta 1973, cuando el quiebre del sistema democrático chileno impidió la presentación de la muestra e imprimió este episodio sobre las obras de la Colección Carrillo Gil. Además, en Buenos Aires, se organiza en cuatro momentos, que abordan las diferentes interpretaciones sobre el retrato, los horrores de la guerra, la mirada social y las experiencias muralistas.
Del 3 de mayo al 7 de agosto de 2016, en el Museo Nacional de Bellas Artes

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